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L’Amour telle une cathédrale ensevelie 

© Christophe Pean

Texte et mise en scène Guy Régis Jr – composition musicale et guitare Amos Coulanges – Compagnie Nous Théâtre, au Théâtre de la Tempête.

Les clés nous sont données à la fin du spectacle. Les clés d’un arrachement, au-delà de la raison, d’un Fils à sa Mère. Comme d’autres, il a bravé son destin en tentant de la rejoindre depuis Haïti jusqu’au Canada. Comme d’autres il a sombré en chemin, l’embarcation qui devait l’emmener vers un meilleur destin s’est retournée. La nouvelle vie imaginée et qui devait cimenter la famille s’est arrêtée net.

On comprend alors la violence de l’affrontement qui se tient à huis-clos entre l’homme et la femme – elle, Haïtienne émigrée ayant épousé un Canadien, son Retraité Mari, rencontré par internet avec l’aide de son fils – et la rage qui occupe le premier tiers du spectacle. « Tu délires, tu dénies. Je te hais… » jette-t-elle. Et lui, le « faux-sage » comme elle le caractérise, demande grâce « Parlons… » tente-t-il. « Je ne parle pas de guerre, vieux cacochyme. Je parle de l’amour, de cet amour mort entre nous. De l’amour telle une cathédrale ensevelie », d’où le titre du spectacle. Et quand tout se délite, il réagit avec la même violence : « J’ai tout oublié… jusqu’à ton pays… » Un grand naufrage.

Rupture de style avec la seconde partie qui se tient à l’avant-scène et qui pourrait évoquer un chœur grec ou un oratorio. Au texte théâtral se mêle le chant d’un chœur lyrique inspiré des rythmes caribéens populaires et sacrés. Tels des revenants, ces personnages-acteurs mais aussi magnifiques chanteurs portent les polyphonies et invoquent le dieu de la mer et des océans, Poséidon. La partition, composée par le talentueux compositeur et guitariste classique Amos Coulanges, présent en live dès le début du spectacle, se compose de dix chants en créole haïtien surtitré en français, empreints de lyrisme. Le choeur commente d’une voix collective l’action dramatique qui se déroule derrière lui, face au public, sur le tulle noir devenu écran, celle des boat people accompagnant le Fils. Il porte ses imprécations, « Sur ce bateau-sauve-qui-peut, celui ou celle qui se laisse plonger se noiera tout seul, pour ses propres yeux. » Cet écran sépare le salon en surplomb – deux petits canapés type occidental et le vide absolu – de cette grève abandonnée où coule une rivière là où apparaissent les bateaux de l’exil, (scénographie Velica Panduru, lumières Marine Levey). Des images de chaloupes surpeuplées nous submergent, entre l’euphorie du départ et le drame absolu du naufrage (vidéo Dimitri Petrovi), grondements en mer, pluies d’orage sur scène, tempête (création sonore François Van Opstal). Ces anonymes qui ont pris place dans les embarcations, pleins d’espoir et d’une grande force de vie, s’effacent, laissant pour traces quelques effets flotter à la surface de l’eau. Il pleut sur le tulle.

© Christophe Pean

Retour sur le couple qui se réchauffe un peu, dans la troisième partie de la pièce, tenté par la fête au loin, les lumières. Pas de danse pourtant mais un récit poignant de la mère parlant de l’absent, ce Fils intrépide, noyé, qui ne la rejoindra pas. Dans une puissante montée dramatique la Mère rappelle Antigone à qui il est interdit de mettre en terre son frère, Polynice. Pas de tombe pour les intrépides. Cette dernière séquence, principalement portée par Nathalie Vairac, magnifique actrice, est d’une grande force.

Avec L’Amour telle une cathédrale ensevelie second volet de la Trilogie des Dépeuplés écrite par Guy Régis Jr – qui n’a pas épuisé le sujet de l’exil, se croisent la petite et la grande histoire d’Haïti.  Ici, la mère quitte l’Île, comme elle le dit : « Nous sommes à la recherche d’une terre à la mesure de nos pieds… »  L’auteur poursuit sa radiographie des familles haïtiennes éclatées qu’il connaît bien, il vient de l’une d’elles. Le premier volet, Étalé deux pieds devant, devenu au théâtre Les cinq fois où j’ai vu mon père (cf. notre article du 31 janvier 2022) traitait de l’absence du père qui avait quitté le foyer en catimini pour s’installer aux États-Unis, du vide et de la souffrance de l’enfant, resté au pays avec sa mère. La troisième pièce, Et si à la mort de notre mère, parle du retour au pays de la mère, malade, elle n’a pas encore été montée.

La création de la pièce a eu lieu en septembre dernier au festival Les Zébrures d’automne, ex-Francophonies de Limoges.  Outre son talent d’auteur dramatique, Guy Régis Jr met en scène ses textes et partage son Haïti, proche et lointaine dans ses tragédies contemporaines, donnant corps, avec finesse et ingéniosité, à l’indicible.

Brigitte Rémer, le 21 novembre 2022

Avec : Déborah-Ménélia Attal – Frédéric Fachena et François Kergourlay en alternance – Jean-Luc Faraux – Dérilon Fils – Aurore Ugolin – Nathalie Vairac – assistanat à la mise en scène Hélène Lacroix – composition et guitare Amos Coulanges – scénographie Velica Panduru – vidéo Dimitri Petrovic – lumières Marine Levey – création sonore François Van Opstal – régie générale Samuel Dineen – La Trilogie des dépeuplés est publiée aux Solitaires Intempestifs.

Du 11 novembre 11 décembre 2022, du mardi au samedi 20h30, dimanche 16h30 – Théâtre de la Tempête, Cartoucherie de Vincennes, Route du Champ de Manœuvre. 75012 – tél. : 01 43 28 36 36 – site : www.la-tempete.fr

Vanish

© Alban Van Wassenhove

D’après Océanisé.e.s de Marie Dilasser – adaptation Lucie Berelowitsch et Marie Dilasser – mise en scène Lucie Berelowitsch, au Théâtre de la Tempête, Cartoucherie de Vincennes.

Le titre est un mot clé, vanish. Traduit de l’anglais il signifie disparaître. Nous sommes sur l’océan. Tout est dit. Le récit se construit autour de Rodolphe, marin d’une cinquantaine d’années, aguerri, qui se prépare à partir en mer pour un tour du monde en solitaire sur son voilier. Amoureux fou de la mer, pour lui « l’océan vient du ciel. » Il s’affaire avec son ami et sa femme, Nadja, entre cordages, passerelles, agrès mobiles et machinerie, check-list de ce qui reste à faire et passe une dernière soirée chez lui. Sa femme lui offre un confortable ciré et ses recommandations : « Attache-toi ! » Derniers instants de haute tension. « C’est toujours au moment où vous êtes prêts à partir que les gens veulent vous retenir. Les derniers instants ne devraient pas exister. Il va falloir dire les derniers mots, faire les derniers gestes, échanger les derniers regards… » Dans sa tête, Rodolphe est déjà loin, il a décidé de ne pas revenir. Il se raconte.

© Alban Van Wassenhove

Tombé dans le piège et l’amour de la mer, il avait débuté avec un petit bateau, puis en a pris un plus grand, puis un autre encore plus grand et il est devenu accro. On le suit dans son voyage, physique autant que mental et peut-être métaphysique, dans son journal de bord, luttant contre les éléments et la fatigue, perdant pied avec la réalité. « Se sentir vivant… » Les champs magnétiques se brouillent, les voix s’éloignent, la communication se dérobe, les instruments ne répondent plus. Joshua, son fils, – dont le nom signifie Dieu sauvera – dessine la mer et invente son père. « Joshua, tu es de l’autre côté, du côté de la terre ferme ! Joshua me reverra… »

Autour de Rodolphe tout devient abstraction, la terre se dissout, la météo se dérègle, il est envahi d’hallucinations et divague. On le suit dans sa recherche des extrêmes où il perd pied et jusqu’à la raison, manquant d’eau et de sommeil, dans la solitude du bleu translucide et d’éléments déchaînés. Au cœur des 40èmes Rugissants il engage sa dernière bataille contre les éléments, hissant le foc, contrôlant la grand-voile. Grand vent sur l’échelle de Beaufort ! La cabine est à sac, le bateau ouvert en deux. « Je suis traversé de part en part. La porte de la cabine s’ouvre, tout vole. » Dans ses pensées défilent toute la Patagonie, la référence aux grands explorateurs, les indigènes, mirage illustré par deux figures lunaires tombées de nulle part, jeteurs de sort : « Tu as des écailles sur les épaules » lui disent-ils.

© Alban Van Wassenhove

Témoins de ses brumes qui l’enveloppent tout entier et de ses visions, on assiste au naufrage. Dernière adresse à la famille, sa femme sait qu’elle ne le reverra pas et pourtant selon elle « le continent n’est pas moins hostile que la plupart des océans. » Le sens du temps devient aléatoire et se mesure à la longueur des cheveux. Passé, présent et futur se mélangent. Au final toutes les voiles recouvrent le plateau, comme un immense linceul.

Le texte est né de rencontres. Au point de départ celle de Lucie Berelowitsch, metteure en scène et directrice du Préau/CDN de Normandie-Vire avec Rodolphe Poulain, comédien et amoureux de la mer, navigateur à ses heures et vivant en Bretagne. Ils se connaissent et ont les mêmes passions, il a travaillé sous sa direction notamment dans Lucrèce Borgia. Il est ce personnage submergé de l’envie de partir qui plonge sans concession dans la partition très physique du marin en perdition. Najda Bourgeois, de l’équipe des comédiens permanents au Préau est son épouse, avec une grande justesse et détermination. Guillaume Bachelé, ami de Rodolphe, construit l’environnement musical.

Rencontre avec l’auteure, Marie Dilasser, née à Brest, dont la langue, à la fois réaliste et poétique, dit l’étendue de l’océan et la lumière changeante, le bateau qui s’écrase. « Le bateau ballote, tangue, pique du nez, s’écrase, plonge, tape, roule, grince, gémit, tu te cramponnes, t’agrippes, te retiens, t’affales, te cramponnes à nouveau, te relèves entre deux rafales, chutes encore… » Elle ouvre sur l’oralité des marins et leurs légendes, évoquant entre autres le rituel de la Proella d’Ouessant, où l’on rend hommage aux morts de la mer en portant une petite croix du domicile jusqu’au cimetière, elle nous mène à la frontière du fantastique.

Rencontre avec le scénographe Hervé Cherblanc, qui a rendu possible la représentation sur le petit plateau du Théâtre de la Tempête par l’inventivité de sa construction, composée de passerelles, échelles, plateformes qui roulent, d’un bunker-maison aussi petit qu’une cabine de bateau, de cordages. Sur mer, les gestes vont à l’essentiel, la scénographie est une évocation de l’univers de Rodolphe qui permet l’illusion de la gîte du bateau et du vent tourbillonnant dans les voiles. Tout roule et tangue. Côté cour un pupitre et un guitariste-chanteur, l’ami de Rodolphe, Guillaume Bachelé, avec la sonorisation de Mikaël Kandelman. Côté jardin, un gros cube transparent rempli d’eau, dans lequel les personnages plongent en apnée comme en caméra subjective. Les lumières sont de Christian Dubet qui lui aussi connaît la mer pour avoir grandi au pied du phare du Créac’h où son père était maître de phare, et qui a lui-même pratiqué ce métier de gardien de phare.

Alors avec cette belle équipe et sa capitaine, Lucie Berelowitsch, on largue les amarres et on s’interroge sur le paradoxe qui a saisi Rodolphe entre l’envie de disparaître et l’espoir qu’on le retrouve ; entre sa mise en abyme et le merveilleux qu’il recrée, par son imaginaire solitaire ; entre sa rugosité et sa fragilité. C’est une bouteille à la mer et l’énigme de l’humain qui garde son mystère.

Brigitte Rémer, le 30 septembre 2022

Avec : Guillaume Bachelé, Najda Bourgeois, Rodolphe Poulain – collaboration artistique Sylvain Jacques – assistanat à la mise en scène Elise Douyère – musique Guillaume Bachelé – scénographie Hervé Cherblanc – lumières Christian Dubet – sonorisation Mikaël Kandelman – costumes Suzanne Veiga Gomes, assistée de Cécile Box – décor Les Ateliers du Préau – Régie plateau Hervé Cherblanc  et en alternance Cyril Flochinger et Arthur Michel – habilleuse Nadia Ménenger – régie Jean-Louis Portail, Yann Nédélec – Le texte Océanisé.e.s est publié aux Solitaires Intempestifs.

Du 23 septembre au 23 octobre 2022, du mardi au samedi à 20h30, dimanche à 16h30 – Théâtre de la Tempête, Cartoucherie de Vincennes, route du Champ-de-Manœuvre, 75012. Paris. – tél : 01 43 28 36 36 – site : www.theatredelatempete.fr – En tournée : 1er et 2 décembre, Comédie de Colmar/CDN Grand Est Alsace – 13, 14, 15 décembre, Théâtre des Cordes de la Comédie de Caen/CDN de Normandie – 28 février 2023 L’Archipel, Granville – 2 mars, Théâtre de la ville, Saint-Lô – 7 mars, Dieppe/Scène Nationale.

Face à la mère

© Gabrielle Voinot

Texte Jean-René Lemoine – mise en scène Alexandra Tobelaim – création musicale Olivier Mellano – au Théâtre de la Tempête/Cartoucherie de Vincennes

L’auteur donne rendez-vous à sa mère, assassinée, dans un pays qu’il ne nomme pas mais qui est aussi le sien, Haïti. Un rendez-vous pour tout ce qu’ils ne se sont pas dit. « Voici venu le moment de me présenter à vous pour cet entretien si longtemps différé. » Le parcours d’enfance ne fut pas si simple entre ce pays quitté, l’exode à Léopoldville aujourd’hui Kinshasa, l’adolescence en Belgique pour des « années pluvieuses, neigeuses, brièvement éclairées par la lumière de l’Afrique où, pendant les grandes vacances, nous allions rejoindre mon père pour un simulacre de vie familiale. » Puis l’envol vers d’autres horizons où la perfection, enfin, n’est plus obligatoire.

Écrit en trois mouvements, trois moments, précédé d’un prologue et fermé d’un épilogue, Face à la mère commence, sur scène, par le bruit du ressac, celui de l’Atlantique ou de la mer des Antilles, celui de l’ambivalence. Dans ce récitatif où se tissent douceur, douleur et pudeur apparaît le portrait contrasté d’une mère, institutrice, qui pour ses enfants recherchait l’excellence et ne savait donner le geste tendre tant attendu. Et pourtant, « Vous me manquez » écrit-il dans cette lettre qu’il lui adresse, comme une sonate au clair de lune. Et il refait le parcours : « Où sont les chemins de mon enfance ? »

Dans le premier mouvement la nouvelle qui tombe, en pleine répétition, par un coup de fil de la sœur, le retour précipité avec elle pour accompagner le dernier voyage et vider la maison. « La mère portait une jupe blanche aux mille plis et cette jupe était un conte de fée aux histoires infinies » cette même jupe avec laquelle elle est partie. « Prendre son souffle », laisser les pensées s’évader sur l’esprit des lieux, les années passées sans se voir, les questions qu’il lui pose : « A quoi pensiez-vous en quittant ce pays ? Avez-vous été heureuse à Coquillatville puis à Léopoldville… ? »

« Si je me souviens bien, jusqu’à l’âge de vingt ans j’ai été votre fils, le meilleur, puis le pire » ainsi commence le second mouvement dans lequel Jean-René Lemoine va « gratter la mémoire jusqu’à l’os » en faisant émerger les moments de difficulté, puis de cruauté. « Le premier jour de septembre vous m’avez laissé dans une cour de récréation grande comme un champ de bataille au milieu d’enfants pâles qui me dévisageaient… » La vie quotidienne s’est écoulée, l’enfant était sage comme une image et travaillait bien, pour faire plaisir. Jusqu’à ce qu’il apprenne à dire non.  « Nous étions confinés dans la cale d’un navire définitivement à quai. J’attendais que le sablier se vide pour tracer mon sillon dans des terres plus clémentes. » A l’adolescence, l’auteur apprend la solitude, l’absence, la frustration. « Je voudrais que quelqu’un caresse mon épaule. » La tension fut extrême, « nous cherchions tous les deux le mot définitif qui allait briser l’autre. »

Dans le troisième mouvement le déroulé de l’acte, l’assassinat, le taraude. « Mille fois j’ai inventé pour elle une mort un peu moins inhumaine. » Puis il fait le compte des violences et des atrocités du pays pour un triste constat : « Votre pays ne va pas bien. Votre pays se meurt depuis votre départ. » Certains mots, quelques phrases, reviennent frapper, comme le mouvement de la mer, sorte de leitmotiv musical. « Où sont les chemins de mon enfance ? »  On voudrait retenir chaque mot de cette lettre écrite « par-delà les mers et par-delà le temps », poignant monologue intérieur. « Votre main sur mes yeux » devient en juste retour « ma main sur tes yeux… »

Faire théâtre d’un texte, si vrai et si fort, est loin d’être simple. La voix de l’auteur est ici portée par trois acteurs – Stéphane Brouleaux, Geoffrey Mandon, Olivier Veillon – qui le vocalisent comme une partition de chant choral, décalent les mots en écho, ou en canon, ou les donnent à l’unisson, apportent leurs nuances et dessinent chacun une facette du fils face à la mère (travail vocal Jeanne-Sarah Deledicq). Un praticable les rapproche du public et les pendrions clairs s’écrouleront, comme s’écroulent les illusions du fils (scénographie Olivier Thomas, lumières Alexandre Martre). Trois musiciens commentent et rythment les événements (Yoann Buffeteau à la batterie, Vincent Ferrand à la contrebasse, Lionel Laquerrière à la guitare et à la voix). Olivier Mellano violoniste et guitariste, qui rassemble des artistes pour des créations musicales dans de nombreux festivals et travaille pour le théâtre, a composé la partition. Le parti-pris de mise en scène posé par Alexandra Tobelaim – directrice du NEST/Centre dramatique national transfrontalier de Thionville-Grand-Est, à la recherche de formes singulières pour le passage du langage verbal au langage scénique – est très judicieux. La démultiplication du personnage et la sobriété du plateau donnent au texte toute sa puissance poétique et affective et place la relation du fils à la mère dans une dimension archétypale et universelle.

L’écriture de Jean-René Lemoine auteur, metteur en scène et acteur, bouleverse. Il avait présenté il y a quelques années une Médée, poème enragé qu’il avait écrit et qu’il interprétait avec beaucoup de subtilité et de poésie déjà, spectacle repris au Théâtre de la Ville. Il a reçu plusieurs prix pour l’écriture dont celui de la SACD pour L’Odeur du Noir et celui du Grand Prix de la Critique pour Scarlett O’Hara. Erzuli Dahomey est entré au répertoire de la Comédie Française en 2012 et Vents contraires a été créé en 2019 à la MC93 Bobigny. Son travail est à suivre très attentivement.

Brigitte Rémer, le 13 mai 2022

Avec les acteurs : Stéphane Brouleaux, Geoffrey Mandon, Olivier Veillon – avec les musiciens : Yoann Buffeteau à la batterie, Vincent Ferrand à la contrebasse, Lionel Laquerrière à la guitare et à la voix) – création musicale Olivier Mellano – scénographie Olivier Thomas – lumières Alexandre Martre – costumes Joëlle Grossi – travail vocal Jeanne-Sarah Deledicq – son Émile Wacquiez

Du 5 au 15 mai 2022 au Théâtre de la Tempête / Cartoucherie de Vincennes, route du Champ de Manœuvre, 75012 – site : la-tempete.fr – tél. : 01 43 28 36 36

Alabama Song

© Catherine Bougerol

D’après le roman de Gilles Leroy – adaptation et mise en scène Guillaume Barbot, Compagnie Coup de Poker – au Théâtre de la Tempête. Avec Lola Naymark dans le rôle de Zelda.

La vie et l’œuvre de Scott Fitzgerald nous sont connues. L’auteur a publié de nombreux romans et nouvelles dont Gatsby le magnifique en 1925 et Tendre est la nuit en 1934. L’œuvre de Zelda, comme dans nombre de couples d’artistes, est moins connue, peu reconnue, même si elle écrit tout autant. Zelda Fitzgerald publie en 1932 l’histoire de sa rencontre avec Scott, sous le titre Accordez-moi cette valse. On est en Alabama en 1918. Elle a dix-huit ans, lui vingt-et-un. Le couple devient la coqueluche du Tout-New York et s’y brûlera les ailes.

Le roman de Gilles Leroy, Alabama Song, puise dans la vie de Scott et Zelda Fitzgerald, mêlant les données biographiques aux éléments imaginaires, en mettant le projecteur sur Zelda, ses amours, son parcours, ses blessures, son écriture. Le spectacle reprend ce portrait de femme, dans sa passion débordante et tumultueuse avec Scott, qu’elle épouse en 1920 et avec lequel elle aura une fille surnommée Scottie. Sur scène, Zelda se raconte en se consumant. Le début du spectacle est le point d’arrivée de sa vie déchirée, dans l’hôpital psychiatrique où on la soigne et où elle mourra au cours d’un incendie, dernière image du spectacle. Elle appelle ses souvenirs. Retour sur image, sur sa vie et sur sa rencontre avec Scott, sous l’égide de la difficulté de vivre, de l’alcool et de la création. « Du jour où je l’ai vu, je n’ai plus cessé d’attendre. Et d’endurer, pour lui, avec lui, contre lui » déclare-t-elle. Dans l’écriture, Zelda déverse sa violence, elle revendiquera nombre de situations dont se serait emparé son époux pour sa propre œuvre. « Il en est qui se cachent pour voler, pour tuer, pour trahir, pour aimer, pour jouir. Moi, j’ai dû me cacher pour écrire » dit-elle.

Trois musiciens ponctuent les étapes du douloureux récit de sa vie au regard de ses relations de couple avec Scott, chaotiques et destructrices. Ils se glissent aussi dans la peau de personnages qu’ils interprètent : Pierre-Marie Braye-Weppe est au violon et interprète le rôle du psychiatre ; Louis Caratini joue du piano et du trombone, il est l’amant, ce marin de Fréjus dont s’amourache Zelda ; Thibault Perriard est à la batterie et à la guitare, il est aussi Francis Scott. Leur passage de musicien à comédien se fait avec simplicité, comme une évidence, de même que leurs interventions musicales, délicates et subtiles, dans l’esprit jazz des années 20. Si les instruments placés au centre mangent la scène – nous sommes dans la petite salle Copi du Théâtre de la Tempête – le dispositif scénographique élaboré, une rampe sur laquelle évolue Zelda, surplombant les musiciens, s’avère parfaitement efficace, piste de danse ou long couloir de l’HP (la scénographie est signée Benjamin Lebreton, les lumières de Nicolas Faucheux assisté d’Aurore Beck). Lola Naymark habite le personnage de Zelda avec une grande force et justesse. Elle décline l’entière gamme de ses émotions et sentiments, de la fantaisie à la liberté, de la retenue à la colère, de la vindicte au désarroi. Sa palette est large, elle est l’incandescence même, continuellement au bord du vide.

Guillaume Barbot signe la mise en scène d’un diptyque sur des destins de femmes dont Alabama Song est le second volet. Le premier, monté en 2018, était une adaptation du roman de l’écrivain comorien Ali Zamir, Anguille sous roche. Sa compagnie, Coup de Poker, est depuis cinq ans en résidence au Théâtre de Chelles après avoir été associée au Théâtre de la Cité Internationale en 2017 puis au Théâtre Gérard Philipe/CDN de Saint-Denis en 2018-2019. Le metteur en scène développe son travail autour d’une matière littéraire non dramatique, mêlant théâtre et musique. Il s’empare de thèmes d’une grande profondeur et intensité, ici, la passion, la création et la folie, dans ce couple mythique des Fitzgerald qui s’est fracassé, et où Zelda a sombré. Une compagnie à suivre !

Brigitte Rémer, le 7 janvier 2022

Avec Lola Naymark, Zelda – et avec les musiciens-acteurs : Pierre-Marie Braye-Weppe violon et jeu (psychiatre) – Louis Caratini piano, trombone et jeu (les amants) – Thibault Perriard batterie, guitare et jeu (Francis Scott) – scénographie Benjamin Lebreton – lumières Nicolas Faucheux, assisté d’Aurore Beck – costumes Benjamin Moreau – conception musicale collective, direction Pierre-Marie Braye-Weppe – son Nicolas Barillot, assisté de Camille Audergon – regard chorégraphique Bastien Lefèvre – assistanat à la mise en scène Stéphane Temkine – régie son Camille Audergon – régie Gilles David, Yann Nédélec – Le texte peut être joué grâce à l’aimable autorisation des éditions Mercure de France.

Du 5 au 16 janvier 2022, du mardi au samedi 20h30, dimanche 16h30, au Théâtre de la Tempête, Cartoucherie, Rte du Champ-de-Manœuvre, 75012 Paris – tél. : 01 43 28 36 36 – site : www.la-tempete.fr

Mademoiselle Julie

© Morgane Delfosse

Texte de August Strindberg – texte français et mise en scène Élisabeth Chailloux, Théâtre de la Balance – au Théâtre de la Tempête, Cartoucherie de Vincennes.

Pièce en un acte écrite en 1888, après Le Père et Plaidoyer d’un fou, Mademoiselle Julie est un long plan séquence sur le psychodrame qui se noue dans la cuisine d’une demeure de maître, celle de Monsieur le Comte et en son absence. Kristin, cuisinière, range l’office avant de partir danser avec Jean, serviteur du Comte, qui le lui a promis, lui, finit de nettoyer les bottes de son maître. Le temps venu, ils s’épouseront. C’est la nuit de la Saint-Jean, très fêtée en Suède, hommage à l’été qui s’annonce et à la fécondité de la nature, fête populaire enchanteresse et magique où l’on parle d’amour, où l’on boit, où l’on rêve et où l’on danse.

Le bel ordre des choses soudain vole en éclat quand la capricieuse fille du Comte, Mademoiselle Julie, fait irruption dans la cuisine pour imposer ses volontés. Le récit de la récente rupture de ses fiançailles, consommée avec perte et fracas, vient d’être donné par Jean, montrant la violence et la perversité de la jeune femme. Or la voici qui, très ouvertement et sans tenir compte ni de Kristin qui quitte la pièce, ni de l’avis de Jean, vient le séduire effrontément. Cela commence par le baiser au soulier, imposé. Ambitieux, Jean fait mine de résister avant de lâcher prise et tomber dans le panneau. Le mépris de Julie pour les classes sociales inférieures distillé par son milieu, son orgueil, ainsi que la haine des hommes transmise par sa mère, trouvent réponse dans le même mépris et le même orgueil que Jean lui renvoie, avec cynisme. Julie et Jean, deux personnages ambivalents et imprévisibles, se dévoilent. La première, dans ce duel qui les oppose, oscille entre force et faiblesse, le second, d’abord indécis, élabore son rêve d’ascension sociale, y incluant la fille du Comte comme mécène du grand hôtel qu’il ambitionne de diriger, au bord du lac de Côme.

Dans cette lutte de pouvoir, celle des classes sociales autant que celle des sexes, jeu de séduction-répulsion habilement mené par ces deux personnages équivoques, la défaite sera celle de Julie. Prise à son propre piège et dans une véritable impasse, la pulsion de mort sera la plus forte. En écho à l’exécution de son canari et au vol de l’argent de son père pour mener leur projet, elle se suicide. Comme si de rien n’était, la vie reprendra son cours au coup de sonnette final de Monsieur le Comte qui appelle et demande ses bottes. Cet huis clos nocturne et tragique se passe sous le regard de Kristin, qu’on aperçoit derrière les panneaux translucides de la scénographie qui lui servent d’observatoire, sur la route de l’église (scénographie et lumières de Yves Collet et Léo Garnier). Côté jardin, la table de travail désertée par la cuisinière. En fond de scène, la porte centrale faisant le lien entre le dehors et le dedans et le son des flonflons qui s’éloignent (son madame Miniature). Une table où Jean, servi par Kristin, dîne.

Elisabeth Chailloux, qui a repris la route après avoir co-dirigé pendant de nombreuses années le Théâtre des Quartiers d’Ivry/Manufacture des Oeillets avec Adel Hakim, livre, dans cette danse de mort, une mise en scène où Jean (Yannik Landrein) prend le dessus et où Julie (Pauline Huruguen), malgré sa provocante première apparition, ne semble pas si forte. Du fond de sa cuisine et délaissée par Jean, Kristin, la charismatique (Anne Cressent) garde sa dignité. La mise en scène d’Elisabeth Chailloux fonctionne, même si Jean, arrogant, démarre très en force et si le duo Julie-Jean manque un peu de mystère et de sensualité. Les costumes donnent l’ambiance et le ton d’un intérieur suédois fin de printemps dans lequel la pression monte avec les effluves et le vin de la fête (création costumes Dominique Rocher, réalisation Majan Pochard).

Mademoiselle Julie est une pièce complexe, les plus grands metteurs en scène s’y sont confrontés : de André Antoine à Georges Pitoëff, de Matthias Langhoff à Christian Schiarreti. Récemment Julie Brochen en a donné sa lecture, présentant une Julie terriblement séductrice. Écrivain tourmenté, connu pour ses relations orageuses avec les femmes, Strindberg s’est vraisemblablement projeté dans le personnage de Jean, et chaque mise en scène apporte sa pierre à l’édifice. Père du théâtre moderne, différentes convictions et courants de pensée l’ont traversé : socialisme, nietzschéisme, mysticisme, naturalisme, symbolisme et expressionnisme. Edvard Munch, l’homme du Cri, en a peint un portrait volontaire. Après Mademoiselle Julie, Strindberg sombre, pendant une huitaine d’années et écrit Inferno en 1896, expression de ses fractures intérieures qu’on retrouve dans toute l’œuvre. « Tout ce que je touche me fait mal, et, enragé des supplices que je veux attribuer à des puissances inconnues qui me persécutent et entravent mes efforts depuis tant d’années, j’évite les hommes, néglige les réunions, décommande les invitations, et éloigne les amis. Il se fait autour de moi du silence et de la solitude. » Et selon l’analyse d’Elisabeth Chailloux parlant de la pièce : “C’est une pièce de guerre qui se termine par la mort du plus faible” où “les mots sont des armes.” Et elle crée, avec son équipe, les conditions du combat.

Brigitte Rémer, le 10 novembre 2019

Avec : Anne Cressent, Kristin – Pauline Huruguen, Julie – Yannik Landrein, Jean. Scénographie et lumières Yves Collet, Léo Garnier – costumes Dominique Rocher – réalisation costumes Majan Pochard – son Madame Miniature – assistanat à la mise en scène Pablo Dubott.

Du 7 novembre au 8 décembre 2019, du mardi au samedi 20h30, dimanche 16h30. Théâtre de la Tempête, Cartoucherie de Vincennes, Rte du Champ-de-Manœuvre, 75012 Paris – métro ligne 1 jusqu’au terminus Château de Vincennes (sortie 6), puis bus 112 ou navette Cartoucherie – site : www.la-tempete.fr – tél. : 01 43 28 36 36.

 

Vols en piqués…

© Théâtre de la Tempête

D’après Karl Valentin – Texte français Jean-Louis Besson et Jean Jourdheuil – Mise en scène Sylvie Orcier et Patrick Pineau, compagnie Pipo – Théâtre de la Tempête/Cartoucherie de Vincennes.

La bonne humeur est contagieuse et celle des dix acteurs qui font vivre l’univers de Karl Valentin sur le plateau souffle sur la salle. Une terrasse bistrot montée au pied des gradins, avec photophores de couleurs rassemble une partie du public qui se place autour de ces petits points lumineux et marque la proximité entre la salle et la scène. L’autre partie est dans les gradins où, à certains moments, les acteurs montent pour partager quelques victuailles – un verre de vin, des esquimaux, une bonne plâtrée de spaghettis.

Né en 1882, considéré comme le Charlie Chaplin allemand, Karl Valentin faisait salle comble dans les cabarets et music-hall où il se produisait dans l’entre-deux-guerres, souvent accompagné de Liesl Karlstadt. Leurs physiques diamétralement opposés servaient de tremplins aux ressorts comiques de la centaine de sketches qu’il avait écrit. Il expérimentait aussi par le cinéma, cherchant à rendre irréelle la réalité du quotidien et avait ouvert en 1934, le Panoptique, un musée qu’il disait « expérimentable. » Brecht lui vouait une grande admiration et l’intelligentsia munichoise de l’époque le surnommait « le clown métaphysique. »

Avec Vols en piqués, la compagnie Pipo part de ce quotidien et vogue, de l’absurde au désordre, de l’étrangeté au burlesque. Sylvie Orcier et Patrick Pineau, co-metteurs en scène, avaient déjà travaillé en 2011 sur une première version du spectacle. Le plateau ouvre sur des tréteaux modulables et un esprit castelet, les acteurs apparaissent et disparaissent selon les situations, pleines d’humour et d’invention. Le batteur rejoint ses instruments côté cour sur une sorte de grand-bi, cet impressionnant vélocipède du temps jadis. Le piano est à jardin.

Dix courtes pièces qui se suivent et ne se ressemblent pas se déroulent au son des flonflons, sketches persifleurs, déjantés, parodiques, conduits par une sorte de monsieur Loyal : un avion avec moteur à explosion sur le départ, attraction hors norme présentée dans une salle de spectacle, numéro raté où tout le monde se fait éjecter. Un vrai faux départ à l’opéra après scène de ménage et billets offerts par la concierge. Un mariage singulier dans un duo bien réglé. Un vidangeur de m… et sa nouvelle pompe. Une chanteuse de cabaret, des musiciens jouant du klezmer avec clarinette, contrebasse, guitare, piano et vocal ponctuent les séquences avec allégresse. Les cracottes distribuées au public rythment le tempo ou servent de métronome. Un acrobate et une danseuse entrent en piste pour de brillants intermèdes. « L’art, c’est beau disait encore Karl Valentin, mais c’est du boulot… »

Au-delà des conventions sociales, Vols en piqués… est bon enfant, décalé et dans l’esprit 1930 un brin pince-sans-rire, un brin noir et grinçant. Les acteurs s’engagent physiquement pour des situations à géométrie variable, qui tournent souvent court. C’est joyeux et festif, musical et rythmé, parfois vitriolé !

Brigitte Rémer, le 22 mai 2018

Avec : Nicolas Bonnefoy, Nicolas Daussy, Philippe Evrard, Nicolas Gerbaud, Aline Le Berre, Fabien Orcier, Sylvie Orcier, Eliott Pineau, Lauren Pineau Orcier, Franck Séguy – Scénographie Sylvie Orcier – musique originale et chansons Nicolas Daussy – costumes Charlotte Merlin et Sylvie Orcier – lumières Christian Pinaud – régie lumières Morgane Rousseau – régie son Vincent Bonnet – régie Laurent Cupif et Michaël Bennoun.

Du 9 mai au 9 juin 2019, du mardi au samedi 20h, dimanche 16h – Théâtre de la Tempête-Cartoucherie de Vincennes, Route du Champ de Manœuvre, 75012. Paris – Tél. : 01 43 28 36 36 – Site : www.latempette.fr

 

Le Pas de Bême

© Martin Colombet

Mise en scène et écriture Adrien Béal, collaboration Fanny Descazeaux – Compagnie Théâtre Déplié au Théâtre de la Tempête / Cartoucherie de Vincennes.

Le plateau est central, comme un ring, le public disposé tout autour. Répartis dans la salle, sur les bancs des premiers rangs, comme des premiers de la classe, une actrice et deux acteurs qui se fondent dans le public, Charlotte Corman, Olivier Constant et Étienne Parc.

Le spectacle commence et procède par cercles concentriques, comme par saynètes. L’histoire est celle de Bême, jeune garçon qui rend sa copie blanche au lycée, lors de chaque devoir sur table. Défilent sous nos yeux ses parents, ses professeurs, les psychologues, le jeune garçon, ses copains, qui s’interrogent, chacun à leur manière sur les mécanismes qui poussent l’adolescent à une telle attitude, une telle provocation.

Le propos semble simple, il est traité simplement, et en même temps l’équipe met en relief la complexité du problème et fait vivre les personnages. Ils sont les uns et les autres tous et chacun, glissant de l’un à l’autre avec subtilité et avec vérité. De ce rien, de ce vide et de cette absence, ils font théâtre et construisent une mathématique digne d’une horlogerie suisse. Ils apparaissent puis s’effacent et se concentrent dans une nouvelle direction, avec l’effet ardoise magique, on écrit, on efface.

Créée en 2009, la Compagnie Théâtre Déplié porte bien son nom, les mots et les situations s’y déplient ici à l’infini autour de Bême ce garçon a priori comme les autres, plutôt bon élève et bien intégré, pas spécialement rebelle, qui a des copains mais qui reste sans réaction face à la feuille blanche du devoir sur table. Adrien Bréal, chef d’orchestre de l’ensemble dit avoir été inspiré par le roman de Michel Vinaver, L’Objecteur, écrit en 1951. Bême n’est pas exactement un objecteur, c’est un décalé, un non formaté qui flotte au-dessus de lui-même au moment des devoirs sur table sans savoir expliquer le phénomène. Vinaver a nourri l’écriture au plateau réalisée avec les acteurs. Cette démarche de création se mêle aux pièces plus purement théâtrales que présente la Compagnie, comme Le Canard sauvage d’Henryk Ibsen ou Visite au père de Roland Schimmelpfennigen.

Le Pas de Bême est l’esquisse du portrait d’un ado très joliment tracée par trois acteurs qui travaillent sur le sensible et dessinent de fragiles enluminures. Ils transforment cet espace vide en un geste théâtral singulier, leur petite musique nous reste dans la tête.

Brigitte Rémer, le 18 mai 2019

Du 7 au 26 mai 2019, Théâtre de la Tempête/Cartoucherie, route du Champ-de-Manœuvre, 75012. Paris. Tél. : 01 43 28 36 36 – site : www.la-tempete.fr

Jeu et écriture Olivier Constant, Charlotte Corman, Étienne Parc – Jeu et écriture à la création Pierric Plathier – lumières Jean-Gabriel Valot – régie Gilles David, Yann Nedelec.

Les Enivrés

© Hélène Bozzi

Texte d’Ivan Viripaev – Traduction Tania Moguilevskaia et Gilles Morel – Mise en scène Clément Poirée – au Théâtre de la Tempête.

Deux heures vingt du délirium tremens de quatorze personnages, en réflexion métaphysique sur l’amour et sur Dieu. Huit acteurs pour les interpréter, qui crient, vocifèrent, délirent, se déclarent, s’empoignent et s’écroulent. L’insobriété commence dans le bar du théâtre où le public s’entasse avant d’entrer et se poursuit dans la désagrégation de parcours approximatifs.

L’auteur, Ivan Viripaev, directeur artistique du Théâtre Praktika de Moscou, est né à Irkoutsk en Sibérie orientale, en 1974. Il y fait le Conservatoire, après un parcours personnel, de son propre aveu chaotique. Il crée sa compagnie en 1998 et écrit. Sa première pièce, Rêves, remporte un vif succès, ses textes sont joués à l’étranger, notamment en Allemagne et en Pologne. Ses traducteurs, Tania Moguilevskaia et Gilles Morel, connaissent bien son univers, ils sont les passeurs d’une grande partie de ses textes, en France.

Le théâtre de Viripaev joue avec les limites et on ne sait dans quel registre s’inscrit Les Enivrés, tragique ou comique, grotesque ou décadent, métaphorique ou hyper réaliste, lyrique ou pathétique. Est-on en enfer ou au paradis ? La scénographie structure cet Armaguédon : le plateau tourne, à l’endroit comme à l’envers, avec deux cercles indépendants qui se meuvent aussi à contre sens. Les acteurs travaillent le déséquilibre, jouent le chaos et déambulent vers nulle part. C’est pour eux incontestablement un exercice de style auquel ils prennent un certain plaisir. Selon la vitesse du plateau, le spectateur a lui aussi la sensation de tituber.

Ce bateau ivre pourtant nous saoule, même si le spectateur reçoit des sms d’avant-spectacle comme avis de Tempête, le mettant en condition, messages que décline le poème baudelairien du Spleen de Paris, « Enivrez-vous. » On est ici plus près des Fleurs du mal que de tout Spleen.

« Et si quelquefois, sur les marches d’un palais, sur l’herbe verte d’un fossé, dans la solitude morne de votre chambre, vous vous réveillez, l’ivresse déjà diminuée ou disparue, demandez au vent, à la vague, à l’étoile, à l’oiseau, à l’horloge, à tout ce qui fuit, à tout ce qui gémit, à tout ce qui roule, à tout ce qui chante, à tout ce qui parle, demandez quelle heure il est ; et le vent, la vague, l’étoile, l’oiseau, l’horloge, vous répondront : Il est l’heure de s’enivrer ! Pour n’être pas les esclaves martyrisés du Temps, enivrez-vous sans cesse ! De vin, de poésie ou de vertu, à votre guise. »

Sur le plateau la suite est tout autre et l’ivresse peu poétique ni spirituelle – juste spiritueuse – même si l’on brandit le nom de Dieu et joue avec le comme si de l’amour.  On est dans un tracé à gros traits, sans logique dramaturgique et le côté loufoco-baroque du début de la pièce s’évapore très vite. C’est un spectacle du vide sidéral – celui de notre époque, peut-être – et le metteur en scène, Clément Poirée, maître de cérémonie pour la soirée, remplit les verres dès qu’ils sont vides.

Brigitte Rémer, le 24 septembre 2018

Avec : John Arnold, Aurélia Arto, Camille Bernon, Bruno Blairet, Camille Cobbi, Thibault Lacroix, Matthieu Marie, Mélanie Menu – scénographie Erwan Creff – lumières Elsa Revol assistée de Sébastien Marc – costumes Hanna Sjödin assistée de Camille Lamy – musiques Stéphanie Gibert – maquillages Pauline Bry – peinture décor Caroline Aouin – collaboration artistique Margaux Eskenazi – régie générale Farid Laroussi – Le texte est publié aux Solitaires Intempestifs.

Théâtre de la Tempête – route du Champ-de-Manœuvre. 75012 Paris – métro Château de Vincennes puis navette Cartoucherie ou bus 112 – Site : www.la-tempete.fr – Tél. : 01 43 28 36 36

 

Une Adoration

© Simon Gosselin

Texte de Nancy Huston – Adaptation et mise en scène Laurent Hatat – au Théâtre de la Tempête/Cartoucherie de Vincennes.

Auteure d’expression anglaise et française née au Canada où elle passe son enfance, Nancy Huston a écrit des essais et de nombreux romans, d’une sensibilité très particulière. Le premier, Les Variations Goldberg, date de 1981. Une Adoration, est publié en 2003 et parle de l’absence, sujet particulièrement aigu pour elle dont la mère a déserté le foyer familial quand elle avait six ans.

On est au cœur d’un conseil de famille informel où l’absent, Cosmo, acteur et amant de la mère, tient le rôle principal. Cosmo a été assassiné, ce qui donne une version polar à l’affaire, on saura à la toute fin, par qui. Ce texte est une ode à l’amour, portée par une femme, Elke (Océane Mozas), qui rend des comptes face à ses enfants. Ils ne lui en demandaient pas tant et restent blessés : Franck, le fils, (Yann Lesvenan) très en colère, n’appréciait pas ce beau-père et s’oppose à sa mère. Fiona, la fille, (Jeanne Lazar) est tiraillée dans sa fragilité. D’autres parlent de lui par des images qui se projettent, personnages qui glissent comme des noyés, sur la verrière recouvrant le lieu du psychodrame, une belle idée scénographique (Laurent Hatat et Nicolas Tourte). Une inconnue passe (Emma Gustafsson), à plusieurs reprises, qui pourrait représenter la mémoire, ou la mort. Ces différents témoignages donnent un portrait en creux de l’absent et héros sublimé, vérité ou fantasme, le puzzle se reconstitue.

« Les histoires, elles seules sont susceptibles de transformer en destinée le chaos de notre existence. Nous sommes tous des romans ambulants, foisonnant de personnages principaux et secondaires, ponctués par des ellipses, des moments de suspens et de drame, de longues descriptions ennuyeuses, des apogées et des dénouements. Tu me racontes ton histoire et je te raconte la mienne, ton histoire fait désormais partie de la mienne » écrit Nancy Huston. On a la sensation de suivre une partie d’échecs où la parole tient lieu de silence. Car la parole est dense dans cet huis-clos où le public est voyeur en même temps qu’enquêteur.

Face à ce jeu de la vérité qui fait office de thérapie familiale, les acteurs s’efforcent de jouer leur personnage : Elke est en état de sidération, Fiona se montre tantôt tendre tantôt butée, Franck est dans les reproches et provoque son rival en duel, de façon posthume. Laurent Hatat signe l’adaptation et la mise en scène du spectacle qui convainc à demi, est-ce le texte en ses contradictions auquel on a du mal à croire ou les acteurs un peu trop démonstratifs ? Le metteur en scène dans ses différents travaux, s’est entre autres confronté à Lagarce, Vinaver, Kristof et Marivaux. Adapter un roman pour le théâtre n’est jamais simple et parler de l’absence l’est encore moins. « Car l’univers frissonne et miroite sans cesse, vous le savez n’est-ce pas ?
Sous l’effet des événements du passé grand et petit… Tout est là, diffus et intangible, mais là, dans l’air autour de nous, comprenez- vous ? » dit Elke, entre retenue et impudeur. Dans Une Adoration « les feuilles mortes se ramassent à la pelle » et les personnages échappent, Cosmo en tête. Est-ce le propre de l’absence ?

Brigitte Rémer, le 19 février 2018

Avec : Océane Mozas Elke – Emma Gustafsson La femme inconnue – Jeanne Lazar Fiona – Yann Lesvenan Franck. Scénographie Laurent Hatat et Nicolas Tourte – collaboration dramaturgique Laurent Caillon – lumières Anna Sauvage – costumes Martha Romero – image Nicolas Tourte – espace sonore Antoine Reibre -
assistante à la mise en scène Clara Benoit Casanova. A l’image Olivier Balazuc, Azzedine Benamara, Clara Benoit-Casanova, Laurent Caillon, Sylvie Debrun, Daniel Delabesse.

Du 19 janvier au 18 février 2018 – Théâtre de la Tempête, Cartoucherie, Route du Champ-de-Manœuvre, 75012 – métro : Château de Vincennes puis navette – téléphone : 01 43 28 36 36 – site : www.la-tempete.fr – Le texte est publié aux éditions Actes Sud.

F(l)ammes

@ François Louis Athenas

Texte et mise en scène Ahmed Madani – Création théâtrale partagée – Focus femmes ! Madani Compagnie.

Depuis 1985 Ahmed Madani s’entoure de collectifs d’artistes et fouille dans les cultures urbaines. Il transforme la réalité en spectacle, au plus près des faits de société et s’intéresse particulièrement aux français d’origine étrangère, témoignant de leurs perceptions et regards sur la vie. Directeur du Centre dramatique de l’Océan Indien de 2003 à 2007 il reprend ses activités et sa démarche au sein de la Madani Compagnie, à son retour et monte différents spectacles – dont Le théâtre de l’amante anglaise de Marguerite Duras – qui tournent en France et à l’étranger. Depuis 2011 Ahmed Madani développe un projet intitulé Face à leur Destin, une aventure artistique menée avec les jeunes des quartiers populaires du Val Fourré. Illumination(s) en 2012 en est le premier volet, versant masculin de F(l)ammes, présenté aujourd’hui et réalisé avec de jeunes femmes vivant dans des zones urbaines sensibles. Le texte s’est écrit au fil des répétitions.

Neuf chaises en fond de scène, face au public. Neuf jeunes femmes se lèvent tour à tour et se présentent pour déposer leur récit, morceau de leur biographie transcendée par la distance de l’humour, de l’auto dérision et de la poésie. L’énergie qu’elles dégagent, la force de vie qui les habite, sont une belle leçon. Côté public, même si l’on sait : les brimades, les incidents, les insultes, la difficulté d’être autre et de s’intégrer, le sentir à travers ces jeunes femmes qui, droit devant et avec simplicité, le disent, provoque une grande émotion. Elles sont la pluralité des cultures venant d’Algérie, de Guinée, d’Haïti et de tous les pays du monde, et font référence à Claude Lévi-Strauss dénonçant l’ethnocentrisme dans son ouvrage Race et Histoire, publié en 1952.

« N’aie jamais honte de là d’où tu viens » disent les pères à leurs filles et les filles à leurs pères et mères. Anissa, Lorène, Dana, Chirine, Maurine, Ludivine, Haby, Inès et Yasmina parlent en leur nom propre, du père, forestier en Guinée Conakry et « de la forêt qui est en nous », de celui qui fut ouvrier chez Renault, de celui qui a servi la France sous les drapeaux, du regard des profs, du bruit des avions et de l’appartement qui tremble, d’une rencontre dans le métro, du travail chez les autres, du défrisage, de l’excision. Le voile provoque une vraie fausse bagarre, copie conforme à la réalité, à s’y méprendre. « Le rêve que j’ai en moi, c’est mon père qui me l’a transmis ». Les rêves de l’ailleurs et les gestes traditionnels observés et enregistrés, les signes et tatouages, la préparation de la mahjouba cette crêpe feuilletée venant d’Algérie, ma grand-mère « qui m’a appris l’arabe tandis que je lui ai appris à compter. » Leurs vérités sont énoncées, leurs utopies tracées. A mes enfants, « Ne pas transmettre ma peur du monde » dit l’une ; « Être une fille, une prison pleine d’amour » dit l’autre ; « Nos racines sont sur nos têtes », surenchérit une troisième. Et rien dans les livres d’histoire.

Elles sont d’une vivacité et d’une liberté à couper le souffle dans ce qu’elles disent et dans leur manière d’être sur le plateau : elle savent chanter, danser (Salia Sanou, chorégraphe) persiffler, se héler, émouvoir. Elles sont de flammes et de voix, des écorchées bien vivantes. Les récits qu’elles font de leurs vies et leur force pour avancer parlent d’altérité dans la France d’aujourd’hui. Quelques images les accompagnent, justes et bien dosées (Nicolas Clauss création vidéo).

Belle rencontre entre un auteur-metteur en scène et une parole libérée qui renvoie en miroir les heurts et malheurs d’une jeunesse éclatante. « Ma démarche artistique pose le postulat que l’art doit interroger le sens que nous donnons à notre existence et nous aider à mieux nous comprendre » dit Ahmed Madani. Il prépare pour l’automne 2018 un spectacle intitulé J’ai rencontré Dieu sur Face Book. A suivre de près. 

Brigitte Rémer, 31 octobre 2017

Avec Anissa Aou, Ludivine Bah, Chirine Boussaha, Laurène Dulymbois, Dana Fiaque, Yasmina Ghemzi, Maurine Ilahiri, Anissa Kaki, Haby N’Diaye, Inès Zahoré. Assistante à la mise en scène Karima El Kharraze – regard extérieur Mohamed El Khatib – création vidéo Nicolas Clauss – création lumière et régie générale Damien Klein création sonore Christophe Séchet chorégraphie Salia Sanou – costumes Pascale Barré et Ahmed Madani – coaching vocal Dominique Magloire et Roland Chammougom – photographie François-Louis Athénas – Le texte est publié aux éditions Actes Sud-Papiers.

Jusqu’au 29 octobre, Maison des Métallos, 94, rue Jean-Pierre Timbaud, 75011. Métro : Couronnes, Parmentier – Tél. : 01 47 00 25 20 – Site : www.maisondesmetallos.paris

Du 16 novembre au 17 décembre, Théâtre de la Tempête, Cartoucherie de Vincennes, Route du champ de manœuvre. 75012 – Métro ligne 1, Château de Vincennes (sortie 6), puis bus 112 ou navette Cartoucherie – Tél. : 01 43 28 36 36 – Site :  www.la-tempete.fr

 

La Vie est un Songe

© Antonia Bozzi

Texte de Pedro Calderón de la Barca – Texte français de Céline Zins – Mise en scène Clément Poirée – Théâtre de la Tempête/Cartoucherie de Vincennes.

Auteur de plus de deux cents textes dramatiques de différentes factures – auto sacramental, comédie, pièce lyrique, drame historique – La Vie est un Songe est une des pièces les plus connues de Pedro Calderón de la Barca, grand maître du baroque espagnol, avec Cervantès et Lope de Vega. Porteuse du symbole universel du destin tragique de l’homme à travers son héros, Sigismond, la pièce date de 1635. Jerzy Grotowski avait ressorti de l’ombre le nom de Calderón avec le Prince constant, pièce écrite en 1929 qu’il avait mise en scène en 1965, et qui devint emblématique de ses théories sur l’acteur, dans le dialogue engagé avec Ryszard Cieslak.

Il y a beaucoup d’imagination et d’esprit dans La Vie est un Songe. Les intrigues se nouent et se dénouent, le balancier de l’illusion et de la réalité et les jeux de rôles en sont les ingrédients. Nous sommes en Pologne – une Pologne de fiction – proche d’un château inventé de toutes pièces. L’action se déroule en trois journées : A sa naissance, il est dit que Sigismond détrônerait son père, le roi Basile, et se comporterait en tyran. Fort de cette présomption, le roi enferme son fils dans une forteresse. Quelques années plus tard, pour vérifier le bien-fondé de la prédiction, il le fait transporter au Palais sous forte dose de somnifères, lui redonne son rang et le met à l’épreuve. Sigismond se réveille dans un lit princier au son d’un orchestre et avec force serviteurs intronisés par un majordome, caricatural et ridicule. Mais, comme le veut l’histoire, il abuse de son pouvoir, tue et viole. On le remet en prison tandis que le roi désigne son successeur, Astolphe. Quand les somnifères ont cessé d’agir, le prisonnier raconte à Clothalde, son geôlier, ce qu’il croit avoir vécu en rêve. Et quand le peuple découvre que l’héritier de la couronne est emprisonné et privé de ses droits, il le fait libérer. Dans la joute qui oppose Sigismond à son père, le roi est vaincu, mais ne s’enfuit pas. Et soudain la situation s’inverse, la réconciliation entre le père et le fils fait basculer la pièce, avec la volonté, pour Sigismond, de briser le tabou de sa naissance.

Parallèlement au déroulé de l’histoire se brodent des intrigues amoureuses comme autant de digressions : Rosaura voudrait reconquérir son bien-aimé, Astolphe, le potentiel successeur au trône qui se dit prêt à épouser sa cousine, Etoile. Elle rencontre Sigismond, et tous deux allient leurs malheurs. Mais quand elle est arrêtée par Clothalde, personnage plutôt rude, il découvre que c’est de sa propre fille qu’il s’agit, fait marche arrière et ne dit mot de leur lien familial. On épargne la vie de Rosaura et on la nomme dame d’honneur d’Etoile, qui épouse Sigismond, tandis qu’elle, épouse Astolphe, qui l’avait auparavant trahie. Le bon ordre – voulu par Dieu – est restauré au Royaume de Pologne et la morale est sauve. Ainsi l’écheveau de la vie où s’entremêlent cauchemars et rêves essaie de se dénouer, et le spectateur tente d’en suivre les épisodes.

Clément Poirée, nouveau directeur du Théâtre de la Tempête depuis début 2017, s’attaque à un monument du Siècle d’or espagnol. Il utilise le plateau dans toute sa profondeur et le transforme en territoire shakespearien, construisant une passerelle pour prolonger l’espace scénique jusque dans la salle. Il joue avec le propos de l’apparence et de l’illusion, du jeu dans le jeu, la scénographie d’Erwan Creff et les lumières de Kevin Briard le servent avec talent. Des néons dessinent des ogives et d’épaisses toiles brunes font office de reliefs ou de tentures dans le royal château. Du côté des acteurs on trouve des disparités mais chacun joue sa partition baroque avec l’énergie qui sert l’histoire – parfois confuse – et son personnage. La pièce maîtresse repose sur le choix de l’acteur qui interprète avec agilité le rôle de Sigismond, Makita Samba, et qui inscrit d’emblée sa différence – il est d’origine sénégalaise -. Le choix du metteur en scène est juste, il incarne le rejet et la force du mal aux pulsions non maitrisées dans la première partie de la pièce, avant de s’inscrire dans le rachat final. « S’il est vrai que je rêve, suspendez ma mémoire.. » dit Sigismond, écartelé ; John Arnold, Basile est un père vociférant et hâbleur dont le côté excessif prête à sourire ; Pierre Duprat un Astolphe dandy ; Thibaut Corrion est Clairon, valet de Rosaura et Laurent Ménoret, Clothalde le geôlier et père de Rosaura, tous deux remplissent leurs rôles de petits soldats. Le traitement des femmes est assez discutable, Morgane Nairaud en Rosaura s’en sort bien au début de la pièce quand elle est travestie en homme et rencontre sans le savoir, son père, on la perd ensuite dans la littérature caldéronienne et Louise Coldefy, dans le rôle d’Étoile, s’hystérise comme une poupée barbie, sans doute est-ce là le choix du metteur en scène.

Quoiqu’il en soit la machine fonctionne, avec ses faces cachées et ses labyrinthes, avec ses sentiments contradictoires qui dessinent l’étrange destinée de Sigismond dans son passage à l’âge adulte. La pièce débute avec des militaires marchant dans la neige – on est en Pologne -. Le passage d’un avion en rase motte donne le signal de la déconstruction de cette cruelle machination politique. Sur fond d’orage et d’éclairs, comme une fin du monde, le plateau tout à coup s’embrase et vire au rouge, et la couronne s’envole. On est dans le démesure et le féérique avec une théâtralité qui place acteurs comme spectateurs entre rêve et réalité.

Brigitte Rémer, le 28 septembre 2017

Avec : John Arnold, Basile – Louise Coldefy, Étoile – Thibaut Corrion, Clairon – Pierre Duprat, Astolphe – Laurent Ménoret, Clothalde – Morgane Nairaud, Rosaura – Makita Samba, Sigismond – Henri de Vasselot, Le Musicien. Scénographie, Erwan Creff – lumières, Kevin Briard assisté de Laurent Cupif – costumes, Hanna Sjödin assistée de Camille Lamy – musiques et son, Stéphanie Gibert assistée de Michaël Bennoun – maquillages et coiffures, Pauline Bry – collaboration artistique, Margaux Eskenazi – régie générale, Farid Laroussi – habillage, Emilie Lechevalier. Le texte est publié par Gallimard-Le Manteau d’Arlequin.

Théâtre de la Tempête/Cartoucherie de Vincennes. Route du Champ-de-Manœuvre. 75012 Paris – www.la-tempete.fr Tél. 01 43 28 36 36. Accès métro ligne 1 jusqu’au terminus Château de Vincennes (sortie 6) puis bus 112 ou navette Cartoucherie.

 

La Mort de Tintagiles

© Frédéric Cussey

Pièce de Maurice Maeterlinck – mise en scène Géraldine Martineau – composition musicale Simon Dalmais – Théâtre de la Tempête/Cartoucherie de Vincennes.

Ecrite en 1894, La Mort de Tintagiles est le troisième des Petits drames pour marionnettes de Maurice Maeterlink, dramaturge belge francophone, après Intérieur et Alladine et Palomides. La pièce est peu montée, Claude Régy l’a présentée en 1996 ; plus récemment Denis Podalydès en a donné sa vision, aux Bouffes du Nord, en 2015. Géraldine Martineau met aujourd’hui en scène la pièce, avec sobriété et sensibilité. Point de marionnettes ici mais un univers outre-noir qui s’inscrit entre le rêve, le fantastique et l’onirique. Le destin et la mort en sont la clé de voûte. La mort figure dès le titre de la pièce, elle est inéluctable, et Tintagiles avance vers son destin.

Quand sa sœur Yglaine, le voit soudainement rentrer, dans ce château glacé et hanté qu’elle habite avec sa sœur Bellangère, toutes deux recluses, elle craint le pire et redouble d’attention. La Reine qui les garde en otage, plus marâtre et sorcière que Reine, a secrètement orchestré ce retour, et la mort semble proche. La pièce est ce moment délicieux des retrouvailles et de la vigilance qui s’organise par l’énergie d’Yglaine et de sa sœur pour protéger Tintagiles ; de la montée de la tension et de l’angoisse, et de cette marche vers l’acte ultime, avec, en coulisses, les préparatifs d’une mort annoncée. On entend, de loin en loin, les chuchotements de femmes qui complotent et préparent le grand cérémonial. Et Yglaine le sait : « Ta première nuit sera mauvaise, Tintagiles. La mer hurle déjà autour de nous ; et les arbres se plaignent. Il est tard. La lune est sur le point de se coucher derrière les peupliers qui étouffent le palais… » dit-elle, cherchant à contredire le destin.

Le rôle de Tintagiles, plein de douceur et d’innocence, est tenu avec justesse par Sylvain Dieuaide, ce n’est pas simple pour l’acteur. Sans le jouer, il livre ici dans une délicate palette, ses sentiments tendres à l’égard d’Yglaine qui le protège, ses peurs et son incompréhension de la situation. Ophélia Kolb est Yglaine, celle qui se bat vaillamment pour déjouer le destin, le rôle est linéaire mais l’actrice s’en sort bien. « Mets tes petits bras là, tout autour de mon cou ; on ne pourra peut-être pas les dénouer » dit-elle à Tintagiles, elle est comme une lumière. Sa sœur, Bellangère, Agathe L’Huillier, l’épaule, comme elle peut. Leurs regards sur la vie et la mort, et sur la profondeur des sentiments, font penser aux héroïnes claudéliennes. Le vieux serviteur, resté fidèle et qui les accompagne, Aglovale, est interprété par Evelyne Istria, une belle idée.

L’obscurité envahit petit à petit le plateau jusqu’à l’appel final et aux dernières tentatives d’Yglaine de sauver son frère. Le dispositif scénique, simple et efficace, la montre au premier étage de la tour parlant à Tintagiles et tentant de le rassurer. Une porte les sépare et le silence s’installe. Il est déjà de l’autre côté du miroir, là où la Mort, maîtresse des lieux, vient le cueillir, ordre suprême d’une figure totem maléfique, qui jamais ne se montre.

Ce conte initiatique de Maeterlinck est noir. Il exige la pénombre et Géraldine Martineau joue bien de cette obscurité calculée et des brouillards autour du palais isolé, lieu de tous les dangers. Une grande poésie et de la nostalgie s’en dégagent. Derrière la bande son, les chants du répertoire flamand interprétés a capella par les acteurs ou accompagnés à l’harmonium par Sylvain Dieuaide/Tintagiles confirment le mystère et les battements de l’âme. Un beau travail d’ensemble pour traduire cette petite musique de nuit.

Brigitte Rémer, le 25 septembre 2017

Avec : Sylvain Dieuaide, Tintagiles – Evelyne Istria, Aglovale – Ophélia Kolb, Ygraine – Agathe L’Huillier, Bellangère – et les voix de Anne Benoit, Christiane Cohendy, Claude Degliame – composition musicale, Simon Dalmais – scénographie, Salma Bordes – lumières, Laurence Magnée – son, François Vatin – assistante à la mise en scène, Emma Santini – Compagnie Atypiques Utopies.

Théâtre de la Tempête/ Cartoucherie de Vincennes. Route du Champ-de-Manœuvre. 75012 Paris – www.la-tempete.fr Tél. 01 43 28 36 36. Accès métro ligne 1 jusqu’au terminus Château de Vincennes (sortie 6) puis bus 112 ou navette Cartoucherie.

Anna Karénine

 ©Diego Governatori

©Diego Governatori

ou « Les Bals où on s’amuse n’existent plus pour moi » – d’après Léon Tolstoï – traduction J. Wladimir Bienstock – adaptation et mise en scène Gaëtan Vassart – avec Golshifteh Farahani dans le rôle titre – au Théâtre de la Tempête, Cartoucherie de Vincennes, et en tournée.

Ecrit en 1877, le roman fleuve de Tolstoï – neuf cents pages –  fut d’abord publié sous forme de feuilleton. C’est ici une première adaptation en langue française, un défi auquel s’est affronté  Gaëtan Vassart. Il dessine trois portraits de femmes dans leurs relations amoureuses : Daria Alexandrovna Oblanska (Emeline Bayart) femme au foyer et mère d’une nombreuse famille, en fureur après avoir appris la trahison de son mari, Stepan Oblonski (Alexandre Steiger) et qui demande à sa belle-sœur, Anna Karénine, de venir la soutenir ; Kitty Chtcherbatski (Sabrina Kouroughli) jeune femme fraiche comme une pomme verte ayant jeté son dévolu sur l’officier Alexis Kirillovitch Vronski (Xavier Boiffier) et qui se fait damer le pion par Anna au cours du bal qui devait l’introniser – plus tard, remise de cette blessure, elle épousera Lévine (Stanislas Stanic), honnête propriétaire terrien -. L’emblématique Anna Karénine (Golshifteh Farahani) mariée à un haut fonctionnaire et mère d’un petit Sergueï qu’elle adore, menant une vie de femme de notable à Saint-Pétersbourg, bel équilibre qui se rompt quand elle se rend à Moscou chez son frère et croise le comte Vronski dont elle devient éperdument amoureuse. Il la suit à Saint-Pétersbourg où l’adultère se consomme en plein jour, mettant en danger la carrière d’Alexis Karénine (Xavier Legrand). Ardente et belle dans cette course effrénée vers le bonheur, Anna s’y brûle les ailes.

La mort rôde derrière ces intrigues et récits romanesques. Le spectacle s’ouvre sur les images visionnaires de la chute puis de la mort d’un étalon, – la jument de Vronski, on le saura plus tard – métaphore s’il en est du chemin de Damas qui attend Anna. Elle, dos au public, regarde ces images en silence, comme le film de sa vie avant l’heure ou comme un mauvais présage. « Anna Karénine ressemble à la lueur d’un incendie au milieu d’une nuit sombre » écrivait Tolstoï, donnant ainsi l’épaisseur du personnage. Elle devient le symbole et l’archétype de l’émancipation des femmes, dénonçant l’hypocrisie des hommes et de la société du spectacle.

Née en Iran, Golshifteh Farahani interprète magnifiquement Anna Karénine, et joue pour la première fois en français, la langue est limpide. Contrainte à l’exil, cette jeune femme – connue des cinéastes pour avoir tourné avec les plus grands, présente à Cannes cette année dans le film Paterson, de Jim Jarmush – par sa voix et son élégance, par sa profondeur et sa légèreté, habite le rôle titre avec effervescence et intensité. Kitty – Sabrina Kouroughli – a le charme de la jeunesse et des grandes utopies dans ses envolées amoureuses. Daria la laborieuse – Emeline Bayart – par le personnage ingrat qu’elle interprète, donne une caricature, probablement voulue par le metteur en scène, en décalage avec l’ensemble.

Une dizaine d’acteurs issus du Conservatoire national supérieur d’art dramatique et une actrice-phare du cinéma loin de sa culture d’origine, portent le spectacle sous la houlette de Gaëtan Vassart. Il y a de beaux moments dans la mise en scène sobre et dépouillée de ce texte complexe, romantique, social, populaire et poétique, monté avec un petit budget : le bal du début au rythme de La valse à mille temps de Jacques Brel et qui se mêle à Tolstoï, le lustre aux bougies qui ne vacillent qu’à la fin, la voix de Vladimir Vysotsky, les errances d’Anna, sa fin tragique dans les phares de la locomotive.

Le travail de Gaétan Vassart, courageux et positif malgré une certaine fragilité liée notamment au manque de moyens et à un certain éclectisme, permet une lecture d’Anna Karénine, à travers le filtre d’une équipe généreuse et professionnelle autour de la grâce d’Anna-Golshifteh Farahani, là où les lignes de vie croisent les fils de l’Histoire collective russe dans ses bouleversements politiques et sociaux de la seconde moitié du XIXème siècle.

Brigitte Rémer, 11 juin 2016

Avec : Golshifteh Farahani, Emeline Bayart , Xavier Boiffier, Sabrina Kouroughli, Xavier Legrand, Manon Rousselle, Igor Skreblin, Stanislas Stanic, Alexandre Steiger – Scénographie Mathieu Lorry-Dupuy lumières Olivier Oudiou – costumes Stéphanie Coudert – son David Geffard – vidéo Diego Governatori – dramaturgie Laure Roldan – chorégraphie Cécile Bon – régie générale Sébastien Lemarchand – production Compagnie La Ronde de Nuit

Du 12 mai au 12 juin, au Théâtre de la Tempête, Cartoucherie de Vincennes (75012). Tél. : 01 43 28 36 36. Site : www.la-tempete.fr – Tournée 2016 : Théâtre de Chelles (77) le 4 octobre ; Théâtre de l’Olivier – Istres (13) le 7 octobre ; Scène Nationale d’Albi (81) le 9 octobre ; Théâtre de Chartres (28) le 18 octobre ; Théâtre de Suresnes Jean Vilar (92) les 10 et 15 novembre ; Théâtre National de Nice (06) du 17 au 19 novembre ; La Ferme du Buisson, Scène Nationale de Marne-La-Vallée (77) les 25 et 26 novembre ; L’Equinoxe-Scène Nationale de Châteauroux (18) les 28 et 29 novembre ;  Théâtre de Montélimar (26) le 2 décembre ; Théâtre de Colombres (92) le 8 décembre ; Théâtre de Sens (89) le 9 décembre ; Théâtre de Cesson Sévigné (35) le 11 décembre.