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Tropique de la violence

© Victor Tonelli

D’après le roman de Nathacha Appanah – adaptation et mise en scène Alexandre Zeff, compagnie La Camera Oscura. Théâtre 13/Bibliothèque.

Sa mère venait des Comores. Destination Mayotte à bord d’une barque précaire. A l’arrivée, elle dépose son bébé, Moïse, l’enfant à l’œil vert et noir de peau, auprès de Marie, infirmière à la peau blanche qui n’ayant pu avoir d’enfant, veillera sur lui. Pourtant c’est une béance qui s’ouvre et une incessante quête d’identité.

On retrouve Moïse en prison où il est enfermé pour une quinzaine d’années et l’on remonte le cours de son histoire… Marie meurt brutalement quand Moïse a tout juste quinze ans. Il se met à fréquenter le bidonville qu’on appelle Gaza, une zone de non-droit où vivent plus de trois mille mineurs isolés, organisés en bandes qui commercent et se défoncent.

© Victor Tonelli

« Rien de positif, le pays ressemble à une poussière incandescente » dit le texte. Le cercle bien connu chômage, misère, délinquance, drogue, violences semble inéluctable, et pour Moïse, dit Mo la cicatrice, l’errance et la peur, le racisme. Bruce, autoproclamé le roi de Gaza, le prend d’abord sous son aile et assure son initiation. Puis le vent tourne et le caïd met en œuvre à son encontre mépris, humiliations, harcèlement, viols répétés et jusqu’à la torture, piétinant ses quinze premières années protégées.

Deux autres discours s’entrelacent, celui d’un humanitaire du mouvement Pour une alternative non violente qui après avoir tenté d’accompagner les jeunes, jette l’éponge suite à de nombreux heurts et à la mise à sac de son local, celui d’un flic tout aussi pessimiste. Derrière la carte postale du plus beau lagon du monde aux vastes massifs coralliens, Mayotte endroit délaissé, montre une nature défaillante, une terre fracturée, des éléments qui parfois se déchaînent, entre pluies, vents et tonnerre, une violence exacerbée et extrême.

C’est ce que donne à voir le spectacle dans une démarche artistique pluridisciplinaire où l’image se mêle à la musique, où l’acteur fait corps avec une nature inhospitalière, portant le texte d’une grande poésie. Quand la mère apparaît à l’écran et chante elle apporte l’émotion, la sienne et la nôtre « Les mots sont une prière ». Quand le batteur-oiseau perché sur le flamboyant sonne le tocsin et la révolte au moment où Moïse s’écroule dans la lagune, pourtant la vie se poursuit. Quand le caïd grimpe tout en haut du théâtre, et jusqu’au gril, il déploie sa toute-puissance, prêt à « cogner la vie » et à « crever sans regret. »

Journaliste et romancière, Nathacha Appanah est née à l’Île Maurice en 1973, elle est arrivée en France à l’âge de vingt-cinq ans. Publié en 2016, Tropique de la violence a reçu de nombreuses récompenses, comme ses précédents romans, Les Rochers de Poudre d’Or, en 2003 et Dernier Frère en 2007. Alexandre Zeff s’est emparé de son écriture métaphorique et a composé un univers aussi sombre que l’est l’ouvrage, dans sa désespérance. La violence est partout pour Moïse, balloté au fil des rencontres, dans une société qui se délite : dans la mère d’abandon puis la mère d’adoption très tôt disparue, dans un pays laissé pour compte, dans une jeunesse perdue et les bandes qui la pervertissent, dans le racisme où paroles blanches et peau noire se contredisent.

– © Victor Tonelli

Sur le plateau la violence est, le metteur en scène réussit à la maîtriser autour du parcours chaotique de Moïse (Alexis Tieno), rongé par la peur, la faim, la marche et les cauchemars et autour de la provocation incessante de Bruce-le-caïd (Mexianu Medenou) couronnée par leur corps-à-corps allant jusqu’à la mort. Tous deux portent le spectacle avec talent, accompagnés des acteurs Thomas Durand et Assane Timbo, de l’actrice-chanteuse-guitariste Mia Delmaë, de la percussionniste japonaise Yuko Oshima en alternance avec Blanche Lafuente. La mise en images, dans une création vidéo de Muriel Habrard et Alexandre Zeff est puissante, la scénographie et les lumières de Benjamin Gabrié élaborent des espaces sensibles mettant en action cette tragédie d’un quotidien aux vies brisées.

Investi dans des programmes dits de cohésion sociale, Alexandre Zeff développe son écriture théâtrale avec justesse en dessinant les contours d’une géographie incertaine, entre les Comores et Mayotte, territoire français. Dans le déplacement des populations auquel le texte fait référence, le metteur en scène s’empare en arrière-plan de la question de l’inégalité des chances et du décalage entre rêve et réalité, sans en altérer le souffle poétique.

Brigitte Rémer, le 21 septembre 2022

Avec : Mia Delmaë, Thomas Durand, Mexianu Medenou, Alexis Tieno, Assane Timbo – percussionniste Yuko Oshima et Blanche Lafuente en alternance – scénographie et lumière Benjamin Gabrié – collaboration artistique Claudia Dimier – dramaturgie Noémie Regnaut – création vidéo Muriel Habrard, Alexandre Zeff – assistants vidéo Jules Beautemps, Sara Jehane Hedef – création musique et son Mia Delmaë, Yuko Oshima, Guillaume Callier, Vincent Robert – régie plateau et coordination Damien Rivalland – assistante à la mise en scène et dramaturgie Leslie Menahem – assistante à la mise en scène et coordinatrice Cécile Cournelle – assistante à Mayotte Anne-Laure Mouchette – stagiaire mise en scène Adèle Sierra – régisseur général Sylvain Bitor – régisseur son François Vatin – costumes Sylvette Dequest – maquillage et effet spéciaux Sylvie Cailler – collaboratrice chant Anaël Ben Soussan – chorégraphie de combat Karim Hocini – dressage animalier Victorine Reinewald – construction décor Suzanne Barbaud, Yohan Chemmoul, Benjamin Gabrié.

Du 14 au 30 septembre 2022, Théâtre 13/Bibliothèque, 30 rue du Chevaleret. 75013. Paris – du lundi au samedi à 20h, samedi à 18h, relâche le dimanche. En tournée : Espace BM. Koltès, Metz, 13 et 14 octobre – Théâtre de Chelles, 21 octobre, Célestins Théâtre de Lyon, 23 au 27 novembre – Le Théâtre, Laval, 8 décembre – Centre Duhamel, Vitré, 5 janvier 2023 – Théâtre Jean Arp, Clamart, 12 et 13 janvier 2023 – Le Carré Magique, Lannion, 2 mars 2023 – Théâtre Sénart, 22 au 24 mars 2023.

Le grand Chœur du Canto General à la Fête de l’Humanité

© BR

Oratorio composé par Mikis Theodorákis sur les poèmes de Pablo Neruda – direction musicale Jean Golgevit – avec le Grand Chœur de Bretagne et d’Occitanie – solistes, Gabriela Barrenechea mezzo-soprano, Jean-Luc Kerouanton, baryton.

Le peuple en majesté titrait le journal « L’Humanité » au lendemain de la 87ème Fête de l’Huma qui s’est déroulée du 9 au 11 septembre et d’un virage à 360° obligé, que les organisateurs ont pris avec philosophie et dans un immense travail réalisé. Après deux ans d’interruption due à l’épidémie de Covid et à un changement géographique imposé par les travaux liés aux Jeux Olympiques de 2024 qui ont mangé le terrain de La Courneuve où se déroulait l’événement, la Fête a migré vers le sud de Paris. Elle s’est installée au Plessis-Pâté non loin de Brétigny/Orge, sur l’ancienne base aérienne 217, un événement en soi.

© BR

Malgré cette inconnue, les participants sont venus nombreux, en dépit du temps bien incertain du week-end. Cet immense espace de soixante hectares avait été magistralement réinterprété autour de différents villages : Livre, Famille, Territoires solidaires, Village du monde, et autour des mêmes espaces artistiques : La grande scène Angela Davis, la scène Joséphine Baker, la scène Zebrock Nina Simone. L’espace Jack Ralite y accueillait spectacles et projections de cinéma. Une multiplicité de stands donnait la vedette à chaque territoire et aux entreprises publiques. Il régnait dans les allées beaucoup de bienveillance, de fraternité, d’ouverture et de liberté et sous les slogans aussi poétiques qu’incitatifs se goûtaient les bons vins, se rencontraient les amis, s’écoutaient les discours. Toute la gauche y fut présente.

Si les débats sont allés bon train d’un bout à l’autre de la Fête et dans des formats divers et variés, la programmation musicale a mis à l’honneur des artistes de tous bords, en mélangeant les genres avec intelligence : rap, rock, soul, jazz se sont exprimés sur les différentes scènes. Pour ne citer que quelques groupes, mais il y en eut de nombreux comme Sniper, les Wampas, Camélia Jordana, Odezenne, Sexion d’Assaut et tant d’autres…

© BR

C’est dans ce cadre enjoué et stimulant que s’est produit sur la grande scène Angela Davis, entre Benjamin Biolay et Dutronc&Dutronc, le Grand Chœur du Canto composé du Chœur du Canto de Bretagne et des Voix du Canto d’Occitanie, fédérés par Jean Golgevit à la direction musicale. Violoniste à l’origine, compositeur et brillant pédagogue, ce chef de chœur hors pair approfondit depuis de nombreuses années l’œuvre de ces deux immenses artistes que sont Neruda et Theodorákis. La créativité poétique du premier, Pablo Neruda (1904/1975), l’univers musical du second, Mikis Theodorákis (1925/2021) – deux artistes engagés, l’un au Chili, l’autre en Grèce – sont purs joyaux.  « Deux pays, deux trajectoires similaires » comme le dit la soliste Gabriela Barrenechea.

© BR

El Canto General est une fresque lyrique et épique sur l’histoire et les destinées des peuples d’Amérique Latine écrite par Neruda à partir de 1938, éditée au Mexique en 1943. L’exécution de son ami, le poète Federico García Lorca en 1936, en Espagne, avait marqué son entrée en résistance et en militance. Dans ces quinze sections et plus de quinze mille vers s’expriment de manière directe ou métaphorique l’oppression, la révolte, les espoirs et les utopies. Défenseur des droits de l’homme, Neruda – Prix Staline de la Paix en 1950, Prix Nobel de Littérature en 1971- appelait à la prise de conscience collective. En 1969, le parti communiste l’avait désigné comme candidat à l’élection présidentielle, mais il s’était désisté en faveur d’Allende comme candidat unique de l’Unité Populaire. Ce dernier présida aux destinées du pays à partir du 4 septembre 1970 et jusqu’au 11 septembre 1973, date du coup d’état par Pinochet et de son assassinat.

Mikis Theodorákis avait commencé à travailler sur le Canto General dont on entendra certaines sections dans ce concert, notamment Vegetaciones, Los Libertadores, Voy a vivir, La United Fruit Company, America insurrecta, Requiem pour Neruda, composé suite à la mort du poète brutalement survenue dans des conditions restées suspectes, dix jours après l’assassinat du Président Allende.

© BR

Le grand Chœur de Bretagne et d’Occitanie l’a fait vibrer sur cette immense scène de la Fête de l’Humanité, images reprises sur deux écrans géants de part et d’autre du plateau. Dans l’histoire mouvementée de son pays, la Grèce, Theodorákis fut un militant communiste et résistant de la première heure durant la guerre civile et la toute-puissance des colonels.  Il fut emprisonné, déporté, torturé et plus tard dut s’exiler. De France, il créa le Conseil national de la résistance. Il eut la musique pour combat. Le monde entier le connaît sous l’angle de la musique populaire, par le sirtaki composé pour le film de Michael Cacoyannis, Zorba le Grec, petit clin d’œil avec quelques notes esquissées ici par le joueur de bouzouki. Bien au-delà, Theodorákis a écrit de nombreux opéras et oratorios, des musiques de chambre. Sa composition musicale pour El Canto General est d’une immense richesse dans les rythmes, les scansions, les chuchotements et crescendos. Il avait lui-même dirigé l’œuvre pour la Fête de l’Huma en septembre 1974, un an après l’assassinat d’Allende. Quarante-huit ans plus tard, sous la baguette de Jean Golgevit, le Chœur du Canto et les Voix du Canto se produisent en cette date du 11 septembre, emblématique pour le Chili.

Au salut final © BR

Sur scène, accompagnant les soixante choristes, deux solistes : l’éblouissante mezzo-soprano, Gabriela Barrenechea, originaire du Chili et fière de l’être, qui a de nombreuses cordes à son arc. Elle avait quinze ans lors du coup d’État et a vécu cachée, avant de s’exiler ; la tessiture de sa voix recouvre exactement la couleur de l’œuvre ; Jean-Luc Kerouanton, baryton et également récitant ; Pascal Keller, pianiste ; Dimitris Mastrogioglou, bouzoukiste ; et trois percussionnistes, Bérangère Le Meur, Maxime Chatal et Florent Bigoin qui donnent toute l’amplitude à l’œuvre. Le moment est sublime, le parvis s’est rempli d’un public multiforme, les écrans rapportent de magnifiques images, chacun des choristes et des musiciens donne ce qu’il a de meilleur, le chef de chœur est au gouvernail. Chapeau bas ! « Je suis venu pour chanter et pour que tu chantes avec moi » dit Neruda, « J’ai toujours aimé me trouver là où le tourbillon s’empare de l’humanité » dit Mikis Theodorákis. La Fête de l’Huma bat son plein.

Brigitte Rémer, le 19 septembre 2022

Avec les choristes – Chœur du Canto / Bretagne : Frédérique Aguillon, Christiane Bost, Madeleine Castel, Jean Chalm, Gwénaëlle Clément, Yvonne Cloâtre, Claude Conas, Cécilia Delaunay, Marie-Aline Demortain, Antoine Egea, Danielle Estrade, Michel Fontaine, Joëlle Grison, Marie-Noëlle Guerineau, Joëlle Guilcher, Patricia Guitteny, Yves Guitton, Jean-Luc Kerouanton (chanteur et soliste), Anne Marie Kerveadou, Bernadette Le Duff, Ghislaine Le Floch, Armelle Le Goff Derien, Robert Le Crann, Merwen Le Mentec, Alain Loison, Joëlle Marchand, Lambert Masson, Sylvie Masson, Lydiane Quere, Françoise Quittos, Agnès Sagot, Yves Sanson, Hervé Tilly.

Jean Golgevit, direction musicale © Christian Crochet

Voix du Canto / Occitanie : Anne Armagnat, Corinne Canonge, Olivier Canonge, Monique Carton, Françoise Chambon, Régis Couder, Marie-Odile Crochet, Marie-Suzanne Dubray, Florence Evrard, Françoise Faivre, Lionel Faivre, Louis Fourestier, Corinne Glain, Georges-Henri Grau, Myrèse Grau, Émilie Martin, Chantou Marty, Sylvie Raynal, Jacques Rouveyrol, Jacqueline Suquet, Martine Teirlinck.

Dimanche 11 septembre 2022, Fête de l’Humanité, Grande Scène Angela Davis, Base 217, Le Plessis-Pâté/Brétigny-sur-Orge – Sites : www.lescheminsdelavoix.free.fr (Chœur du Canto/Bretagne) – www.les-voix-du-canto.org (Choeur Les Voix du Canto/Occitanie – Direction musicale, Jean Golgevit – Site : www.jean-golgevit.weebly.com

Out of the blue

© Théâtre de la Ville

Par et avec Silke Huysmans et Hannes Dereere – production Campo – en anglais et néerlandais, surtitré en français, au Théâtre de la Ville/Espace Cardin, dans le cadre du Festival d’Automne.

L’objet présenté est singulier. Il traite d’un sujet de société devenu une des priorités mondiales, le non-respect de l’environnement et la destruction de la planète, ici des fonds sous-marins. Peut-être s’apparente-t-il davantage à une conférence scientifique qu’à un spectacle, peu importe il est d’utilité publique. À partir de techniques journalistiques, Silke Huysmans et Hannes Dereere transposent une problématique qu’ils reconstituent artistiquement. Leurs deux précédents spectacles traitaient, le premier, du désastre minier de 2015 au Brésil, avec Mining stories, le second de l’extractivisme qui a détruit l’Île de Nauru dans le Pacifique au cours du XXème siècle, avec Pleasant Island.

Avec Out of the blue, en entrant dans la salle le spectateur fait face à huit écrans collés les uns aux autres, deux ordinateurs posés sur une grande table. Les deux acteurs-intervenants s’assiéront devant, dos au public, et gèreront l’informatique en véritables chefs d’orchestre, tapant parfois le texte sur leurs claviers in-situ et gérant la chorégraphie des images et de la musique. On ne verra leur visage qu’au salut. Ils ne sont pas le cœur du sujet, leur démarche l’est. C’est une démarche d’observation sur les forages en eaux profondes, dans le Pacifique, à l’ouest du Mexique et les risques qu’ils entraînent.

Au printemps 2021, Silke Huysmans et Hannes Dereere sont connectés par satellite depuis chez eux, la Belgique, avec trois bateaux stationnés dans l’océan Pacifique : l’un appartient à une compagnie belge d’extraction minière en train d’explorer les fonds marins abyssaux à l’aide d’un robot, l’autre accueille les scientifiques qui observent l’opération en cours, le troisième n’est autre que le navire amiral des militants de Greenpeace qui deviennent lanceurs d’alerte, le Rainbow Warrior.

Le Prologue est suivi des différentes interviews avec les scientifiques marins de ces navires et les militants de Greenpeace. Les points de vue sont contradictoires et si le monde est cartographié, seulement 10% des fonds marins le sont, remarque le commentaire. Le voyage visuel proposé dans ces fonds silencieux repose sur de remarquables images. La faune et la flore y sont pure poésie, et l’on voit des bancs de poissons délicats et gracieux s’enrouler dans le mouvement de l’eau, des poulpes du sud aux grandes ailes, fines comme des dentelles, voler sous l’eau.

Moins poétiques, les pilleurs d’océan à la recherche de cuivre, zinc, manganèse et cobalt, tous minerais nécessaires aux sociétés pour stocker l’énergie, sont aux aguets. Pourtant dès 1967 l’Ambassadeur de Malte, M. Arvid Pardo, appelait à l’instauration d’un régime international efficace du fonds des mers et des océans. Signée en 1982, la Convention des Nations-Unies sur le Droit de la Mer fut adoptée. Douze ans plus tard, en 1996, elle est entrée en vigueur et les fonds marins ont été déclarés Patrimoine mondial de l’humanité. Le temps politique est un temps si long…

Comme des capitaines à la barre, et les acteurs-observateurs-rapporteurs Silke Huysmans et Hannes Dereere le précisent bien, il ne s’agit pas ici d’un problème à traiter mais d’un cycle en mouvement, celui du vivant et de l’humain. La recherche d’une solution ne saurait être que collective. Vers la fin du spectacle ils nous font voyager vers d’autres abysses, dans le cosmos, à l’autre extrémité, entre mars et vénus. Des deux côtés on reste suspendus entre l’immensité et l’infini, dans une solitude vertigineuse, au sein d’une nature sacrée et d’un certain vague à l’âme. L’échelle de nos perceptions se décale face à un écosystème qu’on altère avant même de le connaître.

L’épilogue est peu réjouissant même si les scientifiques ont demandé un moratoire. Vingt-sept pays ont désormais un contrat de forage pour les fonds marins abyssaux dont l’Allemagne, le Japon et la Russie et la prochaine expédition est programmée à l’automne 2022. Dans Out of the blue il y a un grand écart entre le calme avec lequel se fait devant nous cette démonstration fine et feutrée d’une biodiversité en danger et le tumulte du propos. On est avenue Gabriel, à deux pas de l’Élysée, on a envie de dire : traversez la rue et montrez votre travail aux politiques qui surfent sur les vagues sans s’attaquer réellement aux problèmes d’un univers qui, à grande vitesse, se détruit et dont Silke Huysmans et Hannes Dereere font récit.

Brigitte Rémer, le 15 septembre 2022

Du 12 au 15 septembre à 20h, Théâtre de la Ville/Espace Cardin, 1 avenue Gabriel. 75008. Paris – site : www.theatredelaville-paris. tél. 01 42 74 22 77 et www.festival-automne.com

Coriolan

© Victor Tonelli

Texte William Shakespeare, traduction Jean-Michel Déprats, mise en scène François Orsoni, au Théâtre de la Bastille.

Après La Mort de Danton de Georg Büchner montée en 2016, puis Monsieur le député de Leonardo Sciascia, présenté en 2018, François Orsoni rembobine le temps et nous mène de Plutarque avec ses Vies des hommes illustres au Vème siècle avant JC, jusqu’au XVIème siècle de Shakespeare. La question du pouvoir et de la démocratie, l’intéresse.

Quand on entre dans la salle du Théâtre de la Bastille on se trouve face à l’Acropol(e) et les acteurs sont en place. La caste patricienne est lascivement installée sur les marches, face au public : telle une Athéna en majesté, la mère de Caius Marcius (Estelle Meyer) surnommé Coriolanus après la prise de la ville de Corioles, appartenant aux Volsques ; Coriolan donc, son fils (Alban Guyon) héros coléreux et violent, dur et hautain, qui a le goût des armes et fut de toutes les guerres que Rome mena contre ses voisins ; Ménésius, (Thomas Landbo) conciliateur pour le sénat, tentant de raisonner le peuple, miséreux, qui leur fait face : deux acteurs dans la salle, assis au même niveau que les spectateurs, l’un côté cour, l’autre côté jardin, qui apostrophent le public (Jean-Louis Coulloc’h et Pascal Tagnati).

Après hésitations et tergiversations Marcius présente sa candidature au consulat et convoite ce sommet de la hiérarchie des magistrats. Il échoue car les citoyens se rebellent, craignant que leurs droits nouvellement acquis leur soient retirés. Chassé par le peuple pour avoir souhaité la disparition du tribunal de la plèbe qui au Sénat représente leurs droits, Marcius/Coriolan est condamné à l’exil, malgré le simulacre de séduction auquel il se prête et la toge d’humilité qu’il revêt. Il change alors de direction et met ses capacités de stratège au service de ses anciens ennemis, les Volsques, se plaçant sous leur protection, avant de revenir mettre le siège devant Rome. Une délégation de femmes menée par sa mère le ramène à la raison, il entend leurs supplications et raccompagne ses troupes aux frontières du territoire romain, retournant chez les Volsques où il est finalement assassiné par une bande de conjurés.

Pièce historique ou bien tragédie, le texte met en exergue l’amour filial et la vertu des héros. C’est une pièce bavarde, qui laisse peu de place à la rêverie et au vagabondage. Les metteurs en scène ne s’y attardent guère. Christian Schiaretti l’avait mise en scène en 2006, plaçant la focale sur l’intemporalité du sujet. Ici les manœuvres politiciennes et l’hostilité du peuple qui sont au cœur de l’histoire en cette époque romaine, nous semblent lointaines, alors qu’elles pourraient nous renvoyer à nos démocraties chancelantes et nos politiques incertains.

Si les acteurs, toujours à vue, tirent leur épingle du jeu, la contemporanéité s’absente et la mise en scène de François Orsoni propose des images datées. Alors, pourquoi ne pas pousser le jeu à l’extrême, dans un grand péplum où ce héros militaire pourrait régner et douter dans sa Rome archaïque, en nous amusant un tout petit peu ?

Brigitte Rémer, le 14 septembre 2022

Avec : Jean-Louis Coulloc’h, Alban Guyon, Thomas Landbo, Estelle Meyer, Pascal Tagnati – bruitage Éléonore Mallo – lumières François Orsoni, Antoine Seigneur-Guerrini – scénographie et costumes Natalia Brilli – photographie François Prost After Party 2018 – régie générale Antoine Seigneur-Guerrini, François Burelli – création sonore et régie son Valentin Chancelle – régie Bastille Erwann Petit.

Du 12 septembre au 7 octobre 2022 à 20h, relâche les dimanches et le jeudi 15 septembre – Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette, 75011. Paris – site : www.theatre-bastille.com et www.neneka.fr – tél. : 01 43 57 42 14.

Le Marteau et la Faucille

© Paris l’été

Texte Don DeLillo, traduction Marianne Véron – Adaptation et mise en scène Julien Gosselin – Jeu  Joseph Drouet – au Théâtre Paris Villette, dans le cadre de Paris L’été.

L’homme est seul en scène, assis devant une caméra face au public, dans un dispositif blanc, clinique – tapis et praticables. Derrière lui, en gros plan, s’affiche sur grand écran chacune de ses expressions, chaque respiration. Il est entouré de néons rouge, couleur d’incendie qui accompagne le spectacle.

C’est un narrateur qui commence son récit calmement pour le porter dans une montée dramatique d’une heure à laquelle la musique participe, avec un fort mouvement crescendo. L’expression de son stress et d’une grande nervosité s’exprime par de petits gestes qui se répètent et s’accélèrent – comme se toucher le visage, ou le bras… Nous sommes entre le réel, le présent et une sorte de déréalisation qui serait le passé.

Le Marteau et la Faucille, l’un des écrits les plus récents de Don DeLillo, présente un réel totalement déréglé et proche de l’absurde, celui du monde des affaires et de la crise financière de 2007 reflétant une certaine angoisse du monde. Ainsi, le programme d’informations économiques présenté par des enfants vide les mots de leur sens ; un détenu purge sa peine pour malversation, son montage financier ayant causé la chute de deux gouvernements et la faillite de plusieurs multinationales, il écope de sept cent vingt ans de réclusion.

Julien Gosselin s’intéresse aux romans pour leur faire prendre corps et développe souvent ses sujets sur de longs spectacles, de dix à onze heures. Il crée entre autres Les Particules élémentaires d’après Michel Houellebecq en 2013 à Avignon, 2666, le roman-fleuve du Chilien Roberto Bolaño, Le Passé, montage de textes de différentes natures du Russe Léonid Andreïev. De Don DeLilo il a présenté en 2018 un spectacle de dix heures, transposition scénique de trois de ses romans – Joueurs, Mao II, les Noms.

Sans bouger de sa chaise et avec une parfaite maîtrise du texte et des rôles qu’il porte Joseph Drouet a une présence magnétique et nous attrape dans sa sphère de l’argent et des affaires qu’il dessine avec les mots de Don DeLilo. Il nous conduit dans l’irrationnel. Son trouble et son angoisse affleurent et il crée une spirale d’accélération qui pourrait bien l’aspirer, où la mort rôde. Est-il en interrogatoire, fait-il une confession ? Il nous mène dans un monde glacé, celui d’une disparition annoncée, dans un regard à partager entre la scène et l’écran. Son personnage contourne la disparition, l’acteur est magistral. Avec Le Marteau et la Faucille Julien Gosselin propose, en quelques touches choisies et appropriées un spectacle court, efficace et de forte intensité.

Brigitte Rémer, le 29 juillet 2022

Du 26 au 28 juillet 2022 à 20h. Théâtre Paris-Villette, 211 avenue Jean-Jaurès, 75019. Paris – métro Porte de Pantin – site : www.parislete.fr – tél. : 01 44 94 98 00

Danse macabre

© Oleksandr Kosmach

Cabaret engagé mise en scène Vlad Troitskyi avec les Darkh Daughters et Tetiana Troitska – Les Soirées Nomades de la Fondation Cartier pour l’art contemporain.

Elles ont fui leur pays en guerre, l’Ukraine, il y a plusieurs mois, les Darkh Daughters, groupe théâtral et musical constitué en 2012 et qui depuis travaille avec Vlad Troitskyi qui fut leur professeur au conservatoire de Kiev il y a une vingtaine d’années. Lui, a fondé en 1994 le tout premier théâtre indépendant du pays, qu’il a nommé Dakh/LeToit, c’est un talentueux entrepreneur culturel en même temps qu’un metteur en scène rare et singulier. Pour lui « le théâtre, c’est créer un monde, créer le monde et le partager avec les gens. » Ensemble, ils ont pris la décision de quitter leur pays sous les bombes, pour faire vivre un front de résistance, depuis l’extérieur. Les soldats se battent sur le territoire et défendent les frontières, elles, se battent avec leurs armes, le théâtre et la musique et défendent la démocratie et la liberté pour tous.

© Oleksandr Kosmach

Le Préau-Centre dramatique national de Normandie-Vire leur a ouvert grand les portes. Sa directrice, Lucie Berelowitsch, de double culture, française et russe, les connaissait pour les avoir rencontrées à Kiev peu de temps après la révolution de Maïdan et avait monté avec elles en 2015, Antigone d’après Sophocle. Joué en français, russe et ukrainien dans le cadre du Printemps français à Kiev, puis en tournée à Cherbourg, Vire, Bordeaux et Toulon, les Darkh Daughters – actrices, chanteuses et musiciennes – y tenaient entre autres le rôle du choeur. Elles sont aujourd’hui pour nous le cœur de l’Ukraine qui bat, avec ce besoin vital de créer dans une extrême urgence, pour dire au monde et témoigner.  

Le groupe a récemment présenté un premier spectacle sur l’invasion russe et la guerre, Ukraine Fire au Théâtre Monfort dans le cadre de « Paris l’été » (cf. notre article du 16 juillet). Saisies par la nécessité impérieuse de parler de cette guerre, en ce moment et alors même qu’elle se déroule, notre guerre à tous, elles continuent de dire et de faire front. Elles ont créé Danse Macabre dans une nécessité absolue, au Préau, dans la mise en scène de Vlad Troitskyi avant de le présenter un soir dans le jardin de la Fondation Cartier et de le reprendre en tournée. Elles avaient commencé à l’élaborer avant même de quitter l’Ukraine, elles l’ont fait évoluer en France, au regard des événements et du tragique, montrant ce face à face avec la mort, qu’elles expérimentent chaque jour depuis cinq mois.

© Oleksandr Kosmach

Danse macabre... Nous ne sommes ni chez Baudelaire, obsédé par la mort et qui utilise ce même titre pour l’un de ses poèmes des « Fleurs du mal », ni chez Saint-Saëns qui dans son poème symphonique met en scène Satan, l’accusateur, personnification du mal et de la tentation, et qui conduit le bal quand sonnent les douze coups de minuit. La nuit recouvre l’Ukraine où il est minuit, en permanence. Les Darkh Daughters s’inspirent du Livre de Job portant sur le problème du Mal dans l’Ancien Testament et qui fait dialoguer Dieu et Satan. Elles tissent à partir de cette figure mythique et biblique un scénario fait de chansons et de récits de guerre sur ce qu’elles vivent au quotidien et qui atteste de la perversion et de la folie de la destruction, physique et mentale, chez l’agresseur russe.

© Oleksandr Kosmach

Les cinq actrices scandent de leurs instruments – guitare, violon et violoncelle, contrebasse et piano – des rythmes obstinés jusqu’à ce qu’une sirène hurle, celle qui donne le signal de descendre se protéger dans les caves. Elles quittent leurs tutus noirs, ceux-là même qu’elles portaient dans Ukraine Fire, faisant la jonction entre les deux spectacles, tous deux traitant de la guerre, se démaquillent et revêtent des imperméables gris. « Je suis en sécurité, en sécurité… dit l’une d’elle, hébétée, pour un temps certes je suis en sécurité, mais c’est comme si mon corps avait été déraciné… les jambes sont comme des racines desséchées et fragiles, hors sol, sans eau, sans la terre des ancêtres et sans l’eau de la maison, sans la flamme. » Puis elles pénètrent dans leur réalité, celle de l’exil, faisant rouler les valises dans un élan de panique et suspendues à leurs mobiles en quête des dernières nouvelles. Les valises, habillées de façades aux fenêtres allumées, ressemblent à de petits immeubles, au début du spectacle. On entre dans leur récit et on les accompagne dans la frénésie de la gare, ou de l’aéroport. Départs, déplacements. Où partir ? Qu’ont-elles mis dans leurs valises d’alerte faites sans même y réfléchir faute de temps ? Comment emmener sa maison, toute une vie… ? « On n’a finalement pas besoin de grand-chose même si l’on comprend qu’on ne reviendra peut-être pas, ou que si l’on revient, tout peut être détruit… »  Ballet de valises, mur de valises. Dans les bras, un enfant-poupée de chiffon qu’on berce puis qu’on dépose sur une valise comme sur un cercueil… « Souviens-toi que la vie n’est qu’un souffle. » La danse autour de l’enfant… Ce personnage qui se détache et tourne sur elle-même comme un derviche, ou comme la conscience.

© Oleksandr Kosmach

Incantations, polyphonies, notes envolées, musiques lancinantes, Rozy/Donbass-Des roses pour le Donbass cette célèbre chanson scandée sur le Maïdan aux heures les plus sombres de la révolution, tocsin, plainte du piano là où l’infiniment petit croise l’infiniment grand. Les compteurs tournent épelant le nombre de morts, les maris tués sous les yeux de leurs épouses, les femmes violées devant leurs enfants, récits de pure destruction, témoignages insoutenables. « J’attendais le bonheur, le malheur est arrivé » dit l’une d’elles portant un falot à la faible lueur comme un ultime appel au secours. Une petite fille rêve, « ne pleure pas maman » dit-elle doucement. La sidération s’empare des spectateurs, car pour elles comme pour nous « en un instant tout a perdu son sens. »

Des bougies plein les bras elles ouvrent leurs valises posées à la verticale laissant paraître de petits autels semblables à des reposoirs, blottis au fond de leur bagage. Ce coin sacré de la maison est devenu nomade mais il reste sacré : « Ta petite maison est là où tu es, cela donne de la force » dit une autre. Parler, se taire… « Il faut vivre si on a la chance de ne pas perdre la raison. » À nouveau la sirène retentit et le plateau se vide. « Si je ne brûle pas, je ne vis pas. Si je n’aime pas, je ne chante pas. Mais je ne le sais pas encore Car je suis là Toujours en flammes Car je suis là Toujours en flammes » dit le texte. Avec Danse macabre, la frontière s’efface entre la vie et le théâtre, et nous sommes bien au-delà du théâtre.

  Brigitte Rémer, le 24 juillet 2022

Avec Tetiana Troitska et les Dakh Daughters : Natacha Charpe, Natalia Halanevych, Ruslana Khazipova, Solomia Melnyk et Anna Nikitina – création lumières Astkhik Hryhorian – traduction Irina Dmytrychyn. Production déléguée Le Préau CDN de Normandie-Vire – Avec le soutien du Ministère de la Culture/DRAC Normandie, de la Fonderie au Mans et du Dakh Theatre, Kyiv, Ukraine – Coproduction Odéon-Théâtre de l’Europe, Paris – Théâtre National de Strasbourg – Théâtre de Vidy-Lausanne, Suisse – Les Quinconces et L’Espal / Scène nationale du Mans – Théâtres de la Ville de Luxembourg. La recette de la soirée sera reversée à l’association France-Ukraine.

Le 21 juillet 2022, à la Fondation Cartier, 261 boulevard Raspail, 75014. Paris – métro : Raspail ou Denfert-Rochereau – tél. : 01 42 18 56 72 – site : www. fondation.cartier.com – En tournée : 26 et 27 septembre 2022 Festival International de Tbilissi (Géorgie) | 6 octobre 2022, Le Préau CDN de Normandie-Vire.

Ukraine Fire

Oleksand R. Kosmach

Avec les Dakh Daughters – direction artistique Vlad Troitskyi – spectacle en ukrainien surtitré – Théâtre Le Monfort, dans le cadre du Festival Paris l’été.

C’est un spectacle coup de poing tant par son contenu que par sa forme. Son contenu est fait de l’actualité, tragique, la guerre en Ukraine. D’une grande densité, inventivité et virtuosité, sa forme relève du cabaret et mêle musique, danse, texte et images.

Le spectacle est porté par cinq musiciennes-actrices qui ont écrit des fragments, lambeaux de sensations, sentiments, couleurs et réactions face à la réalité de la violence russe qui les oblige à l’exil. « Chaque jour je suis dans une autre ville. Dans une autre ville, je suis différente… » dit l’une. Chaque mot est un projectile qui touche en plein cœur de cible, réaliste en même temps que poétique, qu’il soit chant ou psalmodie, récitatif ou mélopée. Les Dakh Daughters en maitrisent les différentes techniques et enluminent la parole de ponctuations musicales virtuoses, des plus graves aux plus débridées, dans un éventail de techniques allant des musiques traditionnelles au rock, des rythmes orientaux au slam et au punk. Chacune est dans son propre espace, scénographique, musical et mental : côté jardin, le violoncelle et les percussions ; côté cour, à l’arrière-plan sur une estrade, la contrebasse, devant, le violon et la guitare. Des images vidéo, réalistes ou fantasmatiques selon les séquences, donnent aussi le rythme dont elles s’emparent en une montée volcanique et un défi guerrier ouvrant sur la révolte des percussions et la déstructuration finale, comme une provocation magistrale.

Groupe théâtral et musical formé en 2012, on connaît les Dakh Daughters en France depuis leur présentation de Freak Cabaret création collective mise en scène par Vlad Troitskyi en 2014, qui déjà faisait valoir leur capacité de dérision et force de résistance. Plus qu’un metteur en scène, Vlad Troitskyi est un mentor qui en 1994 fonde le théâtre indépendant et centre d’Art contemporain Dakh – qui se traduit par le toit – dont il devient le directeur artistique, au rez-de-chaussée d’un immeuble résidentiel situé à un croisement de rues dans le centre de Kiev. Il y crée le groupe musical DakhaBrakha qui, partant des musiques traditionnelles, les revisite et travaille sur la polyphonie – certaines musiciennes des Dakh Daughters en font partie – et en 2007 donne le coup d’envoi du GogolFest, festival annuel multidisciplinaire international d’art contemporain et de cinéma. La mouvance artistique d’avant-garde qui règne au Dakh repose sur son seul maître-mot : liberté.

Les Dakh Daughters sont entrées en contestation et résistance dès décembre 2013 lors des manifestations pro-européennes ukrainiennes de la place de l’Indépendance / Place Maïdan, en réalisant un clip. Si, au départ, elles n’étaient pas particulièrement engagées, dès la création de leur compagnie artistique, l’Histoire les a rattrapées. C’est dans une grande spontanéité qu’elles développent un esprit révolutionnaire, luttant contre le désenchantement, à travers le théâtre et la musique. Elles s’appuient aussi sur des textes puissants issus entre autres de Shakespeare, Bukowski, du poète russe d’avant-garde Alexandre Vvedenski ou encore du grand poète romantique ukrainien Taras Chevtchenko auteur de Notre âme ne peut pas mourir.

Oleksand R. Kosmach

Dans Ukraine Fire le début du spectacle est saisissant et hypnotise les spectateurs, images de guerre et de destruction d’une violence inouïe vues dans l’actualité mais reprises en fondu enchaîné de manière démultipliée et superposée. Sur scène, la vie est comme arrêtée : les cinq actrices-musiciennes sont assises en contrebas, dans le noir, maquillées de blanc telles des âmes mortes, on les devine à peine dans le contre-jour, vêtues de leurs tutus noirs et guêpières, portant des tee-shirt noirs à leur effigie. Les mots qu’elles lancent sont autant de poignards. « Pourquoi y a-t-il la culture du mal, sur terre ? » posent-elles, plaçant l’art au rang de témoignage. Tout au long du spectacle elles dialoguent et commentent en musique, en chants et en mots ce qui s’affiche sur l’écran, chacune dans son espace musical et avec sa personnalité, de l’exhortation au plaidoyer. « Ce n’est pas une vague, juste des gens… » chuchotent-t-elles. Elles sont archi-douées en leur présence fantasmatique et respectueuse, pleine de bruit et de fureur en même temps que de grâce et font se rencontrer poésie et subversion. Apparaissent à l’écran Jérôme Bosch et Hitler jusqu’à l’Armageddon où se livre l’ultime combat entre le bien et les forces du mal.

Ukraine Fire est un message de lutte et d’espoir qui par sa force lyrique s’apparente à un oratorio, par son tragique à une Passion, par son récit-hommage aux morts, au peuple et aux combattants, à une chanson de la Geste ukrainienne. En même temps qu’imaginatif et fantaisiste, porté par l’esprit frondeur des Darkh Daughters, c’est un poème musical qui parle de la mer et des cendres, un cri pour la paix. « Ô mon destin…»

Brigitte Rémer, le 16 juillet 2022

Avec : Natalia Halanevych, Ruslana Khazipova, Solomiia Melnyk,Anna Nikitina, Nataliia Zozul, et la participation de Tetiana Troitska, comédienne – lumières, mapping vidéo Mariia Volkova – son Mickael Kandelman, Bruno Ralle.

 Jeudi 14 juillet à 20h – Le Monfort, 106 Rue Brancion, 75015 Paris – métro : Porte de Vanves, tramway : Brancion – Une partie de la billetterie sera reversée à des associations locales pour l’Ukraine.

Je me souviens

© Chloé Signès.

ou la fresque sociale d’un village menacé par la disparition – texte et mise en scène Paul Platel, Théâtre des Évadés – au Théâtre du Soleil, Cartoucherie de Vincennes.

Le titre du spectacle, Je me souviens, amène tout droit à l’écrivain Georges Pérec dont les minuscules fragments de la vie quotidienne collectés entre 1946 et 1961, de sa dixième à sa vingt-cinquième année, portaient ce même titre pour évoquer Paris, le métro, les slogans publicitaires, le cinéma, les spectacles etc… Sami Frey l’avait majestueusement mis en scène et interprété. Ce titre nous mène aussi jusqu’au Québec dont la devise est Je me souviens et que l’on trouve là-bas sur les frontons de pierre des bâtiments publics et les plaques minéralogiques. Céline Dion, l’une des stars du spectacle, d’origine québécoise, fait le lien.

 Aujourd’hui c’est un autre Je me souviens qui nous appelle au Théâtre du Soleil, signé Paul Platel, jeune auteur qui n’a pas trente ans, metteur en scène et acteur dans le spectacle. Il évoque un village menacé de disparition dans le sud-est de la France où les gens n’ont pas la langue dans leur poche, son village d’enfance peut-être – lui est de l’arrière-pays niçois.

Se retrouve ici un condensé de ce qui fait la vie, pas forcément dans le registre le plus optimiste mais qu’il a observé tel un entomologiste et qu’il a sans doute connu. On y trouve une certaine typologie de la France populaire où la vie n’est ni meilleure ni pire qu’ailleurs mais où, comme partout, elle ne fait pas de cadeau : la seule usine de l’endroit va fermer pour raison de délocalisation, les ouvriers licenciés ne s’en sortiront pas ; la jolie jeune femme à l’image flétrie, Annick, surnommée Miss Camping, attend le retour d’un fils qu’elle a eu à seize ans et qui sort de prison ; à son arrivée, ce dernier n’aura de cesse de connaître l’identité de son père sous une pluie d’allusions et  commentaires de certains villageois ; la famille père-fils-et petit-fils n’est pas brillante : un vieil homme rugueux et taciturne qui critique et braille en permanence ou alors cherche refuge à l’église auprès de la bonne mère, assez sexy il est vrai – un acteur tient le rôle et joue les apparitions-disparitions – ; son fils, qui occupe beaucoup d’espace, parfait portrait de la grande gueule ; le petit-fils qui se prend des taloches ; il y a aussi Rosette passionnée de Céline Dion qui vend sa Céline à qui veut bien l’entendre, grande organisatrice de la fête au village ; l’ex-jeune fille  qui tient le café et fonctionne à coups de préjugés ; il y a les copains d’enfance et leur radio locale dont l’un d’eux qui ne trouve pas sa place et se rétrécit de plus en plus. Bref des esquisses de personnages avec leurs espoirs et désespoirs, le colportage des ragots mi-fenêtre sur cour mi-clochemerle satirique, empathique et mélodramatique, parfois à la limite du stéréotype et de la caricature.

© Chloé Signès.

Les tableaux se succèdent dans leur hétérogénéité avec changements de décors à vue. Tantôt pétillants tantôt sombres les acteurs habitent chacun leur personnage dans les différents styles auxquels ils sont assignés, où s’entrechoquent comédie, drame, burlesque et pathétique. Les chants traditionnels de la chorale du village côtoient la pop et Céline Dion qui alimente l’imaginaire individuel puis collectif. Ça donne un petit côté décousu aux courtes séquences qui se suivent et l’entracte plombe un peu la dynamique, du moins celle du spectateur.

Sorte de chronique de la vie ordinaire, Je me souviens est le premier spectacle écrit et mis en scène par Paul Platel. Créé il y a deux ans, il brosse le tableau d’un village qui se délite et les réponses qu’apportent chacun des personnages à leurs rêves qui s’éloignent et s’effacent. Pour le passage à la scène l’auteur-metteur en scène avait rassemblé des acteurs de générations différentes dont la plupart ont été formés comme lui à l’EDT 91, dans le but de constituer une troupe.

© Chloé Signès.

C’est avec cette même troupe et juste avant la reprise de Je me souviens que le metteur en scène a présenté dans ce même lieu du Théâtre du Soleil son second spectacle, Pardon Abel – l’histoire de deux frères aux parcours et sensibilités bien différentes – mis en répétition en octobre-novembre 2021 après des temps de résidence de la compagnie au Théâtre 55 de la ville de Mougins et au Théâtre National de Nice, puis dans les ateliers du Théâtre du Soleil. Attentive aux jeunes compagnies, Ariane Mnouchkine leur a ouvert les portes. Ce temps de travail s’est achevé par une série de représentations au Soleil.

On trouve dans Je me souviens une forte tension entre la solitude des personnages et l’image sociale de chacun au sein du collectif, le village, terrain sur lequel s’entrecroisent des destins et des histoires de vie. Les fils de l’écheveau parfois se perdent un peu entre les personnages – ils sont dix – et se diluent, mais après tout, dans un village, il y a ceux que l’on voit et il y a ceux qui, plus à l’écart, gardent leur mystère. Avec son enthousiasme et son esprit, le Théâtre des Évadés est une troupe à suivre, qui commence tout juste son parcours.

Brigitte Rémer, le 15 juillet 2022

Avec Manon Falippou, Marianne Giraud, Estelle Gaglio-Mastorakis, Christian Jéhanin, Vincent Martin, Willy Maupetit, Jean-Paul Mura, Gaétan Poubangui, Jason Marcelin-Gabriel, Paul Platel. Collaboration artistique et aide à l’écriture Nicolas Katsiapis – création lumière Ugo Perez – création sonore Louise Prieur.

Du 1er au 10 juillet 2022 – Théâtre du Soleil, Cartoucherie de Vincennes, 75012. Paris – métro : Château de Vincennes, puis navette gratuite ou bus 112 – site : www.theatredusoleil.fr

Tchiloli

© Théâtre de la Ville

La Tragédie du Marquis de Mantoue et de l’Empereur Charlemagne par la compagnie Formiguinha de Boa Morte (São Tomé) – au Théâtre de la Ville/Espace Cardin, dans le cadre de la Saison France-Portugal et de la coopération Afrique-Europe – spectacle en portugais ancien, surtitré en français.

Née au Portugal au XVIᵉ siècle, cette geste théâtrale, musicale et dansée, le Tchiloli, introduite à São Tomé par les maîtres sucriers, vient de loin, tant géographiquement que dans la traversée du temps. Au large de la Guinée Équatoriale et du Gabon, São Tomé – île principale de São Tomé-et-Príncipe – perpétue ce rituel interprété en langue portugaise uniquement par des hommes, alors esclaves et métis locaux, masqués et costumés à l’européenne. Le Tchiloli interroge la tradition et la justice, il mêle subversivité et syncrétisme. Les représentations peuvent durer entre cinq et huit heures, le prologue se passe dans la forêt. C’est dans les années 70 que le groupe Formiguinha de Boa Morte s’est rendu pour la première fois en Europe, au Portugal, suite à l’invitation de la Fondation Calouste Gulbenkian et qu’il continue de faire vivre cette expression de sa culture.

L’argument : au cours d’une partie de chasse, le prince Charles, fils de Charlemagne-maître protecteur, assassine le neveu du duc de Mantoue, s’étant épris de sa femme. Les Mantoue réclament justice. L’Empereur oscille entre sentiments paternels et raison d’État. Cette dernière l’emportera, le fils sera sacrifié. Une trentaine d’acteurs aux rôles d’importance inégale dont ici six musiciens portant grand et petit tambours, hochets et flûtes en bambou, introduisent l’histoire. Les musiciens appellent le public à l’extérieur du théâtre et commencent à jouer sur le plateau circulaire installé devant. Ils invitent ensuite à les suivre dans les allées du jardin. Au loin, la troupe est en action, en danse et mimodrame, jusqu’à la simulation du meurtre du duc de Mantoue. Acteurs et musiciens entrainent les spectateurs sur le chemin du retour et regagnent la scène, les spectateurs leur place.

Au centre du plateau, un cercueil miniature dans lequel est censé se trouver le Prince héritier Charles, centre de gravité du Tchiloli, en rappelle la dimension tragique et divise l’espace où se tient côté jardin sur une petite estrade, la Haute Cour – l’Empereur, son épouse et sa famille, l’archevêque et quelques intrigants – de l’autre côté, la Cour Basse, résidence du marquis de Mantoue. Cette famille, notamment la mère de la victime et sa veuve portant de longues mantilles noires et vêtues d’amples jupes noires à volants qui se soulèvent et tournent dans la danse, sont assistées d‘un avocat. Neveux, émissaires, éminences grises, ducs et ambassadeurs font cercle et attendent leur heure de gloire. Les musiciens sont ici placés derrière, le plateau de l’Espace Cardin n’étant pas si grand et les personnages, nombreux.

Les costumes et masques sont remarquables – costumes d’inspiration européenne, africanisés et somptueusement artisanaux, reposant sur l’inventivité de chaque acteur. Des matériaux de haute valeur symbolique sont recyclé, jouant sur l’ironie ou contribuant à la transmission de messages plus politiques : uniformes militaires, fracs, cannes à pommeau, gants blancs, épées de bois, capes de velours, couronnes de bric et de broc, bas noirs etc. De petits fragments de miroirs se nichent dans les coiffes et costumes comme autant de grigris de protection et de retour à l’envoyeur des mauvais sorts qui pourraient être déversés. De longs rubans colorés tombent d’une cocarde accrochée à hauteur du cœur sur les costumes masculins, l’acteur les écarte avec élégance quand il s’apprête à prendre la parole.

Les acteurs du Tchiloli portent des masques clairs, sorte de seconde peau qui permet de résister aux mauvais sorts, de brouiller les pistes pour ne pas être reconnus et de parler avec l’au-delà en dialoguant avec les ancêtres. En effet les acteurs sont Noirs et jouent un drame de Blancs. Ces masques, porteurs de la puissance symbolique africaine, sont faits de fin grillage façonné. Un trait de peinture y marque les yeux et la bouche. En toute liberté, des costumes trois-pièces, cravates, téléphones portables, lunettes de soleil, côtoient les vêtements de la tradition. La saveur du spectacle vient aussi de ces contrastes et anachronismes où tout est généralement codifié.

Au pays, le Tchiloli se célèbre dans des lieux de plein air lors de la saison sèche, en différents points de l’île. Les spectateurs se placent debout, autour d’une aire centrale rectangulaire nommée kinté, délimitée par des cordes fixées aux arbres. C’est la flûte, instrument principal, qui détermine la figure à exécuter. La scène est toujours en mouvement, l’entrée des personnages-clés ou leur déplacement étant ponctué par des suites de danses s’inspirant de pavanes et gavottes, contredanses et sardanes, menuets et quadrilles dont les interprètes s’emparent au gré de leur tempérament.

Implanté dans le quartier de Boa Morte à São Tomé, la compagnie Formiguinha de Boa Morte, exclusivement composée d’hommes, défend depuis 1956 l’héritage traditionnel du Tchiloli qu’il se transmet de père en fils. Comme le sociologue Jean Duvignaud le disait en parlant de la transmission des spectacles, du métissage des cultures et du rapport dominants-dominés, « il est malaisé de savoir ce qu’elles (les cultures) se doivent entre elles, par un jeu de provocations réciproques. » La venue du Tchiloli au Théâtre de la Ville renvoie aux thèmes de l’esclavage et des indépendances à travers cette pseudo cérémonie funéraire et la réparation, par la justice, quel que soit le prix à verser. La sophistication de cette forme théâtrale ancestrale et sa codification nous parle bien d’aujourd’hui et de décolonisation culturelle, au même titre que les autos-sacramentales importées par l’Espagne en Amérique Latine ou encore à travers le temps, les rituels des Mystères où se côtoyaient surnaturel et réalisme. Le Tchiloli est une forme où se mêlent le pouvoir et le sacré, magnifiquement porté par le groupe Formiguinha de Boa Morte.

Brigitte Rémer, le 6 juillet 2022

Avec : La Haute Cour – Empereur Charlemagne : Manuel Do Nascimento Alves Costa Carvalho – Impératrice : Olinto Vila Novas Soares – Prince Charles :Alvaro José Da Costa Bonfim – Évêque conseiller : Jurciley Quinta – ministre : Augusto Pires Lopes Cravid – Secrétaire : José Manuel D’Abreu Alves Carvalho – Dame de Cour : Roualder Lumungo Da Costa Afonso – Ganelon : Edilane Da Costa Dias Mendes – Comte Avocat Anderson et Valdevinos : Hodair Da Costa Alves de Carvalho – Notaire : Danilson Do Espirito Santo Oliveiras Viegas.  La Cour Basse – Marquis de Mantoue : Edjaimir quaresma Alves De Carvalho – Sybille : Mauro Sousa Pontes – Ermeline : Hortensio Pereira Santana – Duc Aymon : Eliude Das Neves Lopes Rita – Renaud de Montauban : Tiazgo Luis Do Espiritu Santo – Capitaine de Montauban : Edson Bragança Viegas D’Alva – Avocat Marques de Manta : Lusugénio Silvio Carvalho Neto Da Costa – Don Bertrand : Gilmar Menezes Afonso Neto – Don Roldão : Cardio Da Cruz De Carvalho – Page (le petit garçon) : Holdemir José Lourenço De Sousa. Les Musiciens – Grand tambour : Gilmar Mónica Santana – Petit tambour : Hortêncio Sousa Coelho Santana – Flûtes : Damião Vaz da Trindade, Marcos Lázaro de Carvalho – Joueurs de hochet : Manuel Dos Ramos Santana Ferreira Neto, Oscar de Almeida Lopes.  Direction artistique : Vincent Mambachaka, Alvaro José Da Costa Bonfim, Damião Vaz Da Trinidade – Scénographie : Yves Collet – Lumières et Son : Konongo Cleophas – Traduction : Marie Laroche, Gabriel Pires Dos Santos – Surtitrage : Bernardo Haumont.

Du 30 juin au 2 juillet 2022, Théâtre de la Ville/Espace Cardin, 1 avenue Gabriel. 75008. Paris métro : Concorde – site : www.theatredelaville-paris.com

Mozart, une journée particulière

© Seine Musicale

Librement adapté du livre de H. C. Robbins Landon sur une idée de Paul Krawczyk, compositeur – livret et mise en scène David Lescot, en collaboration avec la compagnie Kairos – extraits d’œuvres de Wolfgang Amadeus Mozart, Johann Sebastian Bach, Joseph Haydn – Insula Orchestra, direction Laurence Equilbey – dans le cadre du festival Mozart Maximum – à La Seine Musicale.

C’est une création scénique qui mêle musiciens, comédiens et dessins, pour faire vivre la dernière journée de Mozart avant qu’il ne s’alite définitivement, le 12 novembre 1791. Des années de surmenage et une santé fragile ont eu raison de lui. Complétant l’univers musical de l’époque, l’univers visuel s’inscrit comme un livre d’images sur un tulle derrière lequel se trouve l’orchestre. Les acteurs-chanteurs nous mènent ainsi à travers les rues de Vienne, les salons bourgeois, les théâtres, la maison où Mozart compose encore de manière acharnée, en présence de Constance, son épouse. Par le récit, émergent aussi ses doutes et incertitudes, ses dettes, sa vulnérabilité.

À partir de 1788, pour Mozart le monde est devenu plus pesant après la perte de sa fille âgée de quelques mois. Par ailleurs sa situation financière peu brillante l’oblige à déménager dans un faubourg de Vienne. C’est pourtant au cours de ces années-là qu’il compose des œuvres d’une grande maturité : ses dernières symphonies dont la n° 39 qualifiée de maçonnique, son Concerto pour piano n° 27 et ses deux derniers opéras, La Flûte enchantée et La Clémence de Titus. Il était franc-maçon et pour ses frères de loge écrivit une cantate qu’il dirigea le 18 novembre 1891, ce qui contredit les informations sur son Requiem, resté inachevé et donné comme la dernière œuvre à laquelle il se serait consacré.

Le récit que situe H. C. Robbins Landon autour de la date du 12 novembre 1791 nous parle du musicien autant que de l’homme et serait donc un récit de fiction, car les dates se chevauchent et les informations divergent. Autour de Mozart – magnifiquement interprété par le pianiste Thomas Enhco – se dessine une galerie de portraits : Constance son épouse (Antoinette Dennefeld, mezzo-soprano)  ; Salieri, compositeur italien avec qui, malgré les rumeurs, il entretenait des relations respectueuses ; von Schloissnigg, conseiller de l’empereur Joseph II ; von Kees, conseiller viennois chargé de la diffusion de la musique et de l’organisation de concerts ; Maria Anna von Genzinger, amie de Mozart autant que de Haydn, lui-même ami intime de Mozart (Florie Valiquette, soprano) ; Galitzine, ambassadeur de Russie à Vienne durant le règne de Catherine la Grande, grand ami et mécène de Mozart (Mikhail Timoshenko, basse).

Auteur, metteur en scène associé au Théâtre de la Ville à Paris et musicien, David Lescot mêle l’écriture à la musique et au mouvement. Parmi ses nombreuses mises en scène il a monté deux opéras de Mozart, La Finta Giardiniera et La Flûte enchantée mais aussi Il Mondo Della Luna de Haydn. Il a réalisé ce Mozart, Une journée particulière collégialement avec Sagar Forniés, artiste issu de la bande dessinée et son collaborateur Jordi Gastó pour la recherche d’illustrations. Il neige sur Vienne, une passée d’oiseaux s’envolent, lustres et intérieurs aristocratiques sont d’une grande précision.

© Seine Musicale

L’habileté du metteur en scène a été de mêler les personnages réels aux dessins et de faire apparaître et disparaitre l’orchestre derrière le rideau de tulle. Le dispositif fonctionne avec des dessins qui oeuvrent aussi à la narration et restituent cette fin XVIIIè mêlant fraîcheur, naïveté et informations données et qui font le lien entre l’orchestre à l’arrière-plan et les acteurs. Ces derniers, chanteurs également, naviguent avec une grande fluidité de l’avant à l’arrière-scène, à commencer par Thomas Enhco, pianiste et compositeur de jazz et de musique classique interprétant Mozart, que l’on ne peut que féliciter pour sa prouesse. Sous la remarquable baguette de Laurence Equilbey, directrice musicale d’Insula Orchestra et artiste associée au Grand Théâtre d’Aix-en-Provence, tous, musiciens jouant sur des instruments d’époque et chanteurs, participent de cette réussite. Des voix très pleines et maitrisées aux couleurs savantes, et des instruments qui sonnent avec majesté dans ce grand vaisseau de La Seine Musicale, restituent l’acte artistique accompli par Mozart – la composition – comme un acte vital de création.

Brigitte Rémer, le 29 juin 2022

Avec : Thomas Enhco : Wolfgang Amadeus Mozart – Florie Valiquette : Ana Maria Von Genzinger et Mlle de Destary – Antoinette Dennefeld : Constanze – Mikhail Timoshenko : Galitzine – Jacques Verzier : van Swieten, Schloissnigg et Schikaneder – Yoann Le Lan : Kees, le messager et l’assistant – Insula orchestra : Laurence Equilbey, direction – Martynas Stakionis : chef assistant –  Sagar Forniés et Jordi Gastó : incidental illustration – Fabio Castro, Igor Sarralde : additional designs – David Cremnitzer : animation vidéo – Alwyne de Dardel : scénographie – Paul Beaurelles : lumières – Linda Blanchet : collaboratrice artistique – Mariane Delayre : costumière – Catherine Saint Sever : maquillages et coiffures – Régisseur général : Christophe Poux.

Du 23 au 25 juin 2022, à La Seine Musicale, Île Seguin, 92100 Boulogne-Billancourt – métro Pont de Sèvres – tél. : 01 74 34 53 53 – sites : www.laseinemusicale.com et insulaorchestra.fr

Dialaw Project

© Joseph Banderet

Textes de Sinzo Aanza, Hamidou Anne, Ian de Toffoli et Le Fluide Ensemble – mise en scène Mikaël Serre – Spectacle en français et en wolof – au Monfort Théâtre.

C’est un work in progress construit autour de la figure emblématique de Germaine Acogny, danseuse, chorégraphe, fondatrice de l’École des Sables à Toubab Dialaw, près de Dakar, au Sénégal, réalisé par Mikaël Serre, metteur en scène franco-allemand.

Mère de la danse africaine contemporaine comme on aime à la nommer, Germaine Acogny a embarqué dans une aventure artistique unique dans le sillage de Maurice Béjart qu’elle a côtoyé et avec le soutien du président Léopold Sedar Senghor : la création de Mudra Afrique au Sénégal, une réplique de Mudra Bruxelles adaptée au contexte africain, qui a vu le jour en 2004. Secondée par Helmut Vogt, son époux, L’École des Sables – centre international de danses traditionnelles et contemporaines d’Afrique – est devenue un lieu d’échange et de formation professionnelle pour les danseurs africains et ceux du monde entier. Elle est l’incubateur de nombreux jeunes talents de la danse africaine.

© Joseph Banderet

Or l’inquiétude règne à Toubab Dialaw anciennement port colonial où la construction d’un nouveau port a commencé face à l’École des Sables, suscitant une vive réaction au sein de la population. C’est dans ce contexte que Dialaw Project, est né, de la collaboration entre Germaine Acogny et Mikaël Serre. Différentes étapes de création se sont mises en place à partir de 2021 à l’École des Sables, puis au Centquatre à Paris, suivi d’un temps de résidence en juin au Monfort Théâtre où le résultat du travail est montré, en une première version. La forme finale y sera présentée à la fin du mois d’août, après une dernière étape de résidence élaborée en présence de la chorégraphe.

Dialaw Project est un spectacle pluridisciplinaire qui mêle théâtre, danse et arts visuels. Son thème central en est l’impact du projet mégalomane de construction d’un port en eau profonde, signé entre le gouvernement sénégalais et la puissante société émirati Dubai Port World. Ce projet fera disparaître la côte et ensevelira une terre sous des kilomètres de béton. Face à cette catastrophe écologique et aux bouleversements géopolitiques qui suivront, face à cette négation philosophique et humaine, artistes et intellectuels de différents pays – Allemagne, Congo, France, Luxembourg et Sénégal – se sont mobilisés autour d’un projet théâtral. Ils questionnent la notion de développement et de responsabilité collective, chacun partant de son expérience personnelle en termes de perte de repères et d’exil.

© Joseph Banderet

Mikaël Serre et Germaine Acogny collaborent depuis 2015. Dans un premier solo intitulé À un endroit du début, sous le regard de Mikaël Serre – metteur en scène, acteur, performer, formé aux Beaux-Arts de Saint-Étienne et à l’École Jacques Lecoq, traducteur franco-allemand – la danseuse et chorégraphe remontait à ses origines et identités multiples, à ses ancêtres. Repartant du même point, Dialaw Project rappelle, de domination en domination, les anciennes puissances coloniales et nous mène jusqu’au développement économique à outrance et à la globalisation.

Au début du spectacle, par écran interposé, Germaine Acogny parle de sa cohabitation avec les esprits, les pierres, le sable, puis on entre dans le vif du sujet : la démonstration technique par un PowerPoint austère du Plan sénégalais émergeant 2014/2035 qui mêle discours technocratiques et états de droit, discours démagogiques reléguant les démarches solidaires au rang de lointaines utopies. Diverses communautés se partagent le territoire sénégalais – Toutcouleurs, Wolofs, Lébous entre autres – ces derniers étant implantés à Dialaw quand la ville était aux mains des Portugais. L’un questionne son père, le second est sur la réserve, « Tu sais jamais comment l’autre va t’accueillir. » Le troisième doute. Des images à l’écran complètent la causerie. Le spectacle s’est construit avec des textes de différentes natures et un travail documentaire approfondi : interviews et réactions face au projet du nouveau port, apostrophe au président, histoires de vie, odes au soleil et à la lune, au balafon et à la kora, à la danse, textes d’auteurs actifs sur la scène intellectuelle et artistique d’Afrique et d’Europe. Avec sa construction face à Toubab Dialaw se posent de nombreuses questions : Où va s’évaporer le sel, où se perdre la pêche ? Comment imaginer la disparition des pirogues ? Pourquoi oublier les ancêtres – eux bien présents jusque dans le vent – et piétiner les symboles ? « Si tu n’as pas de racines, comment veux-tu grandir ? » questionne le texte.

Germaine Acogny parlant d’elle disait en 2015 : « Ma vie a souvent été un mouvement, je suis de quelque part et quand je m’en éloigne, je n’échappe pas à mon histoire, c’est que je suis revenu, en moi peut être, à un endroit du début, à l’endroit d’où je viens, aux ancêtres, à ceux qui m’accompagnent. » Ses mots résument sa démarche et l’objectif du spectacle : questionner nos sociétés et notre Histoire partagée ; respecter les traditions qui traversent les âges ; imaginer l’avenir de nos relations économiques, politiques et humaines ; danser la vie.

Brigitte Rémer, le 28 juin 2022

Avec Germaine Acogny (en vidéo), Hamidou Anne, Aicha Dème (guest), Anne-Elodie Sorlin, Pascal Beugré-Tellier, Asssane Timbo. Dramaturgie Jens Hillje – scénographie John Carroll, Mikaël Serre – costumes Jah Gal Doulsy – vidéo Martin Mallon – musique Ibaaku, Antonin Leymarie – lumières et direction technique John Carroll – collaboration artistique Ninon Leclère – auteur et mythologue Ian de Toffoli – auteur et politologue Hamidou Anne – assistante à la mise en scène Anaïs Durand Mauptit.

Jusqu’au 25 juin 2022, cinq avant-premières au Monfort Théâtre à Paris, 106 Rue Brancion, 75015 Paris – tél. : 01 56 08 33 88 – site : lemonfort.fr – En tournée saison 2022/203 et suivante : 19 et 20 mai 2023, théâtres de la Ville du Luxembourg – 23 mai 2023, Théâtre et Cinéma de Choisy le roi – fin mai 2023, Scène nationale de Forbach dans le cadre du Festival Perspectives de Saarbrück – juin 2023 Africologne festival à Cologne (Allemagne) – septembre 2023, KunstFest de Weimar – novembre 2023 Festival EuroScene de Leipzig – novembre 2023 CDN Les 13 Vents àMontpellier.

Vestiges

© Jean-Michel Coubart

Carte blanche à Satchie Noro et la compagnie Furinkaï – Hôtel de Sully, en partenariat avec le Centre des Monuments nationaux et le Théâtre de Châtillon – Présenté par Art’R/Lieu de fabrique itinérant pour les arts de la rue à Paris et en Île-de-France.

Une première partie se tient au centre du jardin de l’Hôtel de Sully aux arbres centenaires, lieu magique s’il en est. Les Arpenteuses arrivent l’une après l’autre en flânant et s’installent nonchalamment sur les chaises de bois qui se trouvent là, comme dans tout jardin, de part et d’autre des bosquets. À tour de rôle et très tranquillement elles se lèvent et commencent à empiler ces chaises et à bâtir comme un jeu de construction, une installation. Elles se percheront dans les niches qu’elles aménagent tels des oiseaux dans leur nid, par ouverture et fermeture des chaises, jeu de pliage et dépliage.

© Jean-Michel Coubart

Entre Babel et Pise elles construisent de guingois leurs équilibres instables, leur chorégraphie solidaire est savante, sophistiquée et ludique, leur créativité malicieuse et d’une précision métronomique. Satchie Noro a pensé cette installation éphémère sur une conception-construction-agrès-chaises de Silvain Ohl avec qui elle travaille depuis plus d’une douzaine d’années et sur une musique de Carlos Canales. Natacha Kierbel, Fleuriane Cornet et Laure Wernly en sont les vestales, Les Arpenteuses. Cette pièce est une réécriture du projet Sillas, créé et interprété à l’origine par une équipe chilienne composée de Nicolàs Eyzaguirre, Juan Larenas et Carlos Canalès.

Le public est ensuite invité à changer de place et s’installe sur la terrasse où la scénographie de veStige l’attend, juste devant le bâtiment. Elle se compose d’une plate-forme de bois circulaire en rotation, entrainée par des moteurs permettant une grande variété de vitesse et d’accélération et l’engagement total du corps. Comme une trace laissée au sol, une empreinte, Satchie Noro s’élance et inscrit son alphabet entre sol, air, volume et, dans le cadre de l’Hôtel de Sully, pierre et nature.

Trois narrations composent veStiges : un solo où Satchie Noro joue d’abord avec un anneau de bois, avant de balayer l’air de deux morceaux de bois courbes – prolongement de ses mains – qui lui donnent l’équilibre du funambule, l’élégance de l’incertitude et la précision de l’écriture. Elle va chercher au plus profond d’elle-même une gestuelle qu’elle élabore et développe avec une grande fluidité ; un solo où deux corps apparaissent et disparaissent, se coordonnent ensuite et se complètent, construisent des volumes et entrecroisements, se superposent et se disjoignent sans jamais se toucher. Transparentes et invisibles l’une à l’autre, renvoyant fugacement les images réciproques de leurs réalités dissemblables, elles sont à l’intersection de plusieurs mondes. Yumi Rigout, danseuse et acrobate aérienne, fille de Satchie Noro, se révèle admirable dans cette pièce, elle y est tonique et inventive, se lance avec frénésie et contrôle, se drape dans un tissu noir fluide dans lequel elle sculpte des plis. Des roseaux séchés en fagots se répandent et la danse devient paysage, en milieu végétal ou minéral.

Une pièce musicale ferme le spectacle, troisième volet de veStiges qui inscrit ses pleins et ses déliés dans un langage scénique épuré et vibrant porté par la chanteuse et flûtiste franco-japonaise Maia Barouh et le percussionniste japonais Léo Komazawa. Les chants enracinés venant d’une île située au sud du Japon que porte la chanteuse, jusqu’aux sons les plus modernes qu’elle fait émerger en dialogue avec les percussions en métal et en bois, résonnent à travers l’Hôtel de Sully. L’harmonie de cette soirée ce sont aussi les costumes créés par la plasticienne Aurore Thibout, ses fibres de soie tissées aux couleurs rares parlent aussi de mémoire.

© Jean-Michel Coubart

Magicienne singulière et puissante, Satchie Noro voyage entre action et rémanence, et reprend inlassablement des rituels archaïques et hypnotiques où se mêlent des éléments de la nature. Elle avait fait ses premiers pas dans le dojo de son père, maître d’Aïkido, avant de s’investir dans la danse classique, puis d’apprendre les techniques aériennes. Elle décale les disciplines comme elle change de pays, passant de Berlin – où elle se frotte à la scène alternative et participe à de nombreuses performances – à New-York, avant de revenir en France où elle travaille dans différentes compagnies de danse. En 2002 elle fonde sa propre compagnie, Furinkaï, espace de création artistique et de recherche qui fête cette année ses vingt ans où elle crée une quinzaine d’événements de style et d’inspiration différentes – spectacles, performances, installations et films. Elle inscrit aussi son travail autour de la transmission ainsi que dans des actions à responsabilité sociale et élabore avec des publics dit empêchés des dispositifs artistiques.

Au croisement des disciplines et des esthétiques, veStiges explore ce qui tourne et s’inscrit dans un cercle, comme un tourbillon de la vie. La carte blanche dont s’est emparée Satchie Noro et son équipe dans ce contexte lumineux de l’Hôtel de Sully se décline avec liberté et poésie, dans l’amplitude et l’altitude de son chant des courbes.

Brigitte Rémer, le 21 juin 2022

Chorégraphie Satchie Noro – danse Satchie Noro et Yumi Rigout – scénographie et construction Silvain Ohl, Éric Noël – plasticienne et créatrice textile Aurore Thibout – musique Maïa Barouh, Léo Komazawa – création lumière Thierry Arlot – régie son Michael Sacchetti – accompagnement artistique Élise Ladoué, Jean-Marc Puissant – Les Arpenteuses, interprétation Natacha Kierbel, Fleuriane Cornet et Laure Wernly.

Les 16, 17 et 18 juin 2022 à 20h30, Hôtel de Sully, entrée par le 5 place des Vosges. 75004. Paris. Site : www. furinkaï.com

Chœur d’enfants Amwaj – de Palestine

© Fares S. Mansour

Opera from Palestine – Première européenne du spectacle musical Amal – Franchir le mur, d’après Le Secret de l’huile de Waleed Daqqa – Insula Orchestra, sous la direction de Mathilde Vittu – composition Camille van Lunen – livret Cornelia Köhler – mise en scène Marina Meinero – à La Seine Musicale, île Seguin.

Amwaj signifie ondes et ce sont bien des ondes poétiques et magnétiques que porte ce chœur d’enfants venus de loin. Il est rejoint par l’Orchestre des élèves du Conservatoire Issy-Vanves de Grand Paris Seine Ouest préparés par Gabriel Drossard ; par les élèves de l’École élémentaire pilote du numérique de Boulogne-Billancourt et par ceux de la classe à horaires aménagés Musique du Collège Alain Fournier de Clamart avec leurs professeurs du Conservatoire, chœurs préparés par Lucie Tronche et Sylviane Davené.

© Fares S. Mansour

Une trentaine de jeunes de Palestine, de noir vêtu, évoluent sur la scène, tandis que plus d’une centaine de choristes de France portant des tee-shirt vert s’installent dans les gradins, face au public. Trois niveaux de lecture sont en action du côté du public dans ce majestueux espace de la Grande Seine, aux courbes élégantes : au premier plan l’orchestre, puis le plateau où s’écrit l’histoire, plus loin les gradins de choristes habillés de vert. C’est impressionnant !

Face à Mathilde Vittu la cheffe d’orchestre, Youssef Hbeisch, originaire de Galilée, imprime le rythme de ses percussions et Saif Hammash les vibrations du kanoun. Elle est entourée d’un premier violon virtuose complété d’autres violons, de flûtes, de tous les instruments à cordes et à vents de l’orchestre. La violoncelliste-conteuse, Armance Quéro, voyage entre le centre de la scène et la fosse d’orchestre et fait magnifiquement le lien entre l’histoire et la musique, à partir d’un livret tiré du livre de Waleed Daqqa, The Oil’s Secret Tale, publié en 2018.

L’argument est une métaphore qui met en mouvement un mur séparant la terre en deux. Amal et ses frères et sœurs, Sabri, Rami et Faizah n’auront de cesse d’inventer des stratagèmes pour le traverser et rendre visite à leur père, en prison de l’autre côté. Amal lui écrit une lettre qui ne lui parviendra pas. Elle raconte : « Tous les jours Sabri te dessine sur le mur, Faizah est très triste, Rami t’a amené des fleurs. » Sur leur route ils rencontreront des animaux pleins de ruses, qui tenteront de les aider et le vieil Olivier de plus de deux mille ans d’Histoire se mettra à parler du déracinement imposé,  : « Deux mille ans, une très longue vie, mais jamais auparavant n’avais-je vu un mur… Deux mille ans, ils nous déracinent. » C’est finalement grâce à son huile magique que les enfants retrouveront leur père.

© Fares S. Mansour

L’affrontement des deux clans – ceux qui sont pour le mur, ceux qui sont contre – est chorégraphié, des slogans s’échangent. Les jeunes palestiniens, du plus petit (sept ans) au plus grand (vingt et un ans) miment et dansent les séquences du conte : une danse des foulards et châles de couleurs, le frappé des mains sur le corps qui rythment certaines mélodies, les fils de couleurs qui serpentent, il y a ceux qui bêchent, ceux qui complotent, il y a la peur quand s’avancent deux militaires en tenue de camouflage, il y a « les chiens épelant l’alphabet phonétique de l’OTAN : 1-2-3-4 ; A-B-C-D autour du Rêve et de l’Espoir. » Il y a le chant choral qui s’amplifie dans une belle intensité, auquel se joignent les bourdonnements et crépitements de la pluie et des orages.

© Fares S. Mansour

Sur le chemin des vents les oiseaux, plumes dans les cheveux, tentent de survoler le mur avec les enfants, les lapins tentent pour eux de creuser un tunnel, Khanfour le chat et sa bande, cherche des trous dans le mur permettant de les faire passer. Sifflements des flûtes, déchaînement des cordes, tremblements du tambourin aux cymbalettes et voix se répondent. Les chœurs dialoguent entre les verts dans les gradins et les noirs sur scène, de petits groupes pépient. Le chant traditionnel des filles-feuilles revient de manière récurrente : « Mes mains… comme elles sont belles tes montagnes, ô mon pays… » La solidarité des animaux permet à Amal et ses frères et sœurs de lutter contre l’injustice en retrouvant leur père. Son retour à la maison est fêté par des danses et farandoles, des chants en canon, des voix qui se décalent. Amal, Sabri, Rami et Faizah entourent la violoncelliste dans un délicat échange musical et les chœurs se déploient.

Le chœur Amwaj de Palestine est un programme éducatif établi en 2015 à Hébron et Bethléem par Mathilde Vittu et Michele Cantoni. Il permet à une soixantaine de filles et garçons de sept à vingt et un ans de recevoir des cours de chant choral, technique vocale, langues étrangères, culture et formation musicale, initiation au piano et aux percussions, théâtre etc. Invité en 2018 par plusieurs institutions musicales à se produire dans différentes villes, dont à Paris à l’initiative de l’UNESCO, le chœur Amwaj est revenu en 2020, à l’invitation de la Philharmonie de Paris et poursuit ses échanges avec les chœurs d’enfants, en France. Des répétitions, ateliers et médiations en Palestine et en Europe permettent de se rencontrer et l’équipe Transmission et Innovation de Insula Orchestra met en place des partenariats et des échanges interculturels. C’est cette conjugaison d’énergies et de talents musicaux, à commencer par celui de Mathilde Vittu dans sa direction d’orchestre, qui permet de faire évoluer le regard que chacun porte sur l’Autre.

Brigitte Rémer, le 15 juin 2022

Concert donné le 10 juin à La Seine Musicale, Île Seguin, 92100 Boulogne-Billancourt – tél. : 01 74 34 54 00 – site : www.laseinemusicale.com

Essaimées, de Nicolas Frize

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Partant des enseignements existants, des outils et objets pédagogiques, des espaces du lycée Paul Éluard de Saint-Denis qui s’étend sur un vaste territoire, le compositeur Nicolas Frize a imaginé un événement musical et visuel nomade au cours de trois journées portes ouvertes, au mois de mai, après une résidence de plus d’un an.

Ce projet artistique a pris forme au sein de l’établissement à partir d’un travail au corps à corps avec les élèves de classes et de niveaux différents et les équipes pédagogiques, administratives et techniques du Lycée. Nous avions rendu compte d’une étape de répétition dans un article du 25 avril dernier. Au-delà des timidités, les élèves dialoguaient en s’exprimant chacun dans sa langue d’origine et se répondaient

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Découvrir les bâtiments, les lieux et les compositions musicales qu’ils ont inspirées dans ce lycée de plus de deux mille élèves et deux cent cinquante professeurs – du gymnase au réfectoire, des salles de chimie à celles des sciences et vie de la terre, de l’amphithéâtre à la cour -, est une belle aventure. Plus de deux cents interprètes participent à l’événement autour de partitions de courte durée – entre 4 à 6 minutes – regroupées en styles d’écriture aux noms échevelés : musiques virtuoses, éperdues – musiques parlées et presque – musiques de tous côtés, musiques paysages (spatialisation) – musiques joueuses, espiègles – musiques battantes, ou trépignantes – musiques sages… et pas sages musiques intimes, ou à peine – musiques hésitantes, ou accidentées – musiques indociles, rebelles.

Le programme est vaste, une trentaine de pièces, concerts et installations présentés de façon simultanée : créations musicales de Nicolas Frize composées pendant la résidence, plusieurs œuvres de répertoire – entre autres de John Adams et Philip Glass -, deux commandes à de jeunes compositrices – Megumi Okuda, du Conservatoire national supérieur de danse et de musique de Paris et Tania Cortès de l’Université Paris 8, une invitation faite à l’artiste numérique Isabelle Delatouche. Le public se répartit en groupes, identifiés par une couleur. Chacun trace son propre itinéraire, parfois se croise, chacun reçoit ondes et émotions dans l’ordre et la posture proposée à son groupe, debout, assis, étendu etc. On est à la fois très libre et très encadré.

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Dans cette flânerie artistique les instruments appellent. Entre silences, voix et tempêtes d’instruments de toutes catégories, on traverse avec plaisir  beaucoup d’espaces musicaux singuliers et captivants où on reconnaît certains élèves rencontrés en répétition : set de cloches et xylophones, percussions en tous genres, trombone et chœurs, contrebasses et flûtes, trompettes et jeux d’ombre, alarmes, bandes enregistrées, crépitements, violon, pianos pour quatre mains, guitares et violoncelles, harpe, cors d’harmonie qui claquent dans le jardin. Le public est invité à entrer dans la danse et adhère avec détente et plaisir aux propositions : jeux de ballon, respirations, claquements de mains, formules magiques/formules chimiques, stridences, train, harmonies/dysharmonies, chœurs, réverbérations, chuchotements, jeux de mots et de langues étrangères. Le final se passe dans la cour, sur podium, tous les jeunes entourent la scène et se produisent à tour de rôle pour un tour de piste en chant, instrumental, boite à rythme, micro, impro… Chacun y va de son envie.

Le maître d’ouvrage, Nicolas Frize, se fait discret, écartelé entre les différents points de rencontre et de concerts, tandis que le cœur du lycée Paul Éluard bat la chamade au rythme des compositions musicales inattendues. Au long du parcours, musiques et sons croisent l’écrit et la calligraphie des notes et partitions, celle de petits signes et mots adressés. Des plasticiens – professeurs d’arts plastiques – réalisent leur œuvre devant le public. Essaimées est une belle alchimie de la rencontre entre ce lieu d’apprentissage qu’est le Lycée devenu pour un temps lieu d’appropriation culturelle et les jeunes qui l’habitent avec leur capacité créatrice et leur participation sensible et pleine de vie. C’est un geste de transmission dans un lieu potentiel de création où l’art et la culture ont droit de cité. Une vibrante initiative !

Brigitte Rémer, le 5 juin 2022

Les 13, 14 et 15 mai 2022, Lycée Paul Éluard de Saint-Denis, avenue Jean Moulin, 93200 – Entrée libre, sur réservation – Site : www.museboule.free.fr et www.nicolasfrize.net

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Les Forteresses

© Agnès Mellon

Texte et mise en scène Gurshad Shaheman – Compagnie La Ligne d’Ombre – à la MC93 Bobigny Maison de la culture de Seine-Saint-Denis.

Il ne s’agit pas des Trois Sœurs de Tchekhov et nous ne sommes pas dans la campagne profonde de Russie où une famille s’ennuie. Pourtant, dans le récit de ces trois sœurs-là, on nous parle d’un pays, l’Iran, où les destins individuels se superposent à la mémoire collective, dans un pays qui ne permet pas de vivre librement et où la femme n’a guère droit de cité.

Né en Iran et de culture azéri(e) Gurshad Shaheman a collecté la parole familiale de sa mère, Jey­ran, et de ses deux tantes, Shady et Homi­naz, nées toutes trois dans les années 60, dans une petite ville de l’Azerbaïdjan iranien, Mianeh. Issues d’une famille progressiste qui leur avait permis d’étudier, elles ont connu la fin de la dernière monarchie, celle du Shah Reza et de la dynastie Pahlavi qui, renversé par la révolution iranienne, prit fin en 1979. La suite ne permit pas au pays de reprendre souffle ni d’installer une démocratie. Chapour Bakhtiar, dirigeant de la dissidence choisi par le Shah par défaut pour aider à la création d’un gouvernement civil quand la monarchie battait de l’aile, ne resta qu’un court laps de temps. C’était compter sans l’arrivée de l’ayatollah Khomeini en 1979, de retour après quatorze ans d’exil en Iraq puis en France, bientôt suivi de la guerre Iran-Iraq pendant dix ans, de 1980 à 1988. Les luttes étudiantes racontées par l’une des sœurs avaient apporté de l’espoir, elles furent vite réprimées et le Guide suprême n’eut de cesse, jusqu’à sa mort en 1989, d’isoler l’Iran du reste du monde et d’effacer toutes traces d’occidentalisation. Le retour en arrière sur la question des libertés individuelles fut spectaculaire et notamment sur les droits des femmes, grande désillusion avec l’islamisation du pays.

Alors, comment vivre dans un tel contexte ? Les trois sœurs se racontent et leurs trois monologues s’entrelacent : la mère de Gurshad, l’aînée des trois, s’est exilée en France en 1990. La plus jeune a fui le pays avec ses deux enfants et s’est réfugiée là où elle pouvait espérer obtenir un statut : après les camps de transit et leur cortège d’humiliations, ce fut Leipzig en ex-République Démocratique d’Allemagne, un long parcours de réfugiée avant une plongée dans le système de l’ex-URSS, autre traumatisme et la survie à travers divers boulots qu’elle a aimés, malgré les conditions. La troisième est restée en Iran.

Les trois sœurs s’adressent à Gurshad et sont présentes sur le plateau, aussi éclaté que le pays, avec des praticables recouverts de tapis où certains spectateurs sont invités à s’installer (scénographie Mathieu Lorry-Dupuy). Elles commentent et accompagnent de leur présence, leur gestuelle ou leur silence, la parole restituée par trois actrices, Mina Kavani, Guilda Chahverdi et Shady Nafar, assises sur une chaise, chacune sur un podium, de part et d’autre du dispositif. Ces actrices, admirables, sont leurs voix et habitent leur histoire, sans bouger, sauf à tourner et changer de podium entre chacun des trois chapitres, montrant, sans complaisance, du prologue à l’épilogue, que chez l’une comme chez l’autre, l’histoire est la même et d’une violence inouïe. Dans le labyrinthe des praticables et sur les deux podiums servant de table, de chaque côté de l’espace scénique, les trois soeurs sont les témoins de l’Histoire. Tout est chorégraphié et convivial, et plus l’on s’enfonce dans le récit plus la nuit tombe sur le plateau et les vibrations se font écho dans le public. La création sonore de Lucien Gaudion accompagne ces différents moments traversés.

© Agnès Mellon

Le Prologue nous place au cœur du sujet et de l’un des paramètres de la société iranienne, la religion : « Ne jamais rien reprocher à Dieu » est une maxime intégrée qui s’illustre autour du ramadan, de la prière ou parfois de son simulacre quand on est enfant, les tapis et tchadors à fleurs, beaux ensembles coordonnés, les larmes qui se transforment en perles et les croyances en l’au-delà, le regard de l’homme sur la femme qui a valeur de péché mortel, une liturgie des mensonges. Dans le premier chapitre, Le monde à portée de mains, chacune raconte son projet de vie et les barrages qui se sont immédiatement mis en place, obligeant au renoncement. « Cet avenir radieux tant attendu s’est échappé petit à petit » dit Jeuran. La liste des interdits est longue sur les libertés de ces femmes : ne pas envisager le métier choisi et à juste titre espéré – ingénieur, juge ou médecin – accepter le mariage arrangé, y compris par la grand-mère aimée, Khâm-maman, qui se transforme en garde du corps et ne peut raisonner en termes de bonheur. Se marier jeune. S’effacer du monde « Tu ne seras jamais rien » dit-on à longueur de ritournelle à l’une des trois sœurs. Le second chapitre s’intitule Au gré de la rou­tine instable et le troisième À Choi­sir sa pri­son. On y traverse sans complaisance ni pathos les horreurs de la dictature, les dif­fi­cul­tés ren­con­trées tout au long des parcours, les dés­illu­sions en arri­vant sur le sol euro­péen, la sépa­ra­tion, l’éloignement. « Je voudrais tout te raconter Gurshad. Mais mon cœur est une forteresse de larmes et je ne peux pas l’ouvrir » lui dit sa mère. 

Et les trois sœurs convoquent, toujours par la voix des actrices, les événements auxquels elles ont fait face : l’emprisonnement de l’une avec quarante autres jeunes filles, un rapt en pleine nuit depuis leur internat, et les brutalités qui ont suivi, la prison, les brimades, la sophistication de la torture. L’une évoque ces trois jeunes femmes kurdes incarcérées dans la cellule d’en face, les hauts parleurs diffusant en permanence les pleurs et chagrins d’un de leurs enfants appelant sa mère désespérément, femmes un jour disparues, jamais revues. La bombe dans la cour d’un collège et les centaines de tombes alignées, seules traces des élèves sacrifiés. Le rapport à l’argent, la violence domestique envers les femmes, la violence tout court à l’égard des enfants, l’accouchement du second enfant d’une des sœurs, réalisé avec négligence, la santé délaissée. Les violentes répressions lors des manifestions. La traque, la surveillance permanente. Le tampon rouge des étudiantes sous contrôle, le mari qui piste l’épouse jusqu’à l’université et ne la lâche jamais. La place de la lapidation. La prostitution. La mort du père. L’immensité de la distance et de la solitude, la destruction. Avec ces conditions de vie « les enfants ont poussé comme ils ont pu » justifie l’une d’elle.

© Agnès Mellon

Comme en rewind, Gurshad éparpille les bandes magnétiques de la mémoire, au sens propre du terme et revient à chaque fin de chapitre, fringant et brillant, donner une chanson traditionnelle en azéri, sa langue maternelle et langue de résistance. Cette ode au pays, pleine de douceur rythmée et dansée avec sa mère et ses tantes dont l’une s’intitule Je reviendrai à la vie et une autre la For­te­resse, tandis qu’une boule à facettes éclabousse l’espace de sa lumière, fait penser aux comédies musicales égyptiennes du début du XXème. Il y a de temps en temps de l’humour derrière la tragédie, comme dans la scène du chevreau et du bidon de lait avec les nomades et leurs enfants aux yeux cernés de khôl qui protège du sable et du soleil, avec les esprits du désert. Il y a quelques petits bonheurs pour l’une des sœurs comme ces quelques mois où, cachée dans les montagnes, elle eut le plaisir d’apprendre à faire le pain et le fromage avec les villageoises, comme elle le fait sur scène.

L’Épilogue apporte une grande force poétique et d’humanité au spectacle : les trois sœurs prennent place, chacune auprès de l’actrice qui a porté sa voix et donnent quelques mots dans leur langue originale. Chaque actrice traduit. Après cette dissociation entre la voix du récit et la femme qui a traversé la tragédie, chacune se reconstruit. Et le sens de l’Histoire se referme sur ces destins individuels par la transmission faite auprès de Gurshad. Présent sur le plateau tout au long du spectacle, Gurshad Shaheman, acteur, metteur en scène et interprète, écoute l’histoire familiale. Les récits qu’il a collectés et qui sont si bien restitués par les trois actrices/voix rendent hommage à sa mère et à ses tantes, à son pays.

Brigitte Rémer, le 12 juin 2022

Avec : les Voix – Mina Kavani, Shady Nafar, Guilda Chahverdi. Jeu – Gurshad Shaheman et les femmes de sa famille – assistant à la mise en scène Saeed Mirzaei Fard – création sonore : Lucien Gaudion – scénographie Mathieu Lorry-Dupuy – lumières : Jérémie Papin – dramaturgie Youness Anzane – régie générale Pierre-Éric Vives – costumes Nina Langhammer – régie plateau et accessoires Jérémy Meysen – maquilleuse Sophie Allégatière – coach vocal Jean Fürst. Le texte de Gurshad Shaheman est édité aux Solitaires intempestifs. Le spectacle a été créé en août 2021 au Mucem de Marseille.

 Du vendredi 3 au samedi 11 juin 2022, MC93 Bobigny, Maison de la culture de Seine-Saint-Denis, 9 Bd Lénine, 93000. Bobigny. Site : www.mc93.com – tél. : 01 41 60 72 72 – Tournée 2022/2023 : 2 au 4 janvier 2023, Le Maillon Strasbourg – 7 au 9 mars 2023, Théâtre de l’Union, Limoges – 16 mars 2023, La Faïencerie de Creil – 18 mars 2023, Théâtre de Chelles – 24 et 25 mars 2023, Le Bateau Feu, Dunkerque – 31 mars 2023, Théâtre de Châtillon – 4 avril 2023, Théâtre d’Angoulême – 24 et 25 mai 2023, La Comédie de Valence – 30 mai au 1er juin 2023, Théâtre du Nord, en partenariat avec la Rose des Vents, Lille.

Angela Davis, une histoire des États-Unis

© Jérémie Lévy

Texte de Faustine Noguès, mise en scène et scénographie Paul Desveaux, avec Astrid Bayiha – compagnie L’héliotrope, au Théâtre Paris-Villette.

C’est un portrait de femme, militante communiste, pacifiste et féministe, professeure de philosophie, qui dès sa jeunesse défend ardemment les droits humains, particulièrement ceux des minorités. Née en 1944 à Birmingham, en Alabama, dans un quartier où le Ku Klux Klan pose fréquemment des bombes, Angela Davis entre au cœur des discriminations raciales dès l’école primaire qu’elle fréquente, réservée aux Noirs et moins dotée que l’école des Blancs. Elle passera sa vie à s’interroger sur les raisons des discriminations, d’autant quand elle part dans une école secondaire privée de New-York située à Greenwich Village et basée sur les principes de l’éducation nouvelle. Dès lors elle entend parler de communisme et commence à militer dans une organisation de jeunesse marxiste-léniniste.

Le montage du texte, Angela Davis, une histoire des États-Unis s’appuie sur l’autobiographie qu’Angela Davis a rédigé, certains de ses discours, des archives vidéo et l’écrit de Faustine Noguès. Le spectacle débute par la référence à la violence policière américaine qui a mené à la mort de Georges Floyd, devenu figure emblématique, cet « homicide justifié » comme certains le nomme. Suivent quelques images d’une interview fictive réalisée par Paul Desveaux le metteur en scène interrogeant l’actrice, Astrid Bayiha, qui incarne brillamment Angela Davis et parle de ses prises de position et de la non-violence qu’elle défend.

Elle est pourtant très vite surveillée par le FBI et poursuivie par la justice suite à la tentative d’évasion de trois prisonniers qui prennent un juge en otage et se conclut par sa mort, en août 1970, tué par l’un des fusils qu’elle avait achetés deux jours auparavant. Emprisonnée pendant plus de seize mois après une courte cavale malgré la réprobation des intellectuels du monde entier, elle sera ensuite acquittée et poursuivra une carrière universitaire basée sur la philosophie féministe et les études afro-américaines. « Je théorise la lutte » dit-elle dans son envie de transformer le monde et sa rencontre avec les textes entre autres de Marx, Sartre et Marcuse.

De l’écran au plateau l’actrice défend avec conviction les étapes de l’engagement de son personnage : son activisme au sein du Black Panter party, sa lutte contre les inégalités et discriminations aux États-Unis, la violence et les injustices. C’est de France où elle séjourne qu’elle est informée, en septembre 1963, d’un attentat qui a frappé l’église baptiste de sa ville de Birmingham. Quatre jeunes filles ont été tuées, elle en connaissait trois. La révolte gronde pour elle. Cette révolte est aussi portée par celle de Rosa Parks évoquée dans le spectacle qui, petite n’avait pas accès aux transports scolaires, interdits aux enfants de couleur et regardait passer les bus chargés des élèves blancs. Plus tard, adulte, elle eut une violente altercation pour avoir refusé sa place à un Blanc et elle commente « J’avais 42 ans. Mais s’il y avait bien une chose qui me fatiguait, c’était de courber l’échine. » La ségrégation battait son plein. La liste des brimades quotidiennes est longue.

© Jérémie Lévy

Sur scène, l’actrice incarne Angela Davis dans tous ses combats, elle qui reconnaît porter la triple peine qu’elle énonce : être noire, communiste et femme. Elle est son propre chef d’orchestre et, micro en main, navigue du pupitre-son placé à côté d’elle au récit, au slam et au chant avec beaucoup d’aisance et de talent. Sa voix jazzy, son balancement et sa détermination apportent les variations d’ombre et de lumière aux situations, au personnage. Elle est accompagnée dans la démarche musicale de Blade MC Alimbaye, poète, slameur et rappeur et c’est très réussi. Angela Davis, une histoire des États-Unis est un travail courageux sur la défense des droits civiques et de l’égalité pour tous, porté par une équipe. La dernière image repart sur l’interview du début, fermant ainsi le spectacle mais laisse ouvert les vigilances à garder et les combats à mener.

Brigitte Rémer, le 5 juin 2022

Avec : Astrid Bayiha, en alternance avec Flora Chéreau – spectacle réalisé sur une idée originale de Paul Desveaux et Véronique Felenbok – assistante à la mise en scène Ada Harb – création musicale et coaching chansons Blade AliMBaye – lumière Laurent Schneegans – images Jérémie Lévy – régie générale Johan Allanic.

Du 31 mai au 4 juin 2022 au Théâtre Paris-Villette. Sites : www.theatre-paris-villette.fr et www.heliotrope-cie.com En tournée : 7 au 31 juillet 2022, Théâtre des Halles, Avignon –  20 et 21 septembre 2022, Princeton (États-Unis) – 30 septembre au 4 octobre 2022, Massachusetts International Festival of the Arts (États-Unis).

L’Empire des lumières

© NAH INU National Theater Company of Korea

D’après le roman de Kim Young-ha, adaptation Valérie Mréjen et Arthur Nauzyciel,  mise en scène Arthur Nauzyciel, à la MC 93 Bobigny – National Theater Company of Koreaen, en coréen surtitré en français.

C’est une plongée au cœur des ténèbres dans un Empire dit des lumières qui n’est que pure fiction. On savait le monde divisé, ce voyage en Corée nous place à la fracture du Sud, société démocratique et du Nord, société totalitaire, avec une grande violence. C’est glaçant !

Le roman de Kim Young-ha, l’un des chefs de file de la nouvelle littérature sud-coréenne né en 1968, nous conduit dans les réseaux d’espionnage entre le Nord et le Sud. Le récit nous mène sur les traces de Kim Kiyeong à Séoul, à travers son travail et sa vie familiale, parcours qui, tout-à-coup se brise. Importateur de films étrangers et père de famille banal, cet homme reçoit un message codé sous forme d’un haïku du célèbre poète japonais du XVIIème siècle, Bashô : « Au fond de la jarre/sous la lune d’été/une pieuvre rêve. » Ce message, Ordre numéro 4, le plonge dans un profond désarroi et un lointain passé. Il comprend qu’il est rappelé en Corée du Nord d’où il vient, après vingt ans d’une vie au Sud, un peu flottante, avec un travail qu’il a développé, une femme qu’il a épousée et dont il a eu une fille. Le compte à rebours se met en marche, il a vingt-quatre heures pour faire ses bagages et partir.

On remonte avec lui le fil du temps et son passé nous est livré par bribes. Au Sud, tout le monde ignore qu’il est un espion dormant, comme oublié du Nord, un transfuge, y compris sa propre femme à qui il est contraint de se raconter, avant de partir. « Dans mon activité il faut savoir passer inaperçu » confie-t-il. L’heure de vérité est bouleversante. Il passe aux aveux et décline sa véritable identité, sa jeunesse dans un appartement sommaire de Corée du Nord, l’enrôlement dans les services secrets pour s’infiltrer dans la vie ordinaire de Corée du Sud dans un processus de dépersonnalisation et de dualité, après une formation des plus surréalistes et un certain conditionnement. Pour elle, qui en quelques secondes, refait le parcours, elle qui ne comprenait pas son absence d’émotion et un certain manque d’affect, qui trouvait en lui quelque chose d’un peu lisse, la distance et le détachement sont déjà à l’œuvre. Elle prend maintenant acte de quinze ans de mensonges. « Tu ne te connais même pas toi-même. Commence donc par te comporter en espion digne de ce nom. Ta république t’appelle, non ? » Pour lui c’est le destin d’un homme qui s’écroule alors qu’il prétendait changer le monde et oscillait entre fidélité et trahison. Il ne lui reste que cet arbitrage : partir ou rester, mais ici ou là-bas, c’est la mort certaine. En fait, personne ne rentre au Nord, comprend-il. Et il saisit qu’autour de lui et parmi ses plus proches collaborateurs, il n’avait cessé d’être observé et au final, trahi. On entre dans les réseaux de délation où tout le monde est une potentielle balance, dans les exécutions et les meurtres, y compris de ceux que l’on croyait des amis.

© NAH INU

L’adaptation et le chemin théâtral proposés par Arthur Nauzyciel – qui a monté le spectacle à Séoul et l’a présenté au National Theater Company of Korea (NTCK) en 2016 dans le cadre de l’année France-Corée – sont remarquables, ainsi que l’équipe d’acteurs coréens qu’il a guidée. Au roman de Kim Young-ha ont été ajoutées certaines séquences à partir de leurs histoires et souvenirs personnels. Au-delà de la partition entre le Nord et le Sud et de sa dimension historique et politique, l’étrangeté qui s’immisce entre les êtres et la déchirure, au plan personnel, intime et familial, se renforce et il y a une grande détresse.

Le metteur en scène s’appuie sur l’image, comme dialogue essentiel avec l’action du plateau, à partir de deux écrans à angle droit où les scènes se répondent et se prolongent, où elles relaient le propos. Cela le sert, et c’est si bien réalisé qu’on a l’impression d’un ensemble qui se complète (conception et réalisation Ingi Bekk et Pierre-Alain Giraud). Ainsi la gravité du visage de Mari quand elle se raconte sur scène et que s’affiche un long plan fixe, les images à l’envers où l’on marche au plafond, significatives, l’hôtel et les caméras dans chaque chambre, le Livre de la Jungle en quelques séquences pour offrir un peu de distance.

La scénographie (Riccardo Hernández) met autour d’une table-bureau deux actrices et six acteurs côté jardin. À certains moments, chacun devient narrateur mais surtout chacun est en permanence sous le regard des autres et on ne sait plus qui surveille qui. Côté jardin un canapé, équilibre l’espace. L’image presque finale, après les aveux de Kim Kiyeong est forte : Mari (Moon So-ri) y est allongée, Kim Kiyeong aussi (Hyunjun Ji), mais un étage plus bas, sur le sol, comme pour un pardon. Leur interprétation, à l’un comme à l’autre, est remarquable. La suite et fin du spectacle le montre en train de partir et sur des images où il semble se noyer. Une lampe de poche telle un fusil lui est remise, dont il braque le faisceau sur les spectateurs. Solitude extrême. Dans la salle, le public est concentré, l’émotion est là et on sort sonnés de ces moments crépusculaires.

Dans le roman de Kim Young-ha comme sur scène, le socialisme rêvé fait œuvre de destruction non seulement de la société mais des individus. La déconstruction qui l’accompagne dans le parti-pris d’Arthur Nauczyciel – metteur en scène formé aux arts plastiques, au cinéma et au théâtre, actuellement directeur du Théâtre National de Bretagne – en est la lecture subtile et rigoureuse amenant à une vision critique et mélancolique de la Corée du Sud.

Brigitte Rémer, le 4 juin 2022

Avec :  Ji Hyun-jun, Lim Yun-bi, Jung Seung-kil, Yang Dong-tak, Yang Savine, Kim Han, Kim Jung-hoon, Lee Hong-jae. Décor Riccardo Hernández – lumière et design vidéo Ingi Bekk – réalisation, image et montage vidéo Pierre-Alain Giraud – son Xavier Jacquot – costumes Gaspard Yurkievich – maquillage et coiffure Baek Ji-young – assistanat à la mise en scène Raphaël Haberberg – régie générale Sylvain Saysana – régie plateau Éric Becdelièvre  – régie lumière Christophe Delarue – régie son Xavier Jacquot – régie vidéo Pierre-Alain Giraud – collaboration artistique Lee Hyun-joo – assistanat à la scénographie Jung-ah Han

Du 2 au 5 juin 2022 à la MC 93 maison de la Culture de Seine-Saint-Denis. 9 Bd Lénine, Bobigny. site : www.mc93.com et www.t-n-b.fr Spectacle créé du 4 au 27 mars 2016 au National Theater Company of Korea (NTCK) – Production Théâtre National de Bretagne, National Theater Company of Korea (NTCK) – Coproduction CDN Orléans/Centre-Val de Loire dans le cadre de l’année France-Corée 2015-2016 – Avec le soutien du Centre Culturel Coréen à Paris et du Service culturel de l’Ambassade de France en Corée – Traduit du coréen par Lim Yeong-hee et Françoise Nagel, L’Empire des lumières est publié aux éditions Philippe Picquier.

The Interrogation

© Tuong-Vi Nguyen

Texte Édouard Louis et Milo Rau, mise en scène Milo Rau, avec Arne de Tremerie – à La Colline Théâtre National – spectacle en néerlandais surtitré en français.

C’est un étrange objet théâtral où se superposent les visages d’Edouard Louis, l’auteur et de Arne de Tremerie, acteur du NTGent. La ressemblance est troublante, même yeux clairs, baskets et sweats blancs, jean et sac à dos, les deux hommes sont purs sosies, impression renforcée par le dialogue qui s’installe entre le plateau et la vidéo, ce questionnement de l’acteur à l’auteur, de l’auteur au metteur en scène.

Préparant un spectacle avec Milo Rau, Édouard Louis aurait pu être sur scène mais pris de panique, se désiste et lui écrit, ce sont les premiers mots du spectacle : « Je ne serai pas là. » Il mène son combat d’artiste entre l’écriture et le jeu avec lequel il a eu une première expérience, dans Qui a tué mon père – publié en 2018 et mis en scène par Thomas Ostermeier deux ans plus tard – il choisit l’écriture. « J’ai échoué avec le bonheur, une fois de plus » dit-il.

À la frontière du théâtre et du réel, on entre dans le trouble du récit de vie qu’il donne sous le regard créatif de Milo Rau. De leur échange est née L’Interrogation, qui touche au doute, à l’échec et à la vulnérabilité. « Je pense que notre pièce navigue entre ces deux réalités : l’impuissance et le pouvoir de l’art, de la performance, de changer une réalité individuelle et collective. »

Entrelacé dans l’autobiographie et les blessures de l’enfance et au-delà des auto-citations, Édouard Louis parle de ses références, de Tintin au pays de l’or noir à Bourdieu, de Purcell à Sarah Kane, de Didier Éribon son mentor, auteur de Retour à Reims à Bernard-Marie Koltès et Jean-Luc Lagarce. Il parle de son enfance douloureuse d’Hallencourt et des provocations permanentes dans la cour du collège, des cours de théâtre qui lui ont sauvé la vie et de Gérard son professeur qu’il croise dans le métro par hasard, d’une interview sous un abribus, de la lecture à outrance qui a vengé son enfance, de sa liberté retrouvée : « Maintenant, j’existe » dit-il.

Édouard Louis utilise sa propre vie et interroge sa biographie pour comprendre notre époque. Il l’a fait en 2014 dans En finir avec Eddy Bellegueule qui parle de l’enfance et de l’adolescence, de l’éveil à l’homosexualité et par là-même de l’agressivité des autres et du rejet ; en 2016 avec Histoire de la violence qui évoque le viol ; en 2021 avec Combats et métamorphoses d’une femme, hommage à sa mère. Il a traduit l’écrivaine canadienne, Anne Carson, et entre autres son livre Antigonick. Il mène ses combats intérieurs par la plume. Sa rencontre artistique avec Milo Rau, dramaturge suisse, directeur artistique de l’Ensemble NT Gent, à Gand, ouvre sur un spectacle relativement iconoclaste où ce qu’il a livré dans ses écrits précédents se retrouve. Porté par Arne de Tremerie dans un effet miroir troublant et pertinent, tout questionne le théâtre et son double avec intelligence, sensibilité et élégance. « Le cœur du théâtre est le même que celui de la littérature : montrer ce qui est difficile à montrer. Le théâtre ne devrait pas être un endroit sûr » dit Édouard Louis parlant de ce travail avec Milo Rau.

Il neige sur Hallencourt comme sur le plateau de la Colline où Édouard Louis, Milo Rau et Arne de Tremerie déposent leur vérité partagée, provoquant chez le spectateur questionnement et réflexion.

 Brigitte Rémer, le 27 mai 2022

Dramaturgie Carmen Hornbostel – lumières Ulrich Kellermann – assistant à la mise en scène Giacomo Bisordi – direction technique Jens Baudisch – direction de production Mascha Euchner – Martinez – traduction Erik Borgman et Kaatje De Geest.

De 18 à 24 mai 2022 à 20h – La Colline Théâtre National, 15 rue Malte-Brun. 75020. Paris – tél. : 01 44 62 52 52 – www.colline.fr

Brazza – Ouidah – Saint-Denis 

© Jérémie Levy

Texte et mise en scène Alice Carré, Compagnie Eia ! Théâtre Gérard Philipe CDN de Saint-Denis, dispositif Premiers Printemps.

Après Et le cœur fume encore qu’elle présentait il y a deux ans dans ce même Théâtre Gérard Philipe sur le thème de la guerre d’Algérie, Alice Carré s’attaque à d’autres vérités cachées, à d’autres non-dits, la relation de la France avec les tirailleurs dits Sénégalais, qui venaient en fait de différents pays d’Afrique – Congo, Gabon, République Centrafricaine autrefois Oubangui-Chari, Bénin. Ils auraient été 400 000 enrôlés par l’armée française dont 40 000 envoyés sur le front français. Partant de ces données et malgré les contradictions des historiens, Alice Carré a élaboré un scénario basé sur les matériaux d’archives et sur les témoignages d’anciens combattants et de leurs descendants. Comme souvent ils avaient enfoui au plus profond leur histoire, les jeunes générations se mettent en quête de leur identité et questionnent parents et grands-parents.

Plusieurs histoires familiales se croisent ici, de soldats africains exposés aux avant-postes, face à une France dans le déni, l’absence et l’oubli. Mais « Brazza la verte se souvient de tout » nous dit-on. La ville avait été déclarée capitale de la France Libre, le 26 octobre 1940. On nous parle de Bacongo, l’un des plus anciens quartiers de Brazzaville où les Sapeurs défilent sur l’avenue Matsoua dans leurs élégances excentriques, toutes couleurs dehors. On nous parle surtout de la souffrance des soldats dans le froid et des luttes pour les indépendances. Le massacre de Thiaroye dans un camp militaire de la périphérie de Dakar, le 1er décembre 1944, est emblématique du déni français : des troupes coloniales et gendarmes français avaient mitraillé les tirailleurs, ces anciens prisonniers rapatriés à qui la France devait de l’argent, et qui ce jour-là manifestaient pour toucher leurs indemnités et le versement de leur pécule. Les historiens ne se sont jamais entendus sur le nombre de morts à Thiaroye, mais ils furent nombreux.

Alice Carré tisse la toile d’une histoire peu glorieuse pour la France, pour ne pas dire odieuse et place deux petites filles de soldats, Luz et Melika, comme protagonistes en quête de la vérité. Luz part à Brazzaville faire des recherches, Melika, française d’origine béninoise, taraude son père et questionne les albums photos familiaux. Pourtant, l’écriture narrative prend parfois une tournure un peu romanesque qui perturbe l’intensité du récit et quitte le documentaire pour une fiction plus légère. Ainsi l’amourette entre la jeune Française en quête de vérité et le jeune Africain dont l’ancêtre a combattu, ainsi l’enfant né de la liaison entre la marraine de guerre et le soldat dont elle organise l’évasion, diluent l’âpreté du témoignage brut et de la réelle problématique de colonisation. Dans la 1ère Division Blindée, Zola fut engagé volontaire et avait reçu des Américains une courte formation. Il avait horriblement souffert de la neige et du froid. On voit des cartes militaires, entrées tant bien que mal dans la mémoire, on est face au fleuve Congo séparant Brazza de Kinshasa, on suit l’achat d’un terrain à Ouidah, au Bénin, berceau de la culture vaudou. Des images apparaissent et disparaissent comme le port de Morlaix, les camps de prisonniers, le récit du massacre, la caricature de jugement pour les soldats français impliqués, car il n’y a pas eu de véritable procès, à peine quelques dégradations militaires et condamnations en guise de réponse. Tout cela est un peu éclaté car le sujet est vaste et anguleux.

Au-delà de la dissimulation et de la manipulation des archives, Alice Carré et son équipe ont eu accès à de vrais documents, ont repéré la trace des monuments-hommages aux soldats tombés, à Douala, à Brazza. L’équipe s’est appuyée sur les écrits de l’historien Martin Mourre dont Thiaroye 1944. Histoire et mémoire d’un massacre colonial, « métaphore de la violence et de l’injustice coloniale » et sur ceux d’Armelle Mabon qui, avec Prisonniers de guerre « indigènes » parle de ces visages oubliés de la France occupée et démonte la thèse de la mutinerie.

Brazza – Ouidah – Saint-Denis est un énorme chantier qu’a ouvert Alice Carré et une boîte de Pandore, difficile à maîtriser dans les méandres de la mémoire collective, car elle engage le politique et bien en amont les ravages de la colonisation. C’est ambitieux et généreux. Entrecroiser ce passé et le présent, et théâtraliser le récit, n’est pas simple, tout n’est pas abouti en termes de langage scénique. Les six acteurs interprètent plusieurs rôles et composent parfois avec le décalage des générations dans une incarnation complexe : une vieille femme congolaise, une autre, plus jeune, ignorant ses origines, un fils de tirailleur, un soldat français vichyiste, les jeunes femmes en quête de leurs origines, l’homme de loi. Ils ont travaillé sur l’écriture des corps avec la chorégraphe Ingrid Estarque. La scénographie (Charlotte Gauthier Van Tour) se compose de toiles qui donnent une fluidité à la création d’espaces menant d’Afrique en France. Lumière et son (Mariam Rency et Pierre-Jean Rigal) participent de l’écriture scénique apportant ses climats et ses troubles. Et l’esprit voyage douloureusement face à l’amnésie d’un pays devenu grand par les contributions souvent forcées d’autres pays.

Brigitte Rémer, le 30 mai 2022

Avec :  Loup Balthazar, Claire Boust, Eliott Lerner, Josué Ndofusu, Kaïnana Ramadani, Basile Yawanke et les témoignages de Armelle Abibou, Yves Abibou, Monsieur Balossa, Malonga Mungabio, Orchy Nzaba – chorégraphie Ingrid Estarque – collaboration à la mise en scène Marie Demesy – scénographie Charlotte Gauthier Van Tour – regard dramaturgique Loup Balthazar, Marie Demesy – lumière Mariam Rency – son Pierre-Jean Rigal – costumes Anaïs Heureaux – régie lumière Madeleine Campa.

Du 19 au 23 mai 2022, au Théâtre Gérard Philipe CDN de Saint-Denis, 59 Bd Jules Guesde, 93200. Saint-Denis – Tél. : 01 48 13 70 00 – site : www.theatregerardphilipe.com

Les Yeux Fermés

© Thomas Badreau

Chorégraphie de Mickaël Le Mer, compositeur David Charrier – Compagnie S’Poart – Les Gémeaux Scène nationale de Sceaux.

C’est un magnifique spectacle que propose la compagnie S’Poart – prononcer Espoir – qui traduit l’émotion de son chorégraphe Mickaël Le Mer devant l’oeuvre de l’artiste peintre Pierre Soulages, et qui partage son choc esthétique avec le public. Soulages vient de passer plus d’un siècle à cultiver son Outrenoir, qu’il appelle aussi Noir-lumière dans ses différentes variations : « Au-delà du noir une lumière reflétée, transmutée par le noir. Outrenoir : noir qui, cessant de l’être, devient émetteur de clarté, de lumière secrète. Outrenoir : un autre champ mental que celui du simple noir. »

La quête poétique menée par le chorégraphe et ses huit artistes – quatre danseuses et quatre danseurs – traduisent l’épaisseur de la matière et leur recherche de la lumière. Partant de l’obscurité ils prennent possession du plateau et célèbrent la vie. A partir de leur formation hip hop ils se fondent ici dans l’abstraction du tableau. Seuls les visages et les avant-bras émergent de l’outre-noir et guident les signes du mouvement. Un tapis noir brillant où se reflètent les figures provoque l’illusion et la démultiplication. On est dans le noir-silence et le contre-jour jusqu’à ce qu’un incendie embrase la structure du fond de scène qui se transforme en rideau d’or. On entre alors dans l’alchimie de la métamorphose.

Solos, duos et mouvements d’ensemble se succèdent avec virtuosité et précision en même temps qu’avec beaucoup de liberté, celle de l’alphabet hip hop en ses diverses expressions. Les ensembles sont d’une grande fluidité et maîtrise, de toute beauté. Le collectif est imprégné d’humanité et de partage et chaque danseur/danseuse évolue avec cohésion et construit son espace, seul, et avec les autres. On se croirait dans un milieu aquatique parfaitement harmonieux où chacun se sent bien, les corps se sculptent. Le compositeur, David Charrier, a accompagné la démarche de Mickaël Le Mer, « il dessinait ses propositions musicales », dit le chorégraphe. Le tout forme une œuvre chorégraphique superbement réussie, Les yeux fermés, reportée maintes fois pour raison de Covid et présentée en janvier 2022 au Festival de Suresnes.

L’aventure de la compagnie débute pour Mickaël Le Mer en 1996 par des collaborations artistiques avec les compagnies Käfig et Accrorap avant de se professionnaliser en 2001 avec son spectacle Extra Luna. De nombreuses pièces suivent, faisant évoluer la compagnie de création en création, dont In Vivo en 2007, Na Grani en 2010 dans le cadre de l’années croisée France-Russie, Instable en 2012, Rock it Daddy et Una en 2013, Rouge en 2014, Traces et R en 2015, Crossover en 2017, Butterfly en 2019 qui sera recréé en fin d’année 2022, Trace et Me Myself and I en 2020, ainsi que le solo Rage The Flower Thrower.

Mickaël Le Mer élabore une écriture chorégraphique exigeante qui s’appuie sur l’expérience personnelle des danseurs et maîtrise parfaitement l’espace scénique et les autres composantes du spectacle – lumière, scénographie et musique -. Il convie le spectateur à une célébration de la vie à partir du rite initiatique lié à la peinture de Pierre Soulages, et c’est très réussi.

Brigitte Rémer le 30 mai 2022

© Thomas Badreau

Avec : Elie Tremblay, Dylan Gangnant, Dara You, Teddy Verardo, Fanny, Bouddavong,  Jeanne Azoulay, Agnès Sales Martin, Audrey Lambert. Scénographie Guillaume Cousin – création costumes Elodie Gaillard – regard extérieur Laurent Brethome – régisseur lumière Nicolas Tallec – régisseurs plateau William Languillat – David Normand.

Samedi 21 mai 2022, Les Gémeaux / scène nationale de Sceaux, 49 avenue Georges Clémenceau. 92330. Sceaux – tél. 01 46 61 36 67 – site : www.lesgemeaux.comwww.spoart.fr – En tournée 2022/23 : 17 novembre 2022 Libourne – 22 novembre 2022 Saint Etienne du Rouvray – 27 novembre 2022 Cannes (Festival de danse) – 9 et 10 décembre 2022 Rennes – 2 février 2023 Niort – 7 février 2023 Beaupréau – 9 février 2023 Pontchâteau – 14 et 16 mars 2023 Nantes – 23 mars 2023 La-Ferté-Bernard – 4 avril 2023 Vesoul.