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La Conférence des oiseaux

Récit théâtral de Jean-Claude Carrière, inspiré par le poème Manteq Ol-Teyr de Farid Uddin Attar – mise en scène, Guy Pierre Couleau, Compagnie Des Lumières et Des Ombres – au Théâtre des Quartiers d’Ivry/Manufacture des Œillets, à Ivry.

« On ignore presque tout de la vie de Farid-Ud-din Attar… On sait surtout qu’il fut l’un des plus grands poètes mystiques de cette époque glorieuse du soufisme où la quête divine atteignit des sommets inégalés. Rûmi, Hallaj, Sandi furent ses pairs » renseigne la quatrième de couverture de la publication au Seuil de La Conférence des oiseaux, dans une adaptation d’Henri Gougaud.

C’est un lumineux récit initiatique adapté ici pour le théâtre par Jean-Claude Carrière, écrivain et scénariste, dont Peter Brook avait retranscrit l’intensité symbolique en 1979, en présentant son spectacle au Festival d’Avignon, à partir d’un long processus de travail collectif. Ce spectacle fait référence. « Il s’agissait, par des exercices et des improvisations, de tenter de parvenir à l’essentiel c’est-à-dire au champ où les impulsions de l’un rejoignent les impulsions de l’autre pour résonner ensemble » disait le Maître.

Ces oiseaux de toutes espèces, de la plus quotidienne à la plus précieuse, en quête d’un monde meilleur, partent à la recherche du Simorg, l’oiseau mythique qu’ils désignent comme leur Roi. Ensemble, ils traversent sept vallées – de la recherche, de l’amour, de la connaissance, du néant, de l’unité, de la stupeur et de la mort – et arrivent, au bout de leurs forces, face à l’abîme et à leurs songes, face à eux-mêmes.

Une rangée de loges surélevées en fond de scène, sur un sol recouvert de plumes mordorées, fait ici face au public. Les acteurs descendent un à un de la salle et se placent chacun face à un masque, posé devant le miroir de ces coulisses – scénographie de Delphine Brouard, lumières de Laurent Schneegans -. Dix masques se réfléchissent dans ces miroirs, plumages imposants réalisés selon la typologie des oiseaux. Ils sont superbement fabriqués, par Kuno Schlegelmilch, après moulage des têtes de tous les comédiens et de nombreuses opérations de sculpture en positif, avec des dispositifs adaptés à chacune de leurs caractéristiques, comme par exemple la crête des plumes de la huppe, cheffe d’orchestre de la colonie et sorte de coryphée.

Chacun se masque et l’on voit apparaître le faucon en militaire, la perdrix à la cravate, le canard femme, la chauve-souris aux lunettes de soleil, le rossignol qui régale l’assemblée par son chant de crooner, la perruche verte encagée dans un cerceau, la grive, la huppe et le moineau en short. Le travail des acteurs mêle réalisme et fantaisie, chacun habitant son volatile de manière spécifique et différenciée. Au-delà du jeu, les acteurs sont aussi narrateurs et parlent par énigmes. Tous partent sur les traces du Simorg. La route est longue et se décline avec entraide, doute et fatigue… « Je cherche la réponse » dit l’un, « Je réfléchis » dit l’autre, « Je suis la vérité » déclare le troisième. « Une odeur de peur » souvent les traverse dans leur recherche de la perfection et de la connaissance. Un personnage orchestre, outsider, ponctue certaines scènes de ses percussions et bâton de pluie.

Les sinuosités qu’emprunte Guy Pierre Couleau, ancien directeur de la Comédie de l’Est/CDN d’Alsace et metteur en scène de cette Conférence des oiseaux, joue de différents registres et notamment de l’humour, le masque étant la clé des personnages, et comptant avec l’invention de chaque acteur. Il est périlleux de ne pas tomber dans la caricature ou la simplification, le metteur en scène ainsi que les acteurs réussissent à garder le cap. Poésie, rituel et quête de l’absolu restent présents et invitent en douceur et en images à une méditation sur l’amour – en lettres lumineuses : L’Amour aime les choses difficiles – la mort, la stupeur, l’absolu et le néant. « Et si tout n’était qu’illusion ? » conclut Farid Uddin Attar.

Dans un dernier acte de solidarité, les acteurs posent respectueusement leurs masques auprès de l’oiseau mort, avant de reconnaître qu’ils se trouvent face à eux-mêmes. « Amis, tout ce que tu as dit, tout ce que t’ont appris tes maîtres, tout ce que tu as découvert sur le chemin du Tout-Puissant, tout cela n’est que le commencement de l’histoire. Disparais, efface ton être, ta demeure n’est pas ici, dans les ruines de ce bas-monde. Tu dois atteindre l’Essentiel. » ainsi se conclut ce voyage intérieur et métaphorique selon Attar, auquel la représentation donne vie.

Brigitte Rémer, le 2 mars 2019

Avec : Manon Allouch, Nathalie Duong, Cécile Fontaine, Carolina Pecheny, Jessica Vedel, Emil Abossolo M’Bo, Luc-Antoine Diquéro, François Kergourlay, Shahrokh Moshkin Ghalam, Nils Öhlund – assistante mise en scène Christelle Carlier – collaboration artistique Carolina Pecheny – scénographie Delphine Brouard – lumières et régie générale Laurent Schneegans – masques Kuno Schlegelmilch, assisté de Hélène Wisse – costumes Camille Pénager – musique Philippe Miller – régie son Nicolas Favière – régie lumière Léo Garnier – régie plateau Léa Coquet-Vaslet, Maxime Palmer – accompagnement chorégraphique Catherine Dreyfus – Le spectacle a été créé pour Le Printemps des Comédiens à Montpellier en juin 2018 et présenté à la Comédie de l’Est en octobre 2018 – L’adaptation de Jean-Claude Carrière est publiée aux éditions Albin Michel.

Du 11 au 22 février 2019 au Théâtre des Quartiers d’Ivry/CDN du Val-de-Marne, Manufacture des Œillets, 1 Place Pierre Gosnat. 94200. Ivry-sur-Seine – métro : Mairie d’Ivry.

aSH

Conception, scénographie et mise en scène Aurélien Bory – chorégraphie Shantala Shivalingappa, percussions Loïc Schild, à La Scala de Paris.

Une énergie cinétique circule entre la danseuse et l’univers visuel dans lequel elle évolue, énergie intérieure et extérieure. Shantala Shivalingappa fait face à un dispositif scénique, espace symbolique à la fois simple et ultra sophistiqué. C’est un « immense châssis de papier kraft suspendu, enduit de laque noire appliquée sur un bâti sonorisé et électrifié » avec lequel elle entre en dialogue, qui bruisse comme une voile au vent.

Dans sa confrontation avec les éléments représentés par l’univers mouvant et illusionniste de ce papier kraft aux froissements sonores, Shantala Shivalingappa mène avec grâce, force et précision son combat, comme David affronte Goliath. Travaillant entre Paris et Madras, elle a rencontré les grands et travaillé entre autres avec Peter Brook, Maurice Béjart, Bartabas, Pina Bausch, Giorgio Barberio Corsetti. Tout en étant contemporain son alphabet puise dans le Kuchipudi où elle excelle, cette danse indienne de l’Andhra Pradesh dans le sud du pays, autrefois uniquement dansée par les brahmanes et très codifiée. Shantala Shivalingappa fait le grand écart entre ce style ancestral, sculptural et sacré, et l’image abstraite sur grand écran, sorte de Krishna profane qui semble l’absorber. « Sa danse effectue un balancier perpétuel quelque part entre mystique hindoue et physique quantique » écrit Aurélien Bory. Partant du commencement, du vide, son art de la gestuelle, ses bras déployés et offrants, ses mudras superbement maîtrisées, sa rythmique des pieds donnée par les tempos du musicien, Loïc Schild, présent sur le plateau côté cour, sont de forme pure. Elle est porteuse d’une charge émotionnelle forte.

Shantala Shivalingappa est la déesse et la servante d’un rituel qu’elle trace au présent, dessine un cercle de bienvenue comme devant l’entrée de la maison. Formé de dessins au sol exécutés traditionnellement à la farine de riz, et maintenant à la chaux, le kolam se transmet de mère en fille, lignes sinueuses blanches au quotidien, sophistiquées et colorées pour la fête. Aurélien Bory s’est emparé des couleurs pour fondre dans son dispositif animé des motifs géométriques aux cercles concentriques, spirales et rosaces très élaborées. « La scénographie est au centre de mon travail, elle fait apparaître dans son rapport à la gravité entre autres, des lois physiques avec lesquelles les interprètes dialoguent » dit le metteur en scène. Lunaire, la création lumière d’Arno Veyrat éclaire subtilement le plateau.

aSH, le titre du spectacle, est composé des initiales et de la finale des prénom et nom de la danseuse, Shantala Shivalingappa, clin d’œil au dieu de la danse, Shiva, à la fois créateur et destructeur, et qui, en grand ordonnateur des lieux de crémation, se couvre le corps de cendres. C’est le troisième portrait de femmes qu’Aurélien Bory dessine de son talent atypique et au croisement des arts, les deux premiers, étaient consacrés à Stéphanie Fuster et Kaori Ito. Avec la première, dans Questcequetudeviens? il faisait fusionner le flamenco et son écriture de l’espace. Avec la seconde, dans Plexus, il tissait une toile de plus de de cinq mille fils suspendus.

Hybride et multidisciplinaire – entre cirque, danse, musique et théâtre – la palette du metteur en scène-plasticien est vaste, il traverse les styles. Son univers s’inspire de l’œuvre du plasticien allemand Oskar Schlemmer, de la réflexion d’Heinrich von Kleist Sur le théâtre de marionnettes, de l’univers de Georges Pérec. Il inscrit ses recherches de l’installation à la performance, et transforme les espaces, comme un magicien. Des sciences à l’esthétique, l’environnement scénographique qu’il invente influe sur la danseuse, la danse modifie la perspective visuelle, l’imaginaire du public se déplace.

Avec aSH, présenté au Festival Montpellier-Danse en 2018, l’espace, a valeur de symbole et fonde la dramaturgie. La scénographie comme métaphore de naissance et de mort, la rythmique des percussions, la fluidité des mouvements, sont autant d’éléments qui, mis en synergie, créent de l’inattendu et une véritable poétique.

Brigitte Rémer, le 20 février 2019

Avec Shantala Shivalingappa (danse), Loïc Schild (percussions). Collaboration artistique Taïcyr Fadel – création lumière Arno Veyrat, assisté de Mallory Duhamel- composition musicale Joan Cambon – Conception technique décor Pierre Dequivre, Stéphane Chipeaux-Dardé – costumes Manuela Agnesini, avec l’aide de Nathalie Trouvé – régie générale Arno Veyrat, Thomas Dupeyron, régie plateau Thomas Dupeyron ou Robin Jouanneau – régie son Stéphane Ley – régie lumière Mallory Duhamel ou Thomas Dupeyron – aSH a été présenté au Festival Montpellier-Danse, en 2018.

Du 16 Février au 1er Mars 2019, La Scala-Paris, 13, boulevard de Strasbourg, 75010. Paris – Métro Strasbourg Saint-Denis – Tél. : 01 40 03 44 30 – Site : www.lascalaparis.com – En tournée : 24 mai Théatre de l’Olivier, Istres – 28 et 29 mai Théâtre de Caen.

Concert des chanteurs étoiles de l’Opéra du Caire

Oratoire du Louvre, Paris. Dans le cadre de l’année culturelle France Egypte 2019 – en collaboration avec Caroline Dumas, de l’Opéra de Paris.

Les solistes de l’Opéra du Caire ont donné un récital des plus chaleureux au cœur de Paris, interprétant de la musique française, italienne et égyptienne à l’Oratoire du 1^er arrondissement de Paris. A cette occasion, cinq des plus belles voix de l’Opéra du Caire se sont fait entendre sous le patronage de la Ministre Egyptienne de la Culture, Dr Enas Abdel Dayem, en présence de S.E. Ehad Badawy, Ambassadeur d’Egypte en France, délégué permanent auprès de l’Unesco et de la Conseillère culturelle Nivine Khaled. Jean-François Legaret, Maire du 1^er arrondissement de Paris et Conseiller régional d’Île-de-France accompagnait la démarche ainsi que la Présidente du Comité d’animation culturelle de l’arrondissement, Carla Arigoni.

Les mots d’accueil des personnalités présentes, précédant le concert, ont créé un climat d’intimité, pris en relais par les deux cantatrices et trois chanteurs qui se sont succédé. L’Ambassadeur a mis l’accent sur l’importance de la culture comme pivot de la relation entre l’Egypte et la France depuis Champollion, le Maire a évoqué l’importance du patrimoine matériel et immatériel par les voix, comme autant de trésors vivants.

« Carmen » de Georges Bizet fut à l’honneur, avec trois morceaux : La fleur que tu m’avais jetée par le ténor Amr Medhat – qui a par ailleurs chanté È la solita storia del pastore de « l’Arlesiana » de Francesco Cilea composée d’après Alphonse Daudet ; Toreador, le grand air, chanté par Mostafa Mohamed, baryton, qui a aussi interprété une mélodie populaire égyptienne, Tes yeux sont des perles de Hisham Khalaf, qui signe les arrangements musicaux du récital ; La Habanera de « Carmen » L ’amour est un oiseau rebelle que nul ne peut apprivoiser… écrit Prosper Mérimée, morceau interprété par la mezzo-soprano Jolie Fayzi, également interprète de Voi lo sapete, o mamma, un air de « Cavaleria Rusticana » de Pietro Mascagni, et de Mon cœur s’ouvre à ta voix, de « Samson et Dalila » opéra de Camille Saint-Saëns ; Reda El Wakil, profonde voix de basse, a chanté La Calunnia/L’air de la calomnie, du « Barbier de Séville » signé Gioachino Rossini, Ella giammai m’amo ! Elle ne m’a jamais aimé, aria du « Don Carlo » de Verdi et Quand la flamme de l’amour de « La jolie fille de Perth » opéra de Bizet ; Iman Mostapha, soprano dramatique, a interprété avec Amr Medhat l’intense duo d’amour du « Bal masqué » de Giuseppe Verdi, Duo Teco io sto, une aria tragique de « La Tosca » de Giacomo Puccini, Vissi d’arte/J’ai vécu pour l’art, inspirée de la pièce de Victorien Sardou, et deux chansons napolitaines des compositeurs Eduardo di Capua et Ernesto de Curtis. Les chanteurs étaient accompagnés au piano par le talentueux James Greig Martin.

Cette invitation au cœur de Paris des solistes de l’Opéra du Caire s’inscrit dans le cadre de l’année culturelle France Egypte dont le coup d’envoi a été donné le 8 janvier dernier par l’ambassadeur de France en Egypte, Stéphane Romatet, à l’Opéra du Caire. Un spectacle de danse classique et contemporaine, Indépendanse X Egypte – création de Gregory Gaillard, chorégraphe, danseur et maître de ballet à l’Opéra de Paris interprétée par les danseurs des deux Opéra(s), Le Caire et Paris – a été créé à cette occasion. La composition musicale de Florian Astraudo, également danseur à l’Opéra, a été réalisée pour l’événement, mixant de l’électro au ney, la flûte arabe. La ministre de la Culture égyptienne Inas Abdel Dayem et le ministre des Antiquités Khaled el-Enani étaient présents. Dans le cadre de cet échange artistique et symbole d’amitié entre les deux pays, l’année culturelle France Egypte propose de nombreuses manifestations tant au Caire qu’à Paris : au Caire, deux manifestations importantes, L’Épopée du Canal de Suez, pour les 150 ans de l’inauguration du Canal, exposition présentée en 2018 à l’Institut du Monde Arabe de Paris, et La Bande dessinée arabe aujourd’hui, créée lors du dernier Festival de la BD d’Angoulême. Le prochain grand événement parisien sera l’exposition Toutânkhamon, Le Trésor du Pharaon, à La Grande Halle de La Villette, à partir du 23 mars prochain.

Une année culturelle prometteuse s’engage, à en juger par la virtuosité des solistes de ce concert, donné à l’Oratoire du Louvre : l’amplitude, la couleur, le volume vocal et la qualité des timbres de voix, d’une belle intensité chacun dans son registre, furent un vrai plaisir.

Brigitte Rémer, le 22 février 2019

Mercredi 20 février 2019, Oratoire du Louvre, 145 rue de Faubourg Saint-Honoré, 75001. Paris – métro : Louvre-Rivoli et Palais-Royal, RER : Châtelet – Les Halles – Sites : www.bureaucultureleg.fr www. institutfrancais-egypte.com – www.francegypte19.com

Vies de papier

Écriture et réalisation Benoit Faivre, Kathleen Fortin, Pauline Jardel, Tommy Laszlo – Jeu Benoit Faivre, Tommy Laszlo – Compagnie La Bande passante – à l’Espace Culturel André Malraux / Théâtre du Kremlin-Bicêtre.

L’acteur, Tommy, s’avance avec simplicité et raconte : en 2015, alors qu’il se balade dans une brocante, Place du Jeu de Balles à Bruxelles où il s’est promis de ne rien acheter, son regard est attiré par une couleur, un livre. Il le saisit et le feuillette, c’est un album photos sans légendes et sans signature, fait avec soin. Les photos sont nombreuses, en noir et blanc, d’origine et de tailles différentes, organisées, disposées, parfois découpées, avec des ajouts d’éléments extérieurs, de dessins, de peinture, de collages, la lumière est toujours exceptionnelle. Les doigts lui brûlent et il se résout à l’acheter. Par la délicatesse du travail ; par le drapeau nazi qu’il remarque page six ou sept, quelque chose pour lui devient magnétique. Il comprend que la grande Histoire s’est invitée dans l’histoire de vie de ces inconnus et en informe son comparse de la Bande Passante, Benoît.

Ensemble, ils feuillettent l’album et mènent leur enquête pour poser des lieux, des dates, des événements, des branches généalogiques sur cette histoire familiale. Le point de départ est la photo d’un charmant bébé joufflu, répondant au nom de Christa, on est autour des années 30, en Allemagne. A force de perspicacité et du délicat décollage des photos et des cartes pour tenter de lire ce qui est écrit derrière, on apprend que la petite fille est née le 9 décembre 1933, l’année où Hitler accède au pouvoir, que son père, docteur en droit, était dans l’aviation allemande, qu’ils habitaient Regensburg, à quatre-vingts kilomètres de Nuremberg, en Bavière, tout près de la République Tchèque. Il y a une image avec ses insignes, datée du 14 septembre 1939, quatorze jours après la déclaration de guerre au moment où la Pologne puis les Russes, entrent à leur tour dans le conflit.

On suit Christa de la naissance à l’âge adulte malgré des discontinuités dans la chronologie et des sauts dans le temps. On la retrouve à l’âge de 25 ans avec sa mère, Anita, à l’exposition universelle de Berlin, en 1958. Le père disparaît et reste un mystère, un nouvel homme, officier dans l’artillerie de l’air, apparaît. La dernière image de l’album est un chien royalement allongé sur un muret devant une maison. Qui est l’auteur de l’album, cette question est récurrente au fil de l’enquête. Serait-ce un album réalisé par la mère, à la naissance de sa fille ? Un écran en fond de scène composé de deux parties, permet, sur la gauche, de zoomer, de mettre en vis-à-vis photos, images et dessins de l’album, d’observer l’architecture des maisons, jardins, quartiers, villes, pour comprendre où l’on est et reconstruire l’Histoire ; à droite le travail d’identification fait par Tommy Laszlo et Benoit Faivre. Sur une table côté cour, sur laquelle est posée une caméra, ils investiguent, s’interrogent, recherchent, recoupent, interprètent et émettent des hypothèses. Pas à pas et par post-it interposés ils notent un mot clé, retiennent un extrême détail, inscrivent une question, le nom d’une ville. Le processus de l’enquête est, dès le départ, entièrement filmé. Toute la spirale d’interrogations et les tentatives de résolution des questions, ainsi que l’élaboration du processus théâtral, s’inscrivent en filigrane du spectacle. On suit les protagonistes jusqu’en Allemagne, et dans leurs coups de fil pour tenter de trouver des pistes et rencontrer des gens susceptibles de les faire avancer. Ils vont de surprise en surprise, retrouve la maison de Christa, non loin de l’usine manufacturière de Messerschmitt.

Deuxième cercle de l’histoire, le rapprochement entre cette enquête et l’histoire familiale des deux acteurs, ce qui donne une épaisseur et une humanité supplémentaire à la démarche. D’origine hongroise, Tommy – Tamàs en langue originale – remonte le cours de l’histoire familiale, son environnement, la route des vacances, l’exil de 1956. Il est en lien avec son père qui, passionné par la Grande Histoire, la croise avec les déplacements obligés de sa vie et ceux de sa mère, restée sans époux après 1945. A la disparition de sa grand-mère bien aimée, en 2008, un précieux carnet couvert des dessins crayonnés par le grand-père, sort des archives familiales, une pure merveille de bande dessinée et des informations pour sa descendance. Benoît lui, fait référence à sa grand-mère maternelle, née à Berlin en 1931 et arrivée en France avec ses deux enfants en 1948, sans papiers ni archives, sans mémoire familiale matérielle.

L’histoire de Christa s’efface à sa mort, en 2011. Son mari, Georges, qu’elle aurait rencontré dans un parc, disparaît à son tour quelques années plus tard. On trouve dans l’album une carte de vœux datant de 1989 et la question revient : Georges aurait-il créé cet album photo à la mémoire de sa femme ? Un de ses amis interrogé, ne le croit pas et cette question, comme d’autres, restera sans réponse. Tommy et Benoît élargissent chaque jour le champ de leurs réflexions sur la préservation des archives familiales, et repartent de l’album photos orphelin : comment jeter l’histoire familiale, pour les uns ; comment, pour les autres, fouiller dans la vie d’autrui ? Ces questions éthiques les taraudent. D’après les indices de l’album, la mère de Christa serait décédée en 1989, année de la chute du Mur de Berlin, Christa avait cinquante-six ans. Elle aura sûrement vidé la maison de sa mère et n’avait pas de descendance.

Cette invitation au voyage dans le temps et la mémoire, proposée par le collectif La Bande Passante est exemplaire. Créé en 2007 par Benoît Faivre autour du théâtre d’objets, rejoint en 2014 par Tommy Laszlo, leur objectif est de se mettre à l’écoute du passé pour interroger le présent et lutter contre l’oubli. Ensemble, ils développent un cycle de spectacles, Mondes de Papier, à partir d’installations autour du papier, découpage et pliage, de la mise en mouvement de mécanismes, de la vidéo. Vies de Papier spectacle bien nommé, s’inscrit dans ce cycle et ouvre sur l’imaginaire, dans un commentaire passé-présent. Sur scène, les souvenirs de cette mystérieuse Christa se mêlent à la mémoire des deux grands-mères – hommage familial donc – toutes deux ayant fui leur pays. L’archéologie intime se superpose à l’archéologie collective dans laquelle l’album les a menés. Dans cette forme de théâtre documentaire, l’objet, manipulé à vue, sert de pièce à conviction. Au-delà des images qui aident à décrypter l’enquête, de la table des commentaires où officient les deux auteurs-acteurs, un grand damier au sol, formé par les photos sur un fond petit gris clair similaire aux pages de l’album trouvé, alimente aussi la caméra en direct.

Reste la question de la représentation, entre les images vidéo témoins du déroulement de l’enquête, celles qui se tournent en direct pour étayer le récit, la distance de la narration par deux acteurs dans l’élaboration d’un langage scénique sur la mémoire, un ensemble qui s’articule ici avec pertinence. Vies de papier interroge de manière fine et sensible la reconstruction de la mémoire là où, selon le sociologue Maurice Halbwachs « on peut dire aussi bien que l’individu se souvient en se plaçant au point de vue du groupe, et que la mémoire du groupe se réalise et se manifeste dans les mémoires individuelles. » Là, le théâtre a du sens.

Brigitte Rémer, le 16 février 2019

Direction artistique et interprétation Benoit Faivre, Tommy Laszlo – regard extérieur Kathleen Fortin – prise de vues Pauline Jardel – création musicale Gabriel Fabing – lumière Marie Jeanne Assayag-Lion – costumes Daniel Trento – régie et petite construction Marie Jeanne Assayag-Lion, David Gallaire, Thierry Mathieu, Daniel Trento.

Le 15 février 2019 à l’Espace Culturel André Malraux-Théâtre du Kremlin-Bicêtre, 2 Place Victor Hugo, 94270 Le Kremlin-Bicêtre – métro : Le Kremlin-Bicêtre – Compagnie La Bande Passante www.ciebandepassante.fr – En tournée : 7 et 8 mars 2019, Centre culturel La Maillette – Mil Tamm Locminé (56) – 10 mars 2019 Le Strapontin, Pont-Scorff (56) – 26 au 28 mars 2019 Festival Marto, Théâtre Firmin Gémier/La Piscine, Antony/Châtenay-Malabry (92) – 30 mars 2019 Festival Marto, Théâtre des Sources, Fontenay-aux-Roses (92) – 2 avril 2019, L’Hectare, Scène conventionnée, Vendôme (41) – 9 avril 2019, Théâtre de Jouy, Jouy-le-Moutier (95), 12 avril 2019 Théâtre du Cormier, Cormeilles-en-Parisis (95) – 27 et 28 avril 2019, Théâtre d’Arles, Scène conventionnée, Arles (13) – 17 Mai 2019, la BIAM-Maison du développement culturel, Gennevilliers (92) – 5 au 28 Juillet 2019, Festival d’Avignon – 11 Gilgamesh Belleville, Avignon (84).

Jours tranquilles à Jérusalem

Texte Mohamed Kacimi – mise en scène et scénographie Jean-Claude Fall – dramaturgie Bernard Bloch – à la Manufacture des Œillets/Ivry-sur-Seine.

En 2015, Adel Hakim part à la rencontre du Théâtre National Palestinien avec lequel il collabore depuis plusieurs années. Entre Jérusalem-Est et Ivry-sur-Seine où il codirige avec Élisabeth Chailloux le Théâtre des Quartiers d’Ivry, qui s’installera plus tard à la Manufacture des Œillets, il vient monter Des Roses et du Jasmin pièce dont il est l’auteur et qui traverse l’histoire contemporaine de la région israélo-palestinienne de 1944 à 1988, à travers trois générations d’une même famille qui met en jeu Israéliens et Palestiniens. « Chacun est inscrit dans une généalogie, cela n’empêche pas de construire son destin » faisait justement remarquer Leila Shahid, ex-déléguée générale de l’Autorité palestinienne en France et ambassadrice de la Palestine auprès de l’Union européenne, lors d’un débat que proposait la Manufacture, en janvier 2017.

Dans cette mission délicate, Adel Hakim, a demandé au dramaturge Mohamed Kacimi de l’épauler. Ce dernier en a rapporté un carnet de bord et le fruit de ses observations, collectées entre février et juin 2015. Adel Hakim a écrit la pièce en français, en a demandé la traduction en arabe à Nabil Boutros, qui, également photographe et plasticien, a rapporté de Jérusalem-Est de superbes témoignages images, exposés au moment de la création de la pièce, à la Manufacture des Œillets. Sans doute, Adel Hakim ne s’attendait-il pas à tant d’embûches. C’est ce dont témoigne Jours tranquilles à Jérusalem, de Kacimi.

Son journal commence le mercredi 11 février 2015 : « Il fait un froid de canard à Jérusalem. Nous travaillons depuis une semaine dans une petite salle, encombrée de gradins bleus couverts de poussière et de manuscrits. La lumière est faible, le chauffage en panne, et le sol jonché de mégots et de gobelets écrasés. Autour de la table huit comédiens fument à tombeau ouvert. Ils lisent la dernière pièce d’Adel Hakim : Des Roses et du jasmin… » Et Kacimi retrace les premières réactions de la troupe qui, au-delà des déclarations d’amitié faites au metteur en scène, s’opposent farouchement à ce que, eux, Palestiniens, interprètent des rôles d’Israéliens. Ce thème, expression d’un réel blocage fut, dans les premiers temps, récurrent, et repris par le conseil d’administration du théâtre qui refusait tout en bloc : « J’ai compté les personnages de la pièce. Elle compte deux Palestiniens, Salah et son fils, les autres sont Juifs, Myriam, Aron, Rose, Dov et Yasmine. Deux sur cinq, mathématiquement c’est une pièce juive » dit l’un. « Tu veux un drapeau israélien sur la scène du Théâtre National Palestinien ? » demande l’autre. « Oui, pour la création de l’État d’Israël, il faut bien le montrer le drapeau… » se défend l’auteur, qui ajoute : « Vous voulez interdire la pièce c’est ça ? » « Non, on ne parle pas d’interdiction. Mais de refus. On ne veut pas de cette pièce, c’est tout. Ce n’est pas de la censure, c’est un choix » répondent-ils en chœur. Le CA lui, voulait supprimer des pans entiers de la pièce, mais Adel Hakim résistait. A plusieurs reprises il fit sa valise. C’est le directeur de la troupe qui, contre l’avis du CA et contre ses acteurs, finit par prendre le parti de l’auteur et à défendre le projet.

Tout devient problème quand on est écorché vif. La fin de la pièce posait aussi problème : dans une première version, « la soldate israélienne, Rose, fille de Mohsen et de Léa, devait mourir dans un attentat, mais les acteurs trouvaient que cela nivelait les relations et effaçait la notion de coupable et victime, de dominant et dominé. » Alors, Rose se suicidera. Il y eut de nombreux échanges plus ou moins houleux avec les acteurs, sur tous les sujets sensibles, avant d’arriver à un consensus. On mesure la difficulté de monter un spectacle dans un pays où, comme le dit l’un d’eux, « tout est piégé » et trois semaines avant la première, tout restait incertain.

Mais le chemin de Damas n’était pas fini car la vie quotidienne, à Jérusalem-Est, se pétrifie dans les check-point. Comment se concentrer sur un texte et trouver le temps de l’apprendre quand « pour sortir de Bethléem, je dois me réveiller à 5 heures du matin pour être à Jérusalem à 9 heures » dit l’un ; quand l’autre explique que « chaque jour, elle fait un trajet de 4 heures entre Haïfa et Jérusalem, prend un bus, un train, puis un taxi » ; quand le troisième doit franchir le pont Allenby, qui sépare la Cisjordanie de la Jordanie, comme le dit Le Monde « un condensé de toutes les calamités dont les Palestiniens sont affligés : bureaucratie, corruption et tyrannie sécuritaire…» temps au bout duquel, après des sinuosités extravagantes « les passagers passent enfin par la douane israélienne puis prennent le bus pour Jéricho. Pour franchir ce poste frontière, chaque palestinien met 8 heures les beaux jours et 10 heures les jours d’affluence. Un Paris-Marseille pour parcourir 40 mètres » note Kacimi. Le blocage est partout, aux check point, avec les embouteillages, avec la mort qui plane en permanence, avec les distances et contournements. Passer un mur, plus une zone de sûreté de barbelés superposés, plus d’autres grillages, plus une zone de détection faite de sable sur lequel les pas marquent, des miradors, des mitrailleuses, des portes à franchir : comment être à l’heure au théâtre et comment se concentrer ? On comprend que certains jours les filages soient mous et que « ça flotte. » Chaque moment apporte son lot d’incertitude et d’inquiétude. Les bouteilles d’eau sont bloquées par le fisc, les soldats interrompent les répétitions… La liste est longue des tracasseries quotidiennes.

« Nous faisons le point : nous sommes à deux mois de la création, nous n’avons plus de comédiennes. L’acteur qui doit jouer John n’a toujours pas obtenu d’autorisation de l’armée pour sortir de Bethléem. Le texte n’est pas prêt, les partenaires palestiniens peinent à trouver les fonds qui manquent et les membres du conseil d’administration du TNP sont très hostiles au projet » poursuit Kacimi. Coup de grâce la veille de la première prévue le lundi 1^er juin. Quelqu’un dit : « C’est vraiment formidable votre travail. Mais vous oubliez une chose, il n’y a personne pour le théâtre à Jérusalem, si vous faites une deuxième représentation nous n’aurez pas plus de trois chats dans la salle. L’idée des trois heures de spectacle est magnifique, on n’a jamais vu ça ici, mais si vous faites un entracte personne ne va revenir. Vous allez vous retrouvez tous les deux, tous seuls. Je ne sais même pas si les comédiens vont rester avec vous pour la deuxième partie de la pièce. » Ce lundi 1^er juin pourtant : « Nuit d’été à Jérusalem dont la lumière n’a pas d’équivalent ailleurs. La cour du théâtre se remplit petit à petit. Il y a beaucoup de monde. Nous avons un peu la trouille. Les gars de la sécurité habillés en tee-shirts noirs roulent des mécaniques devant la porte du théâtre. Le spectacle commence dans un grand silence. Beaucoup ont sorti leurs tablettes pour filmer mais durant toute la première partie personne ne bouge. Un miracle. Durant trois heures, la pièce d’Adel déroule, avec un souffle épique, les destins fracassés de familles juives et palestiniennes mélangées, par l’amour et par la haine… A la fin, de la représentation, la salle est debout. »

Il n’est sans doute pas simple de trouver un point de vue scénique qui ne surcharge ni ne détourne le propos. Mettre en espace ces Jours tranquilles à Jérusalem, de Mohamed Kacimi, témoin d’un autre travail, celui d’Adel Hakim a peut-être tout simplement une valeur posthume – le metteur en scène est décédé l’été 2017 -. Kacimi en avait fait lecture quelques mois avant, en janvier, sous l’œil du Maître, lors de la création de Des Roses et du Jasmin à la Manufacture des Œillets, sa complémentarité était intéressante. On perd ici en densité en recréant en images le contexte de vie, et les difficultés de la création dans un pays en guerre. Dans la mise en scène de Jean-Claude Fall, qui a aussi conçu la scénographie et qui tient le rôle d’Adel Hakim, les acteurs se fondent dans le public, sorte de personnages en quête d’auteur qui interviennent depuis la salle, se glissant dans la peau des acteurs palestiniens, cela sonne plutôt faux. Il y a des séquences de reprise de « l’original » de la pièce Des Roses et du Jasmin, avec notamment, au début du spectacle, la rencontre entre John le militaire anglais et la jeune Myriam, pastiche d’une séquence hollywoodienne sous les projecteurs. Le texte est saupoudré de petites histoires drôles au rire grinçant, Trump, Macron et Dieu apparaissent au générique. Pour qui a vu le spectacle d’Adel Hakim, cette image-reflet des acteurs du Théâtre National Palestinien est une fausse bonne idée, le décalage de la langue aidant, la magie et l’Histoire s’envolent. Et les prises de vue vidéo défilant sur écran – très vite au départ et comme des coups de poing – qui montrent le quotidien de Jérusalem-Est, avec de nombreux graffitis témoignant de la guerre, n’ont pas de réelle construction dramaturgique.

Cette « tragédie grecque mettant face à face deux frères jumeaux qui s’autodétruisent » selon Leila Shahid n’avait peut-être pas besoin de ce commentaire sur le commentaire de l’Histoire. Adel Hakim, qui avait mis en scène, avec le même Théâtre national Palestinien, Antigone, se reconnaissait aussi dans la tragédie grecque « qui m’a toujours servie de modèle dramaturgique. Elle met, dans pratiquement toutes les pièces conservées, une histoire de famille, l’intime, en rapport avec la société et le monde » disait-il avant de partir.

Brigitte Rémer, Paris le 15 février 2019

Avec Bernard Bloch, Roxane Borgna, Etienne Coquereau, Jean-Marie Deboffe, Jean-Claude Fall, Paul-Frédéric Manolis, Carole Maurice, Nolwenn Peterschmitt, Alex Selmane. Création vidéo et collaboration artistique Laurent Rojol – direction technique Jean-Marie Deboffe – régisseur lumière Bernard Espinasse – régisseur son Olivier Naslin – habilleuse Marie Baudrionnet – Commande d’écriture d’après Jours tranquilles à Jérusalem, texte publié aux éditions Riveneuve – Extraits de Des Roses et du Jasmin d’Adel Hakim, éditions l’Avant-Scène.

Du 28 janvier au 8 février 2019, à la Manufacture des œillets, 1 place Pierre Gosnat, Ivry-sur-Seine – Métro : Mairie d’Ivry – Tél. : 01 43 90 11 11 – Site www.theatre-quartiers-ivry.com

Gravité

Chorégraphie Angelin Preljocaj – Musiques Maurice Ravel, Johann Sebastian Bach, Iannis Xenakis, Dimitri Chostakovitch, Daft Punk, Philip Glass, 79D – à Chaillot-Théâtre national de la danse.

« La gravitation est l’une des quatre forces fondamentales qui régissent l’univers. Elle désigne l’attraction de deux masses. Elle est invisible, impalpable, immanente. C’est pourtant elle qui crée ce qu’on appelle la pesanteur. Depuis des années, les notions de poids, d’espace, de vitesse et de masse ont traversé de façon intuitive ma recherche chorégraphique » dit Angelin Preljocaj qui inscrit son travail dans un mouvement de balancier. Tantôt il l’oriente vers le narratif, comme ses chorégraphies Blanche-Neige, Roméo et Juliette ou Le Parc, créé pour l’Opéra de Paris, en témoignent, tantôt il plonge dans des recherches fondamentales pour élaborer une écriture-matériau « comme on le fait avec la glaise » et se nourrit du narratif.

Gravité, un concept abstrait en même temps que concret pour le chorégraphe, fait partie de ses recherches laboratoires pour un langage chorégraphique nouveau. La pièce est construite en chapitres musicaux thématiques, mis en relation avec des oeuvres musicales de différents styles qui donnent à la chorégraphie et au public différentes saveurs : Johann Sebastian Bach, Maurice Ravel, Iannis Xenakis, Dimitri Chostakovitch, Daft Punk, Philip Glass, 79D. Le tout s’articule en un geste chorégraphique fort.

L’ouverture de Gravité se danse en relation avec le sol, on se croirait au centre de la terre : une douzaine de danseuses et danseurs, jambes nues et justaucorps noirs se déplacent en rampant et se mêlent en un flux et un reflux continus. Les jambes blanches attirent le regard qui suit les figures-hiéroglyphes. Le courant et l’impulsion musicale, comme par temps de grand vent, les incitent à se redresser. Chaque séquence repousse les limites du corps et travaille sur des tonalités de gravités. Les danseurs cherchent à se libérer de la pesanteur, par suspension ou par pulsions, et de l’idéal de la danse classique, en résistant à l’élévation. Le chorégraphe pourtant se promène avec virtuosité dans un vocabulaire néo-classique où la gravité est un poids qui redescend vers le sol, et les danseurs en solos, duos, trios ou mouvements collectifs en matérialisent les lois de l’attraction avec une grâce infinie.

La dernière partie du spectacle réserve une belle surprise et ouvre sur les premières notes du Boléro de Ravel qu’Angelin Preljocaj amène avec subtilité et naturel. Et le spectateur se laisse glisser dans ce trou noir musical, black hole au sens où Stephen Hawking – qui applique les lois de la physique quantique à la cosmologie – dont on entend quelques mots de l’aventure spatiale juste avant, l’entend. « L’idée du trou noir que l’on peut définir comme l’objet cosmologique le plus dense et qui engloutit tout ce qui l’approche » à l’origine de la quête du chorégraphe impose sa circularité, développe la notion de gravité où tout tourne autour d’un centre et mène à la transe. Partant de cette idée philosophique, le Boléro s’est imposé à Angelin Preljocaj comme texture idéale servant son propos. Avec les danseurs il s’est engouffré dans ce pari risqué de le danser, et c’est une pure merveille. Après Béjart il fallait oser. Cette masse blanche formée par les danseurs comme un magma ondulant puis bouillonnant est d’une force et d’une beauté sidérante. Et le solo final de la danseuse (Isabel Garcia Lopez) alors que tous sont au sol et ont rejoint le trou noir, offre, par sa majestueuse lenteur, une intense densité.

Né en France de parents albanais, Angelin Preljocaj s’est formé en France et aux États-Unis, a créé sa compagnie le Ballet Preljocaj en 1984, a chorégraphié une cinquantaine de pièces, du solo aux grandes formes. Preljocaj est ceinture noire de judo et reconnaît l’influence des arts martiaux dans sa démarche, par la connaissance de l’autre corps que cela lui a donnée, les portés, le contact. Depuis octobre 2006, il est directeur artistique du Pavillon Noir à Aix-en-Provence, centre chorégraphique national construit par Rudy Ricciotti, où il travaille avec les vingt-quatre danseurs permanents du Ballet. Il aime à créer des synergies avec d’autres artistes et s’ouvre à différentes disciplines comme la musique, les arts plastiques, le design, la mode et la littérature. Ses créations sont reprises au répertoire de nombreuses compagnies comme La Scala de Milan, le New York City Ballet et le Ballet de l’Opéra national de Paris. Il s’intéresse aussi au cinéma et a réalisé plusieurs films.

La puissance et la facture de ses ballets reposent aussi sur l’art de s’entourer. Les costumes d’Igor Chapurin, styliste de haut vol né en Russie, tombé dans la mode par hérédité, et qui tout jeune y a développé son imaginaire et ses talents de jeune créateur, sont pour Gravité de toute beauté et d’une grande simplicité. De l’ouverture en noir profond au dernier fragment blanc éclatant, ce collaborateur du Bolchoï, joue des transparences, plissés, cœurs croisés et lignes de fuite avec majesté. Éric Soyer, créateur lumières et d’espaces lumineux, a, dans sa palette, une belle expérience et une diversification des arts. Il conçoit des éclairages dans les domaines des arts de la rue, de la musique, de l’opéra, du théâtre et de la danse, en France et en Europe. Il accompagne subtilement le spectacle, créant des environnements lumières en dialogue avec le plateau, danseurs, costumes et musiques réunis.

C’est un grand plaisir de suivre le voyage en Gravité proposé par Angelin Preljocaj, à la recherche perpétuelle de l’épure et du Beau. Il fait bouger ses danseurs à l’unisson, dans des mouvements partagés, une même énergie et une respiration commune. Il crée ici un langage chorégraphique de la gravité et une grammaire des formes dans laquelle l’effet kaléidoscope enrichit le danser ensemble. « J’aime la virtuosité dit-il, c’est pourtant très critiqué. » La virtuosité est artisanale et le fruit d’un long et magnifique travail.

Brigitte Rémer, le 13 février 2019

Avec les danseurs : Baptiste Coissieu, Leonardo Cremaschi, Marius Delcourt, Mirea Delogu, Léa De Natale, Antoine Dubois, Isabel Garcia Lopez, Véronique Giasson, Florette Jager, Laurent Le Gall, Théa Martin, Victor Martinez Caliz, Nuriya Nagimova – chorégraphie Angelin Preljocaj – costumes Igor Chapurin – lumières Éric Soyer – assistant, adjoint à la direction artistique Youri Aharon Van den Bosch – assistante répétitrice Cécile Médour – choréologue Dany Lévêque – Gravité fut présenté dans le cadre de la Biennale de la danse de Lyon, en 2018.

Du 7 au 22 février 2019, à Chaillot-Théâtre National de la Danse, 1 place du Trocadéro – 75116 Paris – Tél. : 01 53 65 30 00 – Site : www.theatre-chaillot.fr

Le Grand Théâtre d’Oklahama

Librement inspiré des oeuvres de Franz Kafka – mise en scène et adaptation Madeleine Louarn et Jean-François Auguste, Atelier Catalyse, à la MC93 Bobigny.

Après la création au Festival d’Avignon de Ludwig un roi sur la lune, en 2016 et sa reprise au TGP de Saint-Denis (cf. notre article du 7 janvier 2017) l’Atelier Catalyse y a présenté l’été dernier Le grand théâtre d’Oklahama, repris à la MC93 Bobigny. Madeleine Louarn travaille depuis une trentaine d’années avec des acteurs en situation de handicap et développe une présence artistique au sein du groupe. Elle poursuit sa route avec eux et pour ce spectacle avec Jean-François Auguste, directeur artistique de la compagnie For Happy People and Co.

Ils s’inspirent ici de Kafka et prennent pour base de travail le dernier chapitre de Amerika, “Le grand théâtre d’Oklahoma”, changent le “o” en “a” et y intercalent quelques autres pages de l’auteur sur un thème qui fonctionne avec la notion de collectif, ancrée dans leur démarche. Toujours, ils mettent en parallèle la quête de personnages en même temps que la position des acteurs de Catalyse, qui cherchent leur place dans la société. Ils ont approfondi leurs recherches autour de Kafka, ses récits les plus connus ne convenaient pas au profil des acteurs. Ils ont préféré puiser dans les textes inachevés, fragments et nouvelles les moins connus avec lesquels ils ont construit un canevas mieux adapté.

Par une grande affiche placée à l’avant-scène, première image qui accueille le spectateur, le grand théâtre d’Oklahama recrute des artistes où, justement, chacun aurait sa place. « On embauche tout le monde » figure en toutes lettres sur l’affiche. Les chômeurs et les exclus s’y présentent, les cabossés de la vie. Le recrutement se fait dans un rapport de force, Karl Rossmann héros kafkaïen par excellence (Guillaume Drouadaine, l’ex magnifique Louis II de Bavière dans le spectacle précédent) et ses amis, se présentent : Fanny mi-chat mi-agneau la figure de l’ange, Joséphine la souris au tutu blanc, Rougeaud le singe en cage et qui en sort pour imiter les humains. Au grand théâtre d’Oklahama ils sont tous engagés et organisent un banquet pour fêter les embauches. Assis à table, de dos, ils portent un toast. Scéniquement, l’image est forte. Mais très vite ils déchantent et se heurtent à un autoritarisme cynique et débridé. On suit leurs espoirs et déceptions, quand chacun comprend qu’il se doit de renoncer à ce qu’il est. Karl devient agent technique et non pas ingénieur comme il l’espérait, sous le nom imposé de Negro, les postes proposés ne coïncident pas aux promesses d’emploi. Ils deviennent des exécutants pour basses besognes – agent d’entretien, lingère, soutier, liftier, soubrette – et non pas des artistes, comme ils l’imaginaient. Tous et chacun se retrouvent broyés dans la machine à mensonges – la société ? -. On voit la faim, la rupture, l’abandon, la colère, le monde qui se rétrécit. La fin est rude avec un départ pour Oklahama annoncé, sans possibilité de bagages ni de livres, sans rien. Un aller, sans retour.

La scénographie d’Hélène Delprat, plasticienne, mi-réaliste mi-onirique, sert le propos à partir d’installations mécaniques et de portes. Elle construit un mirador sur roulettes, une tour-ascenseur, une cage, des figures d’ange qui se déplacent. Avec les lumières de Mana Gautier, qui créent des univers et ajoutent au lyrisme, l’enveloppe théâtrale est belle. Dans l’élaboration du scénario les acteurs ont mêlé leurs mots à ceux de Kafka pour mettre à distance l’aspect littéraire du texte et s’inspirent du registre du burlesque, soulignant le caractère dérisoire des destinées. Ils savent passer du rire aux larmes, peuvent parler de soumission, d’oppression et de culpabilité tout en s’amusant avec la création de leurs personnages. Un porte-voix intégré dans l’équipe d’acteurs tient le rôle du souffleur et un narrateur, voix enregistrée, donne le fil conducteur.

Le grand théâtre d’Oklahama est le fruit d’un travail interdisciplinaire patiemment mené par Madeleine Louarn et Jean-François Auguste, une fois de plus une belle aventure. Il met en jeu différentes techniques du spectacle avec inventivité (théâtre d’ombres, table tréteau, métaphore animale etc…) et crée les siennes propres. Il y a de l’humain, de l’inquiétude, de l’humour, une grande intensité dans ce spectacle qui baigne dans l’imaginaire et l’étrangeté de Kafka.

Brigitte Rémer, le 10 février 2019

Avec les comédiens de l’Atelier Catalyse : Tristan Cantin, Manon Carpentier, Guillaume Drouadaine, Christian Lizet, Christelle Podeur, Jean-Claude Pouliquen, Sylvain Robic – accompagnement pédagogique Erwanna Prigent, Mariwenn Guernic – dramaturgie Pierre Chevallier – scénographie Hélène Delprat – création musicale Julien Perraudeau – chorégraphie Agnieszka Ryszkiewicz – régie générale Thierry Lacroix – lumière Mana Gautier – son Cyrille Lebourgeois – costumes Claire Raison – couturières et couturiers Yolande Autin, Ludivine Mathieu, Magali Perrin Toinin, Armando Sanchez – construction décor atelier et équipe technique MC93 Bobigny.

Du 31 janvier au 9 février 2019, à la MC93 Bobigny/Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis, 9 Bd Lénine à Bobigny – métro : Bobigny Pablo Picasso – En tournée – 13 février : Ferme du buisson – Scène Nationale de Marne-La-Vallée, 20 et 21 mars : Le Quartz – Scène Nationale de Brest.

Ces gens-là !

Conception et chorégraphie Aïcha M’Barek et Hafiz Dhaou, Compagnie Chatha – musique d’Haythem Achour alias Ogra au Tarmac/La scène internationale francophone, en partenariat avec Faits d’hiver/Festival de danse- Paris.

Cinq danseurs sur le plateau dégagent une belle énergie, guidés par la composition musicale de Maître Haythem Achour alias Ogra qui, au final, apparaît en majesté, devant ses pupitres. De cour à jardin et retour ils déclinent un alphabet en un flot ininterrompu de passages et de figures, le geste chorégraphique se fait d’un seul souffle.

Ces gens-là ! est le titre d’une chanson bien connue de Jacques Brel, sensible humainement et scrutée, sur lesquels les chorégraphes, Aïcha M’Barek et Hafiz Dhaou ont trouvé matière à réflexion. Pourtant, si on l’a lu avant le spectacle, la présentation de leur travail, y chercher une quelconque trace ou référence, est vain. « D’abord, y a l’aîné, Lui qui est comme un melon, Lui qui a un gros nez, Lui qui sait plus son nom Monsieur tellement qu´y boit, Tellement qu´il a bu, Qui fait rien de ses dix doigts, Mais lui qui n´en peut plus, Et puis, y a l´autre, Des carottes dans les cheveux, Qu´a jamais vu un peigne, Qu´est méchant comme une teigne, Même qu´il donnerait sa chemise, A des pauvres gens heureux… » Oublions cet hommage aux invisibles qui, pour les chorégraphes relève du secret de fabrication, et embarquons-nous dans le bruit et la fureur de la figure emblématique de la scène techno tunisienne qui mène la danse et qui avait déjà signé la composition musicale du spectacle précédent de la compagnie, Narcose.

Les pas et gestuelles sont hybrides, déclinent leur différence, parlent de la violence et s’inscrivent dans l’environnement extrême et le contexte social d’aujourd’hui. Les corps s’abîment dans le fracas musical, le quintet se déplace ensemble, sans unisson et lance des signes et signaux qui, à certains moments, saturent le spectateur. La frontière entre le réel et la fiction, la guerre, l’humain, les réseaux sociaux et la confusion qu’ils engendrent sont des thèmes chers aux chorégraphes qui aiment travailler autour de la perception du spectateur.

Nés à Tunis où ils se forment au Conservatoire de Musique et Danse, puis au Centre National de Danse Contemporaine d’Angers, Aïcha M’Barek et Hafiz Dhaou créent leur compagnie, Chatha, en 2005 et constituent une équipe avec laquelle ils développent leurs projets chorégraphiques. L’une de leurs premières pièces, Kawa solo à deux, en 2009 s’imprégnait du texte de Mahmoud Darwich, Une mémoire pour l’oubli. Implantés à Lyon, ils tablent sur l’engagement physique des danseurs et créent avec eux une grammaire corporelle en évolution permanente. Ils composent une partition lumières qui, comme leur univers des sons tient le spectateur en haleine et l’oblige à être aux aguets.

Danseurs et spectateurs ont peu d’espaces de respiration. Les premiers, aux parcours et profils divers, offrent une diversité d’interprétations dans le tissu chorégraphique, les seconds tentent de lutter contre le brouillage des signes et le volume saturé d’un environnement sonore techno cru et sauvage.

Brigitte Rémer, le 10 février 2019

Danseurs : Stéphanie Pignon, Johanna Mandonnet, Gregory Alliot, Fabio Dolce, Phanuel Erdmann – performeur Heythem Achour Alias OGRA – univers sonore Heythem Achour Alias OGRA, Hafiz Dhaou – lumière Xavier Lazarini assisté de Jérôme Deschamps – conception des costumes Aïcha M’Barek

Du 4 au 6 février 2019 – Le Tarmac/La scène internationale francophone, 159 avenue Gambetta, 75020 – métro : Pelleport – tél. : 01 43 64 80 80 – site letarmac.fr

Insoutenables longues étreintes

Comédie dramatique de Ivan Viripaev, traduction Sacha Carlson et Galin Stoev, mise en scène Galin Stoev, à La Colline/Théâtre National.

C’est un huis-clos entre quatre personnages d’une trentaine d’années venant d’horizons différents – Monica, Charlie, Amy et Christophe – qui croisent leurs destins solitaires, pour le meilleur et pour le pire, entre New-York et Berlin. Nous sommes au cœur de leurs problèmes existentiels sur lesquels ils devisent, de manière directe et crue. Leur énergie n’a d’égale que leur liberté, leur recherche de désir et de plaisir, leur imaginaire, un certain romantisme. Rencontres, mariage, avortement, séduction, régime végan, malaise, tendresse, globalisation, projets, sexualité, sont leurs thèmes de prédilection. Sur un plateau d’une sobriété élaborée, qui ressemble à nulle part, les personnages – au départ assis sur un banc, dos au public – se racontent et déversent leurs paroles errantes et virtuoses, leurs détresses, cherchant à s’inventer des horizons, individuel ou collectif, dans un monde sans repère. Par moments leurs visages, graves, paraissent sur écran.

Des voix d’outre-tombe soudain les hèlent, venant de l’univers et nous projettent dans une bulle d’anticipation et un espace cosmogonique, qui pourrait entretenir illusions et espoirs. A travers cette oscillation entre toute-puissance et fragilité, entre soi et l’autre, soi et le monde, ils se métamorphosent en alchimistes et se verraient bien changer le plomb en or. « Dans cette partition écrite à la troisième personne, le comédien n’interprète pas le rôle mais l’histoire. Ce n’est pas réaliste mais descriptif et ultra concret. Le paradoxe réside également dans l’alliage des registres littéraire et populaire, du spirituel et du trivial, de l’humour lumineux pour sonder l’obscurité de l’Histoire ou de l’âme. » Le spectacle a un petit air d’émission type talk-show où chacun est à la recherche de sens. La scénographie d’Alban Ho Van, un espace indéfini inspiré du cosmos, représenterait leur espace mental. La fin est une apocalypse où, après l’émiettement puis l’écroulement du mur de fond de scène ouvrant sur une clarté nue, les personnages s’effacent dans une fumée psychédélique, par une porte donnant sur le vide, placée en contre-haut du plateau.

« L’acteur ne doit pas jouer le personnage, mais jouer du personnage, de la même façon qu’un musicien joue de son instrument… Il doit entrer en relation avec ce personnage, pour faire entendre un thème » dit le metteur en scène. Galin Stoev a construit un véritable compagnonnage avec l’auteur dont il a monté Les Rêves en langue bulgare, à Varna, sa ville natale, en 2002 ; Oxygène en 2004 ; Genèse n° 2 en 2006 au Festival d’Avignon et au Théâtre de la Cité Internationale ; Danse Delhi, composé de sept brèves pièces en un acte, à Liège puis à La Colline, en 2011. L’écriture dramatique d’Ivan Viripaev est sinueuse et il nous met au bord du vide. Né à Irkoutsk, en Sibérie en 1974, l’auteur est aussi acteur et metteur en scène. Depuis 2001, il travaille à Moscou et présente pour la première fois en 2000 son spectacle, Les Rêves, qui obtient un vif succès et tourne dans de nombreux pays. Contraint de quitter sa ville natale, Viripaev s’installe à Moscou en 2001 où il participe à la fondation de Teatr.doc, centre de la pièce nouvelle et sociale. Il est acteur dans sa pièce Oxygène mise en scène par Viktor Ryjakov, en 2003 et accueillie dans de nombreux pays européens, puis Genèse n° 2 en 2004, écrite d’après un document d’Antonina Velikanova. Il crée sa propre structure, Mouvement Oxygène, poursuit son travail d’écriture théâtrale et se lance aussi dans l’écriture de scénarios et la réalisation de films.

Actuellement directeur du Théâtre de la Cité- CDN Toulouse Occitanie avec Stéphane Gil, Galin Stoev qui a grandi à Moscou puis étudié dans une école russophone en Bulgarie, a cette communauté de langue qui lui donne un accès direct à la pensée d’Ivan Viripaev. Il connaît bien la musicalité de l’œuvre et de l’écriture, littéraire et familière, l’incertitude de ses personnages et ses ruptures de ton. Insoutenables longues étreintes est de ces objets volants mystérieux porté par quatre acteurs talentueux et bien dirigés, Pauline Desmet, Sébastien Eveno, Nicolas Gonzales et Marie Kauffmann qui impriment une distance poétique à cette puissante langue paradoxale, et qui traversent le ciel et l’enfer.

« En sortant du théâtre, on doit avoir l’impression de s’éveiller de quelque sommeil bizarre, dans lequel les choses les plus ordinaires avaient le charme étrange, impénétrable, caractéristique du rêve et qui ne peut se comparer à rien d’autre » écrivait le dramaturge polonais S.I. Wikiewicz au début du XXème. C’est dans un espace de brume métaphysique que le spectateur s’en va, méditatif, ressassant l’équation posée par l’un des personnages de la pièce : « Et quand ton cœur sera-t-il pleinement satisfait ? Quand il s’arrêtera de battre, je pense. »

Brigitte Rémer, le 8 février 2019

Avec Pauline Desmet Amy – Sébastien Eveno Christophe – Nicolas Gonzales Charlie – Marie Kauffmann Monica. Scénographie Alban Ho Van – vidéo Arié Van Egmond – lumières Elsa Revol – son Joan Cambon/ Arca – assistanat mise en scène Virginie Ferrere – décor sous la direction de Claude Gaillard – costumes sous la direction de Nathalie Trouvé, réalisés dans les Ateliers du Théâtre de la Cité – compositing Raphaël Granvaud-Perez – prises de vue Lucie Alquier-Campagnet – régie générale Agathe Tréhen – régie plateau Pierre Bourel – régie lumières Michel Le Borgne – régie son Valérie Leroux – régie vidéo Éric Andrieu.

Du 18 janvier au 10 février 2019, du mercredi au samedi à 20h, le mardi à 19h et le dimanche à 16h – En tournée, du 13 au 16 février 2019 au Théâtre de la Place, Liège, Belgique – Le texte est publié aux Solitaires Intempestifs.

Premier Amour

Texte de Samuel Beckett, mise en scène et interprétation Sami Frey, au Théâtre de l’Atelier.

Devant le rideau de fer, deux bancs publics côte à côte. Une porte étroite côté jardin d’où apparaît l’acteur avec une lumière clignotante type entrée des artistes, ne pas déranger enregistrement en cours. Sami Frey voyage d’un banc à l’autre dans cet espace de jeu-couloir prenant le public à témoin. Par le texte de Beckett il repasse le temps dans une intimité partagée et se retourne sur son passé : la mort de son père, le moment où il quitte la maison familiale, les espoirs, la solitude, le jardin où il guette une jeune femme, Lulu qui, comme lui, souvent, vient s’asseoir et avec laquelle il noue conversation, rencontre des sentiments contradictoires, puis le désir.

Il revient à la source, plein de naïveté et d’ironie et revit ce premier amour, avec ce qu’il a de beau en même temps que d’absurde et dérisoire : « Ce qu’on appelle l’amour c’est l’exil, avec de temps en temps une carte postale du pays, voilà mon sentiment ce soir. » Il distille avec tendresse et simplicité la langue de Beckett et traduit le pathétique de la situation à travers le filtre de sa longue expérience d’homme et de son beau parcours d’acteur.

Sami Frey avait créé la mise en espace et en scène de ce récit, écrit en 1945, il y a une dizaine d’années. Il a la bonne idée de la reprendre, pour trente représentations. « J’ai découvert tard dans ma vie à quel point les écrits de Samuel Beckett me touchaient. A quel point la profonde humanité de ses personnages, le rythme de ses phrases, la musicalité de son français, son humour terrible, sa poésie, m’étaient proches sans effort. » L’acteur a rencontré Beckett vers la fin de sa vie alors qu’il était dans une maison médicalisée. Cette rencontre, dans le petit jardin qui jouxtait sa chambre, l’a marqué. Comme Beckett fut lui-même marqué par sa rencontre avec James Joyce dont il traduisit Anna Livia Plurabelle. « Pour le présenter, en ce moment je pense au Beckett des dernières années de sa vie logé dans l’annexe d’une maison de retraite médicalisée Le tiers-temps, il y occupe seul une chambre qui donne sur un petit jardin où il peut sortir prendre l’air » raconte Sami Frey.

Premier Amour ne fait pas partie des textes les plus connus de l’auteur et son titre appelle la nouvelle de Tourgueniev et son pessimisme romantique. On connaît Beckett – installé en France à partir de 1938, Prix Nobel de littérature en 1969 – dans ses textes majeurs, son premier roman Murphy, publié en anglais en 1935 et qu’il a lui-même traduit, ses pièces dont, En attendant Godot révélée dans la mise en scène de Roger Blin en 1953, Fin de partie et bien d’autres.

Sami Frey aime à se souvenir, avec tendresse, humour, simplicité et poésie. Son J’m’souviens d’après le texte de Georges Pérec il y a une vingtaine d’années est resté dans les mémoires. La roue du temps n’efface pas l’élégance de l’acteur ni sa luminosité, ses vibrations et notre plaisir sont intacts avec ce monologue beckettien dont l’ultime phrase « Il m’aurait fallu d’autres amours, peut-être. Mais l’amour, cela ce ne se commande pas. » L’esquisse d’un geste, qui essaie d’étreindre le temps pour mieux le retenir, ébauché mais dérisoire, ferme le spectacle. Une belle émotion, à petits traits crus et sans détours, comme si de rien n’était.

Brigitte Rémer, le 6 février 2019

Texte de Samuel Beckett, mise en scène et interprétation Sami Frey – Lumières Franck Thévenon. Le texte de la pièce est publié aux Éditions de Minuit

Du mardi 29 janvier au dimanche 3 mars 2019. A 19 h du mardi au samedi, à 11h le dimanche, au Théâtre de l’Atelier, 1 place Charles Dullin, 75018 – métro : Anvers ou Pigalle – tél. : 01 46 06 49 24 – site : www.theatre-atelier.com

Arctique

Spectacle d’Anne-Cécile Vandalem, Das Fräulein (Kompanie), à l’Odéon-Théâtre de l’Europe / Ateliers Berthier.

Les images de son univers cinématographique s’encastrent dans le langage scénique et composent un processus particulier de création. On ne sait dans quelle profondeur sous-marine on se trouve, ni dans quel songe. 2025 dit le texte, dans les limbes du cercle polaire. Anne-Cécile Vandalem nous emmène, au fil du thriller qu’elle compose, dans le clair-obscur d’une histoire raccordée au combat climatique d’aujourd’hui.

Cinq personnages en quête de vérité embarquent clandestinement à bord du vaisseau fantôme, Crystal-Serenity qui, au soir de son inauguration, est entré en collision avec une plateforme pétrolière au milieu des glaces et se fait remorquer pour être transformé en hôtel de luxe. Ils ont été invités par lettre anonyme et y sont accueillis un à un, après paiement d’une somme attendue, par deux personnages des plus mystérieux : Ole Gamst Pedersen sorte de capitaine et donneur d’ordres qui bientôt s’éclipse, assisté de la trouble et troublante Sila Thuring. De l’écran à la salle de réception du navire, désuète, les personnages descendent, chacun à leur tour, guidés par Sila, et délimitent leur territoire personnel : le journaliste, Niels, venu faire un reportage ; Eleanor la jeune veuve dont l’époux était impliqué dans le consortium gestionnaire du navire ; une ancienne première ministre du Groenland, Ula et son conseiller, Bent, qui tentent de se faire discrets ; une activiste repentie, Lucia, bien singulière. Dans cet huis-clos hétéroclite, ils vont apprendre à se connaître en affrontant les peurs et retournements de situations, d’autant que le remorqueur qui devait assurer leur retour sur les côtes, les laisse en plan.

S’ensuit une série d’événements et de rebondissements dans ce navire hanté où chaque personnage se fait des frayeurs et disparaît en coulisses sous l’œil d’une caméra qui le filme, et rapporte sur écran les images. Toutes les énigmes n’ayant pas été élucidées, le spectateur va de sursaut en étonnement à travers un polar bien mené et sympathique dont les personnages cherchent à résoudre le suspens. Sur fond de région mythique aux aurores boréales et de roman photo-histoire d’amour avec le capitaine follement épris de la terroriste de l’Arctic Protection Front, Mariane Thuring morte, piégée dans sa cabine. Cette fable futuriste et anticipatrice se révèle pleine d’humour. La visite d’un ours blanc, celui qui peut-être, a dévoré le mari d’Eleanor, confirme.

Même si aujourd’hui le Groenland est le signe tangible du réchauffement climatique qui nous concerne tous, inquiète et scandalise, le côté terrifiant ou politique du spectacle tel qu’annoncé par Anne-Cécile Vandalem est assez dilué, mais ce n’est pas si grave, le spectacle tient la route. On prend plaisir à cette fable-livre d’images ; aux flonflons de l’orchestre recréant le climat d’un navire de croisière haut de gamme ; à Sila, dont on apprend à la fin qu’elle est la fille de Mariane Thuring et qui travestit sa présence trouble en chanteuse joliment moulée dans une robe rouge flashy ; à l’équipe d’acteurs qui s’empare de personnages loufoques et en relief.

Anne-Cécile Vandalem a créé sa compagnie en 2008, Das Fräulein (Kompanie), après une formation au Conservatoire Royal de Liège. Elle signe la conception, l’écriture et la réalisation de ses spectacles et travaille entre la vidéo, le son et le théâtre. Elle a présenté au Festival d’Avignon 2016 ainsi que dans différents théâtres européens, dont l’Odéon, son spectacle Tristesses, sur la montée du populisme en Europe. Sa réflexion s’inscrit dans les problématiques politiques de nos sociétés, avec une recherche poétique et plasticienne des plus personnelles.

Brigitte Rémer, le 4 février 2019

Avec : Frédéric Dailly, Artic Serenity Band (guitare) – Guy Dermul, Ole Gamst Pedersen – Eric Drabs, Artic Serenity Band (piano) – Véronique Dumont, Ula Tupilak – Philippe Grand’Henry, Bent Rosbach – Epona Guillaume, Sila Thuring – Zoé Kovacs, Lucia Ludvigsen – Gianni Manente, Artic Serenity Band (batterie) – Jean-Benoit Ugeux, Niels Andersen – Mélanie Zucconi, Eleanor Omerod. Scénographie Ruimtevaarders – collaboration à la dramaturgie Nils Haarmann, Sarah Seignobosc – composition musicale Pierre Kissling – lumière Enrico Bagnoli – son Antoine Bourgain – vidéo Federico d’Ambrosio – costumes Laurence Hermant – maquillages, coiffures, effets spéciaux Sophie Carlier – montage vidéo Yannick Leroy – cadre Leonor Malamatenios, Tom Gineyts – accessoirisation, emsembliage Fabienne Müller – directeur technique, régie générale Damien Arrii, Marc Defrise – régie vidéo Frédéric Nicaise – régie lumière Léonard Clarys – régie son Antoine Bourgain, Théo Jonval – régie plateau Clara Pinguet, Baptiste Wattier – production de tournée Marie Charrieau – direction de production Audrey Brooking.

Du 18 janvier au 10 février, Odéon-Théâtre de l’Europe, Ateliers Berthier 1 rue André Suarès, 75017 – 20h du mardi au samedi, 15h le dimanche. En tournée : 14 et 15 février, Comédie de Saint-Etienne – 4 et 5 avril FIND Festival Schaubühne (Allemagne).

Submission

Chorégraphie Adi Boutrous – avec Avshalom Latucha, Adi Boutrous, Anat Vaadia, Stav Struz – au Théâtre de la Ville/Théâtre des Abbesses.

Jeune chorégraphe arabe israélien né à Beer-Sheva dans le sud d’Israël, Adi Boutrous a débuté ses apprentissages de manière informelle par l’acrobatie et la break danse à l’âge de neuf ans. Il s’est formé à la danse classique et à la danse contemporaine à la Matte Asher School for Performing Arts à Kibbutz Gaaton, puis au Maslool Professionnal Dance Program de Tel Aviv-Jaffa. « Israélien de culture arabe » comme il se définit, il est danseur et chorégraphe depuis 2012. Sa première pièce, What really makes me mad travaille sur la mixité du couple – couple arabo-juif qu’il forme avec la danseuse Stav Struz -. En 2013, il évoque son envol du nid familial, avec Homeland Lesson et il est repéré comme danseur dans le duo We love Arabs de Hillel Kogan. En 2015, année des élections législatives, il dénonce la montée de l’extrémisme avec Separately trapped/Piégé à part. Puis il interroge le corps et l’identité avec la pièce It’s always here/C’est toujours là, programmée en septembre 2018 à la Biennale de la Danse de Lyon. Il est aussi dj et collectionneur de vinyles, spécialisé dans les musiques latino-américaines et le reggae des années 1970. Il présente aujourd’hui sa cinquième création, sur un montage sonore éclectique.

Submission met en espace et en idées deux duos, l’un masculin, dansé par Avshalom Latucha avec qui le chorégraphe collabore depuis plus de trois ans et Adi Boutrous lui-même, l’autre est au féminin, dansé par Anat Vaadia et Stav Struz. « Le titre Submission signifie pour moi une injonction à accepter ce que la vie m’apporte en termes de sentiments et de changements » dit-il. Hommes et femmes se regardent danser. Le contact avec le sol et le jeu des déséquilibres est quasi permanent. Les corps se touchent, la sensualité est là par le toucher, comme une clé de lecture de la proposition chorégraphique. Les figures ont quelque chose d’aérien et se déclinent, loin des stéréotypes, dans une dimension physique et acrobatique qui mêle tension et violence, ruse et conflit, attention et rencontre. Les énergies circulent, tant au masculin qu’au féminin dans ce combat sensuel et fratricide, en miroir.

Avec Submission, Adi Boutrous travaille sur « la perception des genres, des rapports conflictuels entre les gens, de la soumission à la réalité en lien avec les expériences vécues au quotidien » comme il le signifie. Derrière ce lien au réel, l’équilibre des pouvoirs et le rapport de force inscrivent la géographie du Moyen-Orient et ses fractures dans ces duos-duels en tension entre les danseurs. Hommes et femmes partagent le même espace, la symbolique est là. « En fait la survie dépend des liaisons entre les choses… Il est plus enrichissant – et difficile – de penser concrètement, chaleureusement, en contrepoint aux autres qu’à nous seulement. Mais cela implique de ne pas chercher à dominer, étiqueter, hiérarchiser ces autres, et surtout d’arrêter de répéter que notre culture, notre pays sont (ou ne sont pas) les premiers… » dit Edward W. Saïd, qui, comme Adi Boutrous appartient aux « deux univers sans être entièrement d’aucun »

Brigitte Rémer, 31 janvier 2019

Création et interprétation Avshalom Latucha, Adi Boutrous, Anat Vaadia, Stav Struz – conseillers artistiques, répétiteurs Anat Vaadia, May Zarhy – lumières Ofer Laufer – costumes Reut Shaibe – conception et montage bandes sonores Adi Boutrous – musique Francisco López/Untitled #168, Prince Conley/I’m going home, Entrance/Make me a pallet on your floor, Graham Lambkin /Glinkamix, Georgete da Mocidade/ Chuva na favela.

24 au 26 janvier 2019, au Théâtre de la Ville/ Théâtre des Abbesses, 31 rue des Abbesses, 75018 – métro Abbesses, Pigalle – Tél. : 01 42 74 22 77 – Site : theatredelaville-paris.com

Annette (oratorio)

Oratorio pour deux voix et un musicien – d’après les écrits de Annette Libotte – conception, réalisation, scénographie Pascale Nandillon et Frédéric Tétart – Atelier hors champ, à La Commune/Centre dramatique national d’Aubervilliers, hors les murs.

Annette Libotte fut internée à deux reprises, à sa demande, au Centre neuro-psychiatrique de Schaerbeek, en Belgique : en 1934, puis en 1939. Née en 1890, elle s’était mariée jeune et son mari, porté disparu lors de la guerre de 14/18, n’était pas revenu. Pendant son hospitalisation, entre 1941 et 1942, Annette Libotte noircit deux petits carnets dans une langue bien singulière. Ses écrits sont conservés au Musée d’art brut de Lausanne qui les a prêtés pour permettre ce travail. Ils font partie de la collection d’Art brut initiée par Jean Dubuffet. Anne Beyers dans les années 70 en fit une retranscription intégrale. C’est à partir de ce matériau que Pascale Nandillon et Frédéric Tétart ont imaginé cet Annette (oratorio).

Un plateau ouvert, plongé dans l’obscurité. Deux femmes, assises, face au public, dans le silence et la concentration. Le temps est suspendu. Côté jardin, un musicien entouré de ses instruments : un saxophone, un violoncelle posé sur une table, des percussions, un ordinateur. Au sol, des tapis de type caoutchouc, avec quelques traces.

Commence le texte de l’une, puis celui de l’autre qui est aussi l’une, une note stridente de l’autre qui est aussi l’une. La concentration est extrême et Je est aussi Elle… « Ce qui me constitue… » Le vocal croise le violoncelle. « Mon stylo suit les nuages » dit-elle. Écrire… Boîte aux lettres… Paje d’écriture. Des bribes de mots nous parviennent, certains s’inscrivent sur écran comme sur un tableau noir, en version originale, intraduisibles. L’écriture, orale et brute, s’écrit phonétiquement ou ne s’écrit pas, comme certaines langues africaines. Elle est image et extraordinairement poétique dans sa déconstruction, ses syllabes désarticulées, ses rythmes syncopés. Les propos sont décousus en même temps que logiques et le ludique côtoie le tragique. Annette Libotte coud beaucoup et rapporte le quotidien de la vie. On l’entend raccommoder, décrire les trous et les mailles. « La couture doit être en rapport… » Elle y ajoute des chiffres, le chiffre 5 a sa prédilection. On suit ses calendriers, ses jeux de carte, « pique et noir », son récit sur l’eau « l’eau claire notre corps en a besoin », la beauté, les déformations. « Inutile de subir les souffrances ». Noir total à un moment, suspension du spectateur pour traduire le blanc de sa pensée peut-être ou de la mémoire.

Les textes sont en duo, en canon, se superposent, se croisent, se disent et s’écoutent, s’annulent, sorte de voix intérieures. Les sons musicaux les accompagnent avec la même sensibilité fine, proposent, suggèrent. Les cahiers donnent une sorte de chronologie par l’annonce de certaines dates. L’une se lève, s’approche d’un guéridon posé à l’avant-scène, côté cour, prend un verre d’eau. Parfois survient une crise accompagnée d’un aigu, instant d’angoisse et de panique. Des stridences accompagnent ces moments de bascule. Partir. Revenir. « Là-bas dans le vent qui fait rage ». On entend le mot suicide. S’en aller. « Tu viens… » dit-elle à l’autre qui l’habite « pour ne plus être mélangée. » Déclarations, massacre des innocents.

Les actrices-chanteuses travaillent dans une absolue économie de gestes. Leur force est dans l’intensité de leur présence. Par elles, Annette Libotte devient une déesse et son expression s’appelle création. La fin du spectacle est un adieu à la guérison, « Je deviens méconnaissable. » La lueur d’une allumette éclaire son visage. Annette Libotte parle en Je. « Ce que je suis », « La parure que je préfère. » Avec compulsion, entre rituel et silence, elle prépare son au-delà : « Je suis sur la rive et je regarde voler les oiseaux. »

Annette Libotte fait penser à ceux qui, par leur chemin de Damas ont transcendé l’aliénation en œuvre d’art, Camille Claudel ou Antonin Artaud en tête, mais aussi tous les anonymes qui, par le dessin autant que par les mots, ont construit leur liberté, leur dignité. Comme si l’art avait redonné sens à leur vie. « La vraie création ne prend pas souci d’être ou de n’être pas de l’art » disait Jean Dubuffet qui a inventé le concept d’art brut, en 1945. Annette (oratorio) approche cette forme fragile de l’écriture pour en faire un spectacle, rare, tant dans sa conception que dans sa réalisation. On ne peut que féliciter ceux qui y ont contribué : Pascale Nandillon et Frédéric Tétart, maîtres d’ouvrage et maîtres d’œuvre, avec Sophie Pernette pour la voix et Juliette de Massy pour le chant, équipe dont nous avions repéré l’exigence des choix et du travail dans un précédent spectacle intitulé Les Vagues, d’après Virginia Woolf (cf. notre article du 10 mars 2016). L’Atelier Hors champ, qui travaille sur les lisières, est à suivre de près.

Brigitte Rémer, le 25 janvier 2019

Avec Sophie Pernette (voix), Juliette de Massy (chant), Frédéric Tétart (musique) – création lumière Soraya Sanhaji – costumes Odile Crétault – création logicielle Sébastien Rouiller

Du 25 au 30 janvier 2019, La Commune/Centre dramatique national d’Aubervilliers, hors les murs Salle des 4 Chemins, 41 rue de Lécuyer, Aubervilliers – Mardi et mercredi à 19h30, vendredi à 20h30, samedi et dimanche à 16h – En tournée : 8 février, Grand Théâtre de Calais – 10 et 11 mai, Théâtre des Quinconces/L’Espal-scène nationale du Mans – automne 2019, Le Lieu Unique/scène nationale de Nantes.

Le Dictateur et le Dictaphone

Texte Daniel Keene, traduction Séverine Magois, conception, fabrication et interprétation Alexandre Haslé, compagnie Les Lendemains de la veille, au Mouffetard/Théâtre des arts de la marionnette.

Après La Pluie, spectacle qu’il a présenté au début du mois de janvier au même endroit, au Théâtre Mouffetard (notre article du 13 janvier), Alexandre Haslé se met en scène, avec son p’tit vélo à guidon chromé dans la tête et ses marionnettes, pour la sixième création de la compagnie. Un texte, Le Dictateur et le Dictaphone, signé du même auteur australien, Daniel Keene, avec qui le metteur en scène a noué un étroit dialogue ; un travail sur la mémoire à partir de la figure d’un despote déchu, taraudé par ses fantômes ; un acteur manipulateur et son univers plasticien, avec les masques et marionnettes qui l’accompagnent.

Nous sommes dans un lieu vaguement désaffecté, type vieux garage. Une pyramide de caisses en bois côté jardin qui recèlent quelques trésors. Un canapé fatigué côté cour, aussi usé que la figure de celui qui se cale dedans, ce boxeur écrasé d’après combat, clown triste au peignoir déchiré. Au centre de la pièce, un chevalet sur lequel trône une toile, portrait ou autoportrait du protagoniste en uniforme, brassard rouge au bras gauche, sa gloire passée. Derrière, un lavabo et un miroir poussiéreux dans lequel l’homme ose se regarder encore.

Que fait l’homme ? Il s’empiffre pour fêter son anniversaire et s’enregistre dans un microphone col de cygne. Il témoigne de ses exploits et appelle ses démons, revient sur ses crimes. Le temps semble s’être arrêté. « Je n’ai jamais fait que ce qui était nécessaire. Les arrestations, les fusillades, les déportations. Qui s’y est opposé ? Personne. » Une bande son, des ritournelles nostalgiques. « Je me souviens que… » Dialogue avec ses marionnettes, sortant des caisses ou d’ailleurs, selon la taille. Un agresseur, une vieille dame, un mannequin au double visage, une petite fille, un chat, un renard. L’homme quitte son peignoir et revêt l’uniforme, copie conforme au tableau qui, à plusieurs reprises, s’écrase au sol et qu’il repose sur son chevalet, méthodiquement, y compris à l’envers.

Ce que dit le texte et le personnage sont en léger décalage. Sur le plateau l’homme est plus pitoyable que le dictateur de la fable, dans son ode à la mort. Comme dans le texte précédent, La Pluie, l’antisémitisme est sous-jacent. Une image forte et des plus significatives, est la représentation d’un charnier en quelques gestes, avec ce bouquet de petites figurines de mousse que l’homme tient dans la main et qu’il effeuille une à une, avant qu’elles ne vacillent dans une excavation commune, évocation d’une nécropole. « J’ai vu les morts, la haine sociale… » et le narrateur dont la raison s’envole, s’identifiant aux victimes : « Quel est mon nom ? Je suis le cri… » La toile expressionniste d’Edvard Munch soudain surgit. « Je sentais un cri infini qui passait à travers l’univers et qui déchirait la nature » décrivait le peintre.

Le Dictateur et le Dictaphone prolonge d’une certaine manière La Pluie, dans une écriture abstraite qui procède par petites touches. Le texte prend ici davantage le pas sur la manipulation alors qu’Alexandre Haslé acteur marionnettiste tente de conjurer le tragique.

Brigitte Rémer, le 28 janvier 2019

Du 16 janvier au 1er février 2019, au Mouffetard/Théâtre des arts de la marionnette, 73 rue Mouffetard, 75005. Métro : Place Monge – Tél. : 01 84 79 44 44 – www.lemouffetard.com

Collaboration artistique et création son et lumière Nicolas Dalban-Moreynas – dramaturgie Thierry Delhomme. Le texte est publié aux Éditions Théâtrales. Les 25 et 26 avril 2019, programmation dans le cadre de l’Agglomération montargoise et rives du Loing

Convulsions

Texte Hakim Bah – mise en scène Frédéric Fisbach – Ensemble Atopique II – à Théâtre Ouvert, Centre national des dramaturgies contemporaines.

En toile de fond la démesure de Sénèque et de sa pièce Thyeste, avec ses protagonistes : Atrée et son épouse Érope, Thyeste frère d’Atrée, dans une dramaturgie construite en séquences par l’auteur guinéen Hakim Bah. Six acteurs à l’avant-scène en guise de prologue, trois femmes et trois hommes, ouvrent le récit et commencent à raconter, sorte de chœur antique. Nous sommes dans une zone indéfinie, sorte d’entre-deux au bord d’un terrain de basket, peut-être.

Séquence 1 – Les femmes restent dans la lumière, les hommes disparaissent, la torture pour toile de fond. On assiste, par les échanges lointains de Thyeste et Atrée à la mise à mort en direct de leur frère dit bâtard. Le descriptif est cru, ils n’épargnent rien. Le récit, transmis par les femmes, passe par la figure du discours rapporté devenant dans l’écriture une ligne narrative, qu’on retrouve à différents moments : « Thyeste dit… Astrée dit… Thyeste dit… Astrée dit… » La tension dramatique est là, déjà. Un orage se déclare, avec une pluie de mousson qui à plusieurs reprises, ponctue le spectacle. Le langage est poétique, il se répète et revient en écho, lancinant.

Séquence 2 – Les femmes échangent longuement sur le thème de la violence conjugale à travers leurs expériences et sur la montée de cette violence « qu’on ne voit pas venir et qui culpabilise ». Les didascalies racontent, répètent, pénètrent dans le texte, deviennent commentaires. Le narrateur suggère, dialogue, fait des propositions et entre dans l’histoire.

Séquence 3 – On est chez Astrée et Érope, quelqu’un sonne à la porte, Érope ouvre. Entre le voisin, dans une sorte d’état second, fusil de chasse à la main. Il parle par énigmes. « Je pousse votre porte » dit-il léger et tendu. Cloué à son ordinateur et casque sur les oreilles, Astrée s’applique à ne rien voir et à ne rien entendre. Érope seule à bord fait des civilités et invente tous les chemins de traverses possibles pour meubler la conversation. Les coupures de courant deviennent un thème majeur, une invitation à boire, la proposition d’un repas qu’elle part préparer à la cuisine. La scène est assez cocasse. Érope occupe avec talent le terrain, tentant de faire diversion et de détendre l’atmosphère, espérant qu’Atrée viendra à son secours, car le ton monte. A la question banale du « Comment va votre femme » qu’elle lance poliment à l’homme, l’aveu : « Elle est morte…. Je l’ai tuée… » Et tandis qu’elle prépare le repas, le voisin s’approche d’Atrée, l’accuse d’adultère avec sa femme, et le menace. « Je vais encore tuer » annonce-t-il. Passage de relais dans les rôles d’Érope, du voisin et du narrateur, au risque de se perdre dans les personnages, mais qu’importe ? Empoignades entre les deux hommes. Le voisin ici se superpose à Thyeste, la tension augmente et la tragédie se poursuit. Un malheur n’arrivant jamais seul, Thyeste séduit Érope. Les deux frères se déchirent. « Atrée dit…. Thyeste dit… » Atrée se venge et envoie Thyeste en exil.

Séquence 4 – Atrée promet à Érope les Amériques. Le jeu de la naturalisation américaine – avec speakerine en robe rose pailletée – comme une roue de la fortune tourne en leur faveur. On les retrouve dans la salle des visas, au consulat, attendant les résultats de l’analyse ADN demandée sur l’enfant qui entretemps est né, pour l’obtention des visas. Quand ils tombent, le déni de paternité précipite Atrée dans une rage sauvage et une violence destructrice. Il torture Érope jusqu’à l’extrême, et ayant rappelé d’exil son frère, lui en fait le récit détaillé.

Séquence 5 – La pseudo réconciliation préméditée autour d’un banquet rejoint le tragique, anthropophagie en plus. Astrée avoue à Thyeste que ce merveilleux plat de viande servi et dégusté est en fait son enfant, car Thyeste est désigné comme géniteur. La tragédie pourrait pourtant vite se changer en tragi-comédie comme le sable en or, dans une version shakespearienne de Titus Andronicus. Le consulat américain en effet vient s’excuser de son erreur dans la transmission des résultats ADN. Atrée est confirmé comme père. L’auteur brouille les pistes et justifie la violence. Il emmène le spectateur de trous d’air en turbulences, aime à le perdre entre changements de rôles et de points de vue, joue entre guerre et paix.

Avec Convulsions, qui a obtenu le Prix RFI/Théâtre en 2016, le jeune dramaturge Hakim Bah, poète et nouvelliste, livre la troisième pièce issue de sa trilogie, les deux précédentes étant Ticha, Ticha qui s’inspire entre autres de Médée, et La Nuit porte caleçon évoquant les rapports de force et de pouvoir. Hakim Bah présente en France son travail théâtral depuis 2012. La force de ses textes a très vite été repérée par les opérateurs culturels issus de l’espace francophone : Les Francophonies de Limoges, Le Tarmac, Écritures en partage, Radio France Internationale. Le Tarmac l’a accompagné à diverses reprises et encore en novembre dernier, en présentant sa pièce Fais que les étoiles me considèrent davantage, un conte philosophique et récit d’aventures, dans une mise en scène de Jacques Allaire. Tous ses textes plongent dans la violence des rapports humains comme élément dramatique et Convulsions, n’y échappe pas. Le texte est d’une grande puissance poétique.

Le spectacle a été joué l’été dernier, dans le cadre du Festival Avignon Off. La mise en scène de Frédéric Fisbach, dans son invention du présent, met en relief l’écriture et les acteurs, tous d’horizons différents, dans une sensibilité collective où chacun s’invente et trouve sa place. Les rapports entre eux sont horizontaux, vivants, ludiques malgré la tragédie, et gardent quelque chose de primitif dans l’agitation violente et le trouble soudain contenus dans chaque ligne du texte.

Brigitte Rémer, le 27 janvier 2019

Avec Ibrahima Bah, Maxence Bod, Madalina Constantin, Lorry Hardel, Nelson-Rafaell Madel, Marie Payen – Dramaturgie Charlotte Lagrange – scénographe Charles Chauvet – créatrice lumière Léa Maris – créatrice son Estelle Lembert – assistant à la mise en scène Imad Assaf – Le texte est édité par Théâtre Ouvert/éditions Tapuscrits, co-édition RFI.

Du 18 janvier au 9 février 2019 : Théâtre Ouvert / Centre national des dramaturgies contemporaines, 4 bis, cité Véron, 75018 – Métro : Pigalle – Tél. : 01 42 55 55 50 – Site : www.theatre-ouvert.com

Le Faiseur de Théâtre

Texte de Thomas Bernhard – traduction en français Édith Darnaud – mise en scène Christophe Perton – compagnie Scènes et Cités.

Bruscon, le héros de la fable, rivalise-t-il de causticité avec son auteur Thomas Bernhard, ou l’inverse ? Né en 1931, l’auteur autrichien devenu écrivain par l’influence de son grand-père, Johannes Freumbichler, qui l’était lui-même, publie ses premiers textes dans un journal de Salzbourg en 1950, son premier recueil de poèmes en 1957, son premier roman, Gel, en 1965. Entre temps, malade des poumons il frôle la mort et passe un long temps dans un sanatorium. Après sa sortie il reprend ses études de musique – il étudie le violon et le chant – et voyage, notamment dans les pays de la Méditerranée qu’il affectionne particulièrement. Il obtient en 1970 le Prix Georges Büchner. Il meurt en 1989 à l’âge de cinquante-huit ans, en Haute Autriche. Son irritation et son ironie pour marques de fabrique, se superposent à celles de ses personnages.

Le comédien d’État du Faiseur de Théâtre, Bruscon, directeur d’une troupe quasi fantôme composée de sa femme et de ses deux enfants, et armé d’un ego démesuré, s’inscrit dans la même veine que d’autres héros de Bernhard : l’acteur du Burgtheater dans Des arbres à abattre – une soirée en forme de veillée funèbre de toute une génération artistique – celui de Minetti, portrait d’un acteur vieillissant voulant « jouer Lear, encore une fois le jouer, une fois rien qu’une, et puis plus. » De mépris en férocité, l’auteur à la carrière émaillée de scandales met en scène de grands fulminateurs perfectionnisto-dépressifs et détestateurs du genre humain, jetant leur venin sur ce qui les entoure. Le Faiseur de Théâtre, Bruscon, n’y échappe pas : « Ces rôles je les ai écrits sur mesure pour mon fils cet anti-talent, tout comme les rôles pour ma fille sans parler des rôles que joue ma femme anti-talentisme gigantesque ! » vocifère-t-il.

Thomas Bernhard aime les huis clos : une salle à manger et une famille pour Déjeuner chez Wittgenstein, l’enfermement politique et le nazisme pour Place des Héros, l’intelligentsia et le milieu artistique pour Des arbres à abattre, trilogie mise en scène par Krystian Lupa en 2016. De nombreux metteurs en scène s’affrontent à Thomas Bernhard. Le Faiseur de Théâtre, est une sorte de soliloque dans lequel Bruscon, s’apprêtant à donner une représentation dans une petite ville de province décentrée – l’imprononçable Utzbach – enrage et dénigre tout et tout le monde. Le théâtre aux ors défraîchis, sorte de réplique du Dejazet en ce qui concerne la scénographie, n’est pas à la hauteur car l’intendance ne suit pas, lumière et son en tête. La représentation du soir, de son spectacle La Roue de l’Histoire, est mal partie d’autant que sa femme, actrice, ne cesse d’être secouée de quintes de toux. L’allusion à son amie intime, Hedwig Stavianicek, rencontrée au sanatorium de Grafenhof en 1950, est sous-jacente : en 1984, alors que Bernhard écrit Le Faiseur de Théâtre, Hedwig est en train de mourir. L’histoire, par là-même, se superpose à la vie.

André Marcon, acteur de grande virtuosité dans les textes qu’il sert – Valère Novarina, Georg Büchner, Paul Claudel et bien d’autres – n’a rien à prouver. Il porte avec brio le rôle de cette fin de partie sorte de Hamm beckettien glorieux et déchu qui s’épuise en reproche, provocation et agressivité. Pourtant, ce rôle de père, despote et bouffon, celui d’artiste grinçant au génie sans doute épuisé, a du mal à émouvoir. A-t-on trop entendu grincer Thomas Bernhard ou est-ce l’omnipotence de ses héros envolés, ici de Bruscon écrasant tout, qui rend l’ensemble pesant ? Sa femme et ses enfants aux ordres ont beau s’affairer et faire de leur mieux, leur époux et père-ogre les dévore. Ils sont comme des papillons essayant de se poser sur quelque fleur. Christophe Perton s’attaque au sujet en toutes connaissances de cause, il a rencontré l’univers de Thomas Bernhard en 2017, avec sa pièce Au but, qui entremêle aussi famille – une mère et sa fille – et théâtre – elles rencontrent l’auteur de la pièce qu’elles ont vue. « Le théâtre est une perversité plusieurs fois millénaire dont l’humanité raffole, et elle en raffole si fort, parce qu’elle raffole si fort de son mensonge. Et nulle part ailleurs dans cette humanité le mensonge est plus grand et plus fascinant qu’au théâtre ” signé Thomas Bernhard. Si le théâtre est mensonge, il n’est pas exclu qu’on ait parfois du mal à y croire.

Brigitte Rémer, le 22 janvier 2019

Avec : André Marcon, Bruscon, faiseur de théâtre – Barbara Creutz Madame Bruscon, faiseuse de théâtre – Ferruccio, leur fils, Jules Pelissier – Agathe L’Huillier leur fille – Éric Caruso l’Hôtelier, Erna, sa fille, Manuela Beltran. Scénographie Christophe Perton, Barbara Creutz – création son Emmanuel Jessua – création costumes Barbara Creutz, assistée de Pauline Wicker – collaboratrice artistique Camille Melvil – régisseur général Pablo Simonet – administratrice de production Cendrine Forgemont – Le texte est publié aux Éditions de L’Arche.

14 janvier au 9 mars 2019, du lundi au samedi à 20h30, Théâtre Dejazet, 41 Bd du Temple, 75003 – Métro République – Informations réservations : 01 48 87 52 55 – Site www.dejazet.com – En tournée : 12 mars, Maison des Arts du Léman, Thonon-les-Bains – 15 mars Théâtre Liberté, Toulon – du 9 au 13, Théâtre des Célestins, Lyon.

Wonderful One

Chorégraphie Abou Lagraa, Compagnie La Baraka, à Chaillot-Théâtre national de la danse.

Deux parties composent le spectacle et s’enchaînent après une courte pause lumière. La première met en vis-à-vis un duo de danseurs, l’un grand et charpenté, l’autre plus petit et étroit. Une construction en pierre, blanche, de type cabane dimension jeux d’enfants ou semblable par son carré parfait à un socle évidé pour statue, défini le territoire que les deux hommes s’arrachent, comme deux fauves, dans une vive tension, une certaine ruse et un grand paroxysme. Combat autant que danse, la pièce construit ce dialogue entre désirs et contradictions, violences et provocations, en plusieurs phases.

Musique et chorégraphie s’interpénètrent sur l’œuvre de Claudio Monteverdi, Le Combat de Tancrède et Clorinde, dont la première représentation eut lieu lors du carnaval de Venise de 1624 et dans laquelle « Tancrède, prenant Clorinde pour un homme, veut se mesurer avec elle dans l’épreuve des armes » dit le livret. Le narrateur raconte le combat de Tancrède, preux chevalier, contre Clorinde, belle musulmane déguisée en soldat, dont il est amoureux. Seule connexion à l’histoire, ici, la différence de morphologie des danseurs qui appelle ce féminin-masculin. « Toi, qui mets tant d’ardeur à me poursuivre, que veux-tu ? » demande Clorinde. « La guerre et la mort » répond Tancrède. L’œuvre est théâtrale et les danseurs, Ludovic Collura et Pascal Beugré-Tellier, l’habitent, en toute liberté, dans un duo-duel de belle intensité. La notation chorégraphique suit de près la notation musicale, dans un travail de haute précision qui, à de courts moments, se glisse dans le mélodrame.

La fin du duo est marquée par l’entrée d’une femme qui prend place auprès des danseurs immobilisés, faisant le lien avec la seconde partie. Suspension quelques minutes, le temps de la mise en place d’éléments scénographiques : trois grands praticables, mobiles et en métal, représentation de moucharabiehs qui ont pour fonction de cloisonner les espaces et les mondes (scénographie Quentin Lugnier, créateur lumière Marco Giusti). Deux danseuses de l’autre côté, et un danseur, tracent leurs chemins à travers les interdits (Sandra Savin, Antonia Vitti et Ludovic Collura). Les femmes marchent, avec détermination. Jeux de séduction, regards, ressassement, observation, jalousies, réconciliation, déplacements des praticables qui enferment, changements de direction. Différentes couleurs musicales, toutes issues du Moyen-Orient, accompagnent ces rencontres et ruptures, provocations, incitations, excitations : le chant byzantin de Sœur Marie Keyrouz la Libanaise, les mélopées classiques de L’Astre d’Orient, l’Égyptienne Oum Kalthoum accompagnée de son grand orchestre, les Percussions de Fez qui entraînent les danseurs dans une transe finale fermant le spectacle.

Depuis ses premières pièces avec sa compagnie La Baraka qu’il a fondée en 1997, Abou Lagraa, chorégraphe et danseur, dialogue avec les artistes qui l’entourent et creuse son sillon. Il monte depuis plusieurs années des projets avec l’Algérie, revenant à la source, crée le Ballet contemporain d’Alger en 2010. Il y présente Nya, une première pièce et y puise son inspiration pour El Djoudour/Les Racines, spectacle montré pour l’ouverture de Marseille-Provence 2013, Capitale Européenne de la Culture, puis à Chaillot. Artiste associé dans plusieurs centres chorégraphiques, Abou Lagraa et sa compagnie habitent un nouvel espace dédié à la création, la Chapelle Sainte-Marie, à Annonay. Avec Wonderful One/Un Merveilleux, danseuses et danseurs passent de l’état guerrier à l’état amoureux avec beaucoup de flexibilité et de virtuosité, se croisant sur le thème du masculin-féminin.

Brigitte Rémer, le 20 janvier 2019

Avec Pascal Beugré-Tellier, Ludovic Collura, Sandra Savin, Antonia Vitti – scénographie Quentin Lugnier – lumières Marco Giusti – costumes Maïté Chantrel – crédits musicaux : Le Combat de Tancrède et Clorinde de Claudio Monteverdi, Sœur Marie Keyrouz, Oum Kalthoum, Percussions de Fez – Musique additionnelle et arrangements musicaux Olivier Innocenti.

16 au 24 janvier 2019, à Chaillot-Théâtre national de la danse, 1 Place du Trocadéro, Paris – Tél. : 01 53 65 30 00 – Site www.theatre-chaillot.fr

L’absence de guerre

Texte David Hare, traduction Dominique Hollier, mise en scène Aurélie Van Den Daele, Compagnie Deug Doen Group, Théâtre de l’Aquarium/La Cartoucherie.

L’action se passe au Royaume-Uni. Le parti travailliste, parti d’opposition, est en campagne électorale et son leader, Georges Jones, sur la dernière ligne droite, figure au plus haut dans les sondages. Il a l’arrogance du rôle. Toutes les chances sont de son côté, dit-on. Entouré de son QG de campagne, hautement chargé de communication, il déploie des stratégies méphistophéliques pour achever la tâche et attirer les électeurs. La pièce nous place au cœur du combat politique, dans les coulisses de l’exploit visé, et des dérives morales et politiques qui vont avec. La moulinette de la communication est permanente et le paraître est roi.

Beaucoup d’excitation sur le plateau dès le départ, beaucoup de démonstration. Tous les atouts sont sur la table tels que séduction, conviction, organisation, obsession. Puis le vent tourne, sous couvert de guerres intestines, et s’amorcent les déresponsabilisation, trahison, compromission et corruption. Joker ! Suite au débat télévisé raté du candidat Georges Jones contre son adversaire conservateur, Charles Kendrick, les derniers idéaux et faux-semblants s’écroulent, avec le candidat. Et le staff se délite. De cette Absence de guerre entre les deux leaders naît la pièce.

Auteur, metteur en scène et réalisateur britannique bien connu dans son pays, David Hare, auteur de la pièce, qu’il écrit en 1993 à partir d’un fait réel qu’il a lui-même traversé, a pour terrain d’écriture les excès du capitalisme et du politique. Observateur du monde dans lequel il vit, il se positionne à gauche et témoigne, sur un mode réaliste. Il est de la génération qui succède aux dramaturges John Osborne et Arnold Wesker, monte ses propres pièces à partir des années 70 puis développe son travail dans les théâtres nationaux. Il écrit aussi des scénarios et a créé dans les années 80, une maison de production.

Dans le travail de mise en scène proposé par Aurélie Van Den Daele, au-delà du plateau, l’image tient une place importante. L’équipe en campagne suit son candidat et le traque avec une caméra qui retransmet les images sur écran, jusqu’au fond des coulisses, pour mieux le vendre. La mise en scène suit la courbe électorale, copie conforme à la réalité.

A l’heure où nombre d’entre nous s’estiment floués par les politiques, toutes tendances confondues, de l’air frais ferait du bien. Il n’est pas sûr que l’air vicié de l’arène politique, en arrêt sur image, bouleverse. Ici tout est consommé avant que ne se joue la partie, le sur-jeu du début place les pions sur l’échiquier bien connu du rapport de force et de l’arrogance, avec des personnages-fantoches. La pièce prend une direction intéressante quand la fêlure s’installe chez le candidat Jones (Sidney AliMehelleb) et que le doute commence à l’habiter, quand tombe le masque et que l’acteur-candidat s’écroule, que chacun se révèle. Mais il est tard.

Il n’est pas sûr que la vérité hystérique serve la vérité historique, ni que le cœur d’une organisation politico-médiatique soit, dans son effet miroir, captivante. On sait que la réalité souvent dépasse la fiction, alors, traversons la Manche où nous avons tellement de tribunes en ce moment, sachant qu’il n’y a peut-être plus de fables auxquelles croire, et peut-être plus rien à dire.

Brigitte Rémer, le 21 janvier 2019

Avec Émilie Cazenave, Mary Housego attachée de presse de Georges Jones et Véra Klein vieille militante du parti travailliste – Grégory Corre, Malcolm Pryce, Ministre des finances du cabinet fantôme – Julien Dubuc, cadreur plateau – Grégory Fernandes, Andrew Buchan, aide de Georges Jones – Julie Le Lagadec, Gwenda Aaron, la secrétaire de Georges, Line Franck personnalité médiatique – Trevor Avery, garde du corps de Georges Jones – Alexandre Le Nours, Oliver Dix, conseiller politique Georges Jones – Sidney Ali Mehelleb, Georges Jones – Marie Quiquempois, Lindsay Fontaine, conseillère en publicité/image – Victor Veyron, Bryden Thomas, membre du parti travailliste et Charles kendrick leader du parti travailliste.

Du 8 janvier au 3 février 2019, du mardi au samedi à 20h – le dimanche à 16h – Théâtre de l’Aquarium, La Cartoucherie Route du champ de manœuvre – 75012 Paris. Tél. : 01 43 74 72 74 et 01 43 74 99 61 – www.theatredelaquarium.com – En tournée : 21 mars, La Faïencerie/Creil – 2 et 3 avril, Théâtre Les Îlets/CDN de Montluçon – 5 avril, Fontenay en scènes – 9 au 12 avril, Théâtre de la Croix Rousse à Lyon.

La vie trépidante de Laura Wilson

Texte Jean Marie Piemme – mise en scène Jean Boillot – Le NEST-centre dramatique national transfrontalier Thionville/Grand Est, à La Commune – centre dramatique national, Aubervilliers.

Créé en 2017 pour Avignon-Off, La vie trépidante de Laura Wilson est à l’affiche à Aubervilliers et en tournée en France. Dix-huit mois plus tard, l’histoire colle exactement aux tourments sociaux d’aujourd’hui, on pourrait trouver Laura Wilson sur les ronds-points. C’est une femme qui perd son emploi, son mari d’avec lequel elle se sépare, son appartement, et jusqu’à la garde de son fils. Il lui reste son énergie, de l’humour, des rêves et des envies, de la fraternité. Elle bataille pour se reconstruire entre petits boulots, solidarités, emménagement dans un studio, rencontres fugitives.

Ce scénario noir pourrait avoir la lourdeur du quotidien et s’inscrire dans le catastrophisme. Jean Marie Piemme l’écrit avec humour et légèreté en même temps qu’avec humanité et vérité. Il livre des fragments de vie d’une belle intensité entrecroisant les récits avec la complexité d’un scénario dont Laura est co-auteur. Entourée de trois amis, elle s’implique en effet dans l’écriture, à la recherche du mot juste et des différents possibles du script, ce qui la place à la croisée des chemins pour penser, écrire et vivre sa propre histoire.

Cette distance d’avec ses tourments que sont la quête d’identité, de dignité et de travail, passe aussi par la peinture. L’auteur permet à son héroïne d’avoir une véritable révélation devant deux tableaux de Pieter Bruegel l’Ancien, deux chefs-d’œuvre des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique : La Chute des anges rebelles où l’archange Michel assisté de deux anges précipitent les anges rebelles transformés en personnages fantasmagoriques, dans les Enfers ; et Paysage d’hiver avec patineurs et trappe aux oiseaux, le thème du paysage hivernal, de la glace et de sa menace pour les oiseaux représentant la précarité de la vie. Ce choc esthétique l’aide à vivre.

Familier de l’écriture de Jean-Marie Piemme, né en Belgique, dont il a déjà monté trois pièces, La vérité, l’heure du Singe et Le sang des amis, Jean Boillot donne à la mise en scène un tempo enjoué et piquant, version rodéo. Laura Wilson – excellente Isabelle Ronayette, très punchy – mène la danse, on la suit avec intérêt et admiration à travers ses réalités et ses espérances en montagnes russes. Cette saga sociale est ponctuée de chansons, l’un des acteurs, Hervé Rigaud, compositeur-interprète chantant et jouant en live – particulièrement de la guitare – stimule le plateau et soutient ses partenaire, Philippe Lardaud et Régis Laroche, à travers leurs différents personnages.

La théâtralisation – l’écriture du scénario d’une part, la peinture d’autre part – permet la distance et détourne le tragique. Elle est habitée de la complicité entre les acteurs et de leur fluidité, de la vitalité d’une héroïne, simple, banale et combative. L’histoire est d’une belle densité, servie aussi par une scénographie efficace et intelligente – de Laurence Villerot – de la salle de réunion aux figures imposées par la musique, – haut-parleur, instruments, pédale, clavier, ordinateur -. Quelques images vidéo prises en direct par les comédiens, complètent ce travail sans esbroufe, sympathique et percutant. On pense au cinéma social de Ken Loach.

Brigitte Rémer, le 19 janvier 2018

Avec : Philippe Lardaud, Régis Laroche, Hervé Rigaud, Isabelle Ronayette – compositeur interprète Hervé Rigaud – scénographie et costumes Laurence Villerot – collaboration vidéo Vesna Bukovcak – créateur lumière Pierre Lemoine – régisseur lumière Jérôme Lehéricher, Benoît Peltre – régisseur son Perceval Sanchez – construction décors Ateliers du Nest – avec la participation du Chœur en Liberté des Libertés chéries.

Du 10 au 18 janvier 2019, Mardi, mercredi, jeudi 19h30 vendredi 20h30, samedi 18h dimanche 16h, à La Commune-centre dramatique national, Aubervilliers, 2 rue Édouard Poisson. Métro : Aubervilliers-Pantin Quatre Chemins – Tél. : 01 48 33 16 16 et 03 82 82 14 92 – www.nest-theatre.fr – En tournée : 22 janvier Le Préau/CDN de Vire/Normandie – 26 janvier Espace culturel André Malraux, Le Kremlin-Bicêtre – 29 janvier Transversales/Verdun – 1er et 2 février Équilibre/Nuithonie, Fribourg/Suisse – 6, 7, 8 février Comédie de l’Est/CDN de Colmar/Alsace – 13 au16 février Théâtre national de Liège/Belgique 28 février et 1er mars Opéra Théâtre de Metz – 7, 8, 9 mars Théâtre national de Nice/CDN – 14 mars Théâtre de la Madeleine/Troyes – 16 mars Bords II Scènes/Vitry-le-François – 28 mars ATP Vosges/Épinal – 4 avril Le Nouveau Relax/scène conventionnée de Chaumont – 9 avril Théâtre d’Aurillac – 24 avril Le Manège/scène nationale de Maubeuge.

Saison sèche

Dramaturgie et mise en scène Phia Ménard et Jean-Luc Beaujault, Compagnie Non Nova, à la MC93 Bobigny, en partenariat avec le Théâtre de la Ville/Paris.

Un prologue ouvre le spectacle en la personne de Phia Ménard, ange annonciateur qui se présente à l’avant-scène avant l’ouverture du rideau, pour lancer au public une drôle d’apostrophe : « Je te claque la chatte. » Nous ne sommes pas chez Léonard de Vinci et elle repart aussi naturellement qu’elle est venue. Comme dans l’avertissement précédant le film documentaire de Jean Rouch, Les Maîtres-fous, dont elle se sent proche, Phia Ménard pourrait ajouter : « Sans concession ni dissimulation. » Une saison en enfer incontestablement se prépare.

Une première séquence plaque au sol comme des insectes qui craignent la lumière, les sept danseuses, au fond d’une boîte blanche dont le plafond monte et descend. Au fil des séquences ce volume se transforme jusqu’à devenir une grande nef, illusion, folie ? Nues sous leurs courtes chemises, elles pourraient être crapauds ou cafards, impressionnent par leurs sursauts. La notion d’enfermement prédomine. Dans la seconde séquence les chemises s’envolent. Dénudées, les danseuses font cercle et se maquillent le visage et le sexe, chacune est une couleur : rouge, vert, bleu, marron, rose, gris, blanc ; certaines se griment d’une moustache évocatrice, toutes se barrent les seins d’un trait de peinture significatif. La dynamique et les mouvements qui suivent sont d’ensemble, elles frappent le sol des pieds et scandent le tempo. Quelques tableaux s’ébauchent, furtivement, l’image d’un Christ en croix entouré de pleureuses. Parfois l’une ou l’autre se détache du groupe pour une performance dansée.

La séquence suivante introduit un rituel de prise d’habit et de possession. Chaque danseuse récupère un cintre sur lequel repose son vêtement. Elles s’habillent, chacune à son rythme et à sa manière. Chaque femme devient homme et personnage, au masculin. Glissement de genre : le sportif, le curé, le pompier, le chef des pompes funèbres ou chef d’orchestre en smoking noir. Une interaction se crée entre les personnages, artifice de salutations selon clichés ambiants et rituel du milieu qu’il représente : on se serre la main, on se congratule et on s’encourage en se tapant le dos, on bénit. Le plafond blanc monte, le tapis, d’immaculé, a des trainées de couleurs. L’imaginaire et le concret se côtoient, entre Boccace et Dante, de l’érotisme égrillard au tragique, des visions aux rêves sacrificiels. Dans la mécanique de provocation, les déesses infernales tout droit sorties du Décaméron, s’avalent et se digèrent entre gestes amoureux et actions persécutrices, sur fond de musiques répétitives et lancinantes aux forts décibels.

Suit une séquence militaire réglée au cordeau, avec rangée de bottes et uniformes. Les danseuses se déplacent en ligne, à la Soviet, du fond de scène à l’avant-scène, avant, arrière, diagonale, retour, pivot pour inverser le sens, regards dans la même direction. On se croirait dans une conscription ou une cour de prison. Le pas est rectiligne, sans chaloupe, le décor a perdu ses murs blancs devenus gris et sont couverts de meurtrières. Lumières, aveuglements et montée militaire au paroxysme avant disparition et silence inquiétant.

Pris d’hallucinations, le public constate l’apparition de tâches sur les murs, qui s’élargissent et gonflent petit à petit, l’humidité gagne. De l’arrière de la structure aux murs de papier sortent des bras comme des sémaphores, ou comme des termites détruisant les façades les unes après les autres. Un liquide semblable à la poix sort des archères de manière continue, envahit le plateau et laisse comme une ville détruite. Vision de désolation, de guerre et d’abandon, quartier de Homs ou Bataclan après tuerie, sur fond de chanson douce, contrepoint que Phia Ménard, artiste inclassable apporte (cf. UC article sur Les Os noirs du 21 avril 2018) à travers sa vision-sombre-forêt née de son itinéraire. « Je me suis allongé dans la boue. Je me suis séché à l’air du crime. Et j’ai joué de bons tours à la folie » dirait Rimbaud.

Brigitte Rémer, le 17 janvier 2019

Création et interprétation Marion Blondeau, Anna Gaïotti, Elise Legros, Phia Ménard, Marion Parpirolles, Marlène Rostaing, Jeanne Vallauri, Amandine Vandroth – composition sonore et régie son Ivan Roussel – création lumière Laïs Foulc – régie lumière Olivier Tessier – régie générale de création Benoît Desnos – régie plateau Benoît Desnos, Mateo Provost, Rodolphe Thibaud – scénographie Phia Ménard – construction décor et accessoires Philippe Ragot – costumes et accessoires Fabrice Ilia Leroy – photographies Jean-Luc Beaujault – régisseur général Olivier Gicquiaud et l’équipe technique de la MC93.

Du 10 au 13 janvier 2019, MC93 Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis/Bobigny, 9 Bd Lénine – Métro : Bobigny-Pablo Picasso – Tél. : 01 41 60 72 72 – Site www.MC93.com